I Encuentro Europeo de Fotografía Santander 2016

El 1 y 2 de octubre de 2010 se celebrará en el Salón de Actos del Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander el I Encuentro Europeo de Fotografía Santander 2016.

Dirigido por Agnès de Gouvioun Saint-Cyr y entroncado con los proyectos de Jordi Bernadó y Bernard Plossu, se busca trazar una evolución de la mirada sobre Europa a través de la fotografía que contempla, piensa y refleja nuestra diversidad.

El curso esta abierto a todos aquellos que quieran participar hasta completar el aforo.

VIERNES 1 de octubre

16 h - Conferencia Presentación del Curso a cargo de Rafael Doctor Roncero (Director Fundación Santander 2016) y Agnès de Gouvion Saint-Cyr (Directora I Encuentro Europeo de Fotografía Santander 2016)

17 h - Gilles Mora

18 h - Harry Gruyaert
SÁBADO 2 de octubre

11 h - Inese Baranovska

12 h - Klavdij Sluban

13 h - Sergio Belinchón

16 h - Presentación del trabajo de Miguel Ángel García, Jorge Represa y Asociación Espacio Imagen

18 h - Raed Bawayah

19 h - Jordi Bernadó

Victoria Civera: intensidades trémulas

Sotileza | El Diario Montañés

La galería Robayera exhibe sus primeras obras neoyorquinas.

«Sin duda, el rechazo, la reclusión de un imaginario femenino sitúa a la mujer en un lugar donde se experimenta a sí misma de un modo sólo fragmentario. Se trata de una experiencia de los restos o del exceso en los márgenes apenas estructurados de una ideología dominante; es en este espejo donde el «sujeto» (masculino) ha de reflejarse y doblarse.»

Irigaray, 'El sexo que no es uno'.

La obra de Vicky Civera dio un paso importante en una dirección nueva cuando decidió no preocuparse más por los modelos pictóricos dominantes para hacer, ni más ni menos, lo que ella quisiera. El problema de muchos pintores, y desde luego no sólo de los pintores, es que no saben lo que quieren hacer. Hasta en nuestra propia vida tendemos a la imitación. Creo que Civera está empezando a hacer lo que quiere haciéndolo. Es un proceso vacilante, de tanteo, que intenta descubrir los cambios de escala, la ampliación de la gama de materiales utilizados, la concentración en su lenguaje. Y dicho proceso implica un acercamiento a la transparencia, la ambigüedad, la simplificación: la rendición ante lo sensual, ante lo intuitivo y ante sensaciones y afirmaciones articuladas sólo parcialmente. En resumen, se mueve hacia adentro, hacia un yo íntimo, hacia lo que podría denominarse (y uso el término con mucho cuidado y precaución) una zona femenina. Sus imágenes cartografían aquello que se siente intensamente pero que, en cambio, se reconoce sólo en parte. Son «frases» mínimas, mezcla de oscuros murmullos, aguadas claridades y silencios blancos. Civera trata de explorar esas tensiones cotidianas que parecen manifestarse en forma de nudos en la garganta, en forma de sensaciones que están ahí, aunque no sepamos su nombre real. Pueden ser tan sucintas como una frase de Wittgenstein, tan sentimentales como una producción de Hollywood o tan sugerentes o intrigantes como un susurro. Nos sirven para registrar impulsos o intuiciones, para reunir signos poéticos y para afirmar la absoluta contigüidad de lo audaz y lo vulnerable, de lo transparente y lo opaco, de lo protegido y lo desamparado, de lo simple y lo complejo. Civera ofrece las huellas de un yo ambiguo, de heridas y afirmaciones, de las ficciones de iniciación y acción compleja. Parafraseando a H.D., son, literalmente, «definiciones herméticas», sus propias interpretaciones de la imagen de la poetisa americana de la «rosa más roja» que ha de aprender a desplegarse frente al lamento ahogado de las voces circundantes y a afirmar su necesidad para convertir las emociones, a la vez efímeras y poderosas, en formas duraderas: tenemos la sensación de ir montados en la más conmovedora de estas imágenes hacia donde ella inexorablemente pertenece, a evocaciones de sentimientos humanos. Es como si fuese en el momento en que se dice algo inaudible, en el instante en que aparecen las ruinas en la arena, cuando por fin llegamos a saber algo. Y lo que llegamos a saber es lo que Bataille llama 'werte', la permisividad de la muerte y la carencia:

allí, como aquí, la ruina abre

la tumba, el templo; entra,

allí, como aquí, no hay puertas.

Civera desea que estas imágenes se sientan bien, y con eso se refiere, no tanto a la sensación de equilibrio, armonía y perfección, como a cierta sensación de tensión, a una especie de molestia psicológica o retiniana, a un dolor punzante en el ojo y en la mente. Son imágenes que revolotean alrededor del centro pero que nunca lo ocupan. Prefieren el temblor de la luz que rodea el cuerpo. Creo que en este caso es tan obligado como peligroso hablar de un lenguaje femenino. Lo peligroso es, evidentemente, caer en clichés sociales o sexuales, pero al mismo tiempo nadie puede refutar ni la necesidad de ni la evidencia cada vez mayor de una nueva sintaxis. Como asegura la teórica francesa Hélène Cixous, crea un nuevo lenguaje, una especie de vocabulario devastador, un 'ente' que apunta contra un dueño sin nombre. Estamos entrando en una situación nueva en la que este 'ente' se manifiesta en varios ámbitos. «(El ente) escribe... sueña... inventa mundos nuevos». Igualmente, Civera juega con la paradoja, afirma tanto lo que sospecha como lo que está palpablemente ausente.

Me gustaría ahora abordar esta cuestión de un contenido implícitamente femenino desde otro punto de vista. Sherry Ortner, en su conocido artículo '¿Es lo femenino a lo masculino lo que la naturaleza a la cultura?', comenta que por mucho que se pueda equiparar a la mujer como producción de signos con la sociedad humana, sus funciones reproductivas la identifica con el cuerpo animal, y, por tanto, se le percibe universalmente como «más próxima a la naturaleza que a los hombres». Así, la mujer representa algo intermedio entre la cultura y la naturaleza, por debajo del hombre en la escala de la trascendencia. Sitúa continuamente a la mujer en la periferia de la cultura y explica cómo llega a funcionar simbólicamente tanto como fuerza subversiva (bruja, mal de ojo, madre castradora) como trascendental (diosa-madre que ofrece salvación). No quiero decir que Civera adopta alguno de estos papeles simbólicos, pero sí que parece cada vez más interesada por explorar esa zona virgen que está en los márgenes de la cultura, para afirmar así categóricamente un continente de placer femenino que no es ni oscuro ni carente, como diría el discurso falo-logocéntrico.

El 'otro' en ella

Civera se deleita con la multiplicidad, con la diferencia, sintiendo al 'otro' dentro de sí misma. Dice cosas tan simples que están a punto de desaparecer, pero que, en la más modesta de las afirmaciones, han pasado a ser indelebles. No quiero decir en absoluto que las imágenes de Civera conformen un arte feminista, entre otras cosas porque carecen de un programa ideológico. Pero sí subrayará su condición femenina, su deseo de adoptar una sensibilidad particular. Le preocupa sobre todo la búsqueda de un lenguaje capaz de cambiar las cosas, una forma activa de escribir su propia historia. Avanza mediante la acumulación fragmentaria de percepciones e intuiciones. Está comprometida con la búsqueda de la epifanía y con un intento de organizar las sensaciones a medida que se van asentando. Se fija en lo diminuto, en los acontecimientos discretos, en los reconocimientos trémulos.

Todos tenemos nuestras debilidades, nuestros rincones obscenos, nuestra monumental mediocridad. Pero en nuestra vida cotidiana también hay momentos de generosidad, de claridad y de dolorosa intensidad. Son estos complejos de emoción -de alegría, de miedo, de ansiedad, de incertidumbre, satisfacción y deseo- lo que conforma la esencia de esas imágenes. Intentan abandonar la retórica, dialogar simple y directamente. Abrigan envoltorios de protección y no pretenden nada. Las mejores son tan limpias y autosuficientes como una frase musical, reverberan como acordes. Su tema no es el conocimiento: es casi como si nos advirtieran que el conocimiento se ha convertido peligrosamente en una moda. La sutil curiosidad de Civera juega con todo que le llega a las manos. Puede ser al mismo tiempo deliciosamente sensual y delicadamente persistente. Ubica su mundo en función de sus propios tonos y matices, transparencias y texturas, sombras y afirmaciones.

Utiliza polyester, acrílicos y pinturas industriales. Mezcla los tonos a partir de una base de vinilo, en busca de una manera de afirmar con precisión sus propios pequeños reconocimientos, confiriéndoles carácter y especificidad. Esta preocupación por la delicada precisión explica en parte su fascinación por una serie de materiales (yeso, algodón, lino, seda, terciopelo, tejidos sintéticos, fórmica, etc.). Estos materiales ofrecen, con sus cualidades táctiles y visuales, la definición de la imagen. Son esenciales a lo que se está diciendo. Recuerdo que Civera me decía que su atracción por estos materiales se debía posiblemente a recuerdos de la infancia, al olor a cerrado en la tienda de su abuela, con los estantes llenos de telas y su peculiar silencio. Por una parte, las imágenes la devuelven a los olores, a un mundo femenino. Pero, en el fondo, la memoria y la nostalgia son presencias totalmente secundarias y efímeras. Las imágenes insisten en su naturaleza compuesta: intensidades, cartografías, metáforas del cuerpo. Creo que están eternamente amenazadas por la disolución, y en este sentido me acuerdo del severo pronunciamiento de Foucault en 'Vigilar y castigar' sobre el destino del cuerpo en la cultura contemporánea: «El cuerpo es la superficie en la que se inscriben los acontecimientos, trazado por el lenguaje y disuelto por las ideas, el locus de un yo diseminado que adopta la ilusión de una unidad sustancial -un volumen en desintegración».

Oscuridad

Hay una frase taoísta que nos dice que el ser y el no ser surgen de un fondo único, y no se diferencian sino por sus nombres. Ese fondo único se llama Oscuridad. Oscurecer esa oscuridad, he ahí la puerta de toda maravilla. Paradójicamente, el reductivismo de Civera, su insistencia en lo mínimo, su rechazo del exceso, se convierte en un medio para oscurecer la Oscuridad y abrir la puerta a la sorpresa.Es, acaso conscientemente, un tipo de pensamiento provisional que abraza la contradicción y evita toda racionalidad totalitaria. No busca autoridad, sino que aspira a una condición musical capaz de aprehender lo innombrable. Elige la constante modulación de la ansiedad como preparación o acceso al estado de emoción auténtica. Es una actitud que no está de moda en una época en la que todos dicen haber vivido experiencias auténticas. Sin embargo, jamás podemos dudar de la existencia de esa emoción auténtica y del deseo de volver a vivirla.

Debajo de la piel

Sabemos que no hay formas verdaderas de decir las cosas, de ver las cosas, de pintar las cosas. Y lo sabemos porque, al escuchar las palabras de los demás, al ver las imágenes de los otros, sabemos que las nuestras serían distintas. Las imágenes de Civera, por muy transitorias o efímeras que parezcan, habitan en la mente y debajo de la piel. Civera no intenta glosar lo que ve, sino que acepta abiertamente el numen. Es un acto poético que permite que surja el misterio en medio de un flujo continuo de emociones. Civera marca sus propios límites y trabaja modestamente dentro de ellos, y, como he hecho constantes referencias a esta humildad, quiero aclarar que no entiendo ese término como una virtud sino como un eficaz principio ético. En esta obra ubica los armónicos mínimos de su discurso, las notaciones de una peculiar y aguda sensibilidad.

La artista cuida sus tesoros personales sobre todo ahora que se ha dado cuenta de lo distinto que son de los nuestros. Nos encontramos en la antítesis, y lo único que necesitamos es hacer caso de los demás.

La fotografía saca brillo a la naturaleza con el ZOOM

Las instantáneas de Mabel Elorza muestran la humedad que sostienen las 'Redes de agua', en la exposición que se inaugura en la fotogalería de Santander

M. San Miguel | El Diario Montañés

Las imágenes muestran las increíbles arquitecturas que tejen las arañas en los campos.Las paredes de la galería Zoom están húmedas, llenas de gotas de agua que brillan en las fotografías de Mabel Elorza. Su trabajo vertebra la propuesta expositiva desde hoy, viernes, y hasta el 3 de octubre en el espacio expositivo que dirige Pedro Palazuelos. 'Redes de agua' se abrirá al público esta tarde a las 19.30 horas en la sala de la calle Juan de Herrera de Santander.

En esta muestra la naturaleza es la protagonista y también el punto de vista adoptado. El objetivo de Elorza se acerca de forma indiscreta a las increíbles arquitecturas que tejen las arañas en los campos. Las telas, sin embargo, sólo se intuyen, desaparecidas por las gotas de agua que tras la lluvia se posan, atrapadas en sus redes.

Los dibujos que forman y la ilusión que generan los diferentes niveles de zoom hacen que las imágenes obtenidas contengan grados progresivos en la pérdida del motivo, adquiriendo más plasticidad y abstracción a medida que se acerca más a lo fotografiado.

Las instantáneas de la naturaleza, a menudo desdeñada por la fotografía con mayúsculas, invita siempre a la contemplación de nuestro entorno más primitivo, cargado de belleza y sabiduría original. «En la naturaleza se presiente un equilibrio entre orden y caos que resulta valiosísimo al urbanita estresado», según explica la crítica de arte Lidia Gil. En ella se explican mucha cosas esenciales que olvidamos cada día». Cualquier detalle de un espacio natural sirve de ejemplo para comprender, como unas redes de agua sostenidas en el vacío por una poderosa tela invisible: ingeniería, diseño, magia y pura poesía. Las mismas estructuras se repiten hasta el infinito en este mundo fractal del que formamos parte. Cada punto de vista aporta un grado más de consciencia y de disfrute estético, como es el caso de la propuesta que firma Mabel Elorza, que con la exposición que inaugura esta tarde en la sala de Juan de Herrera suma su primera propuesta individual en la galería Zoom, donde ya participó en una colectiva.

Inauguración en Arnuero

El Observatorio del Arte de Arnuero aborda esta tarde, a las 20 horas, la recta final con la inauguración de la exposición de la artista santanderina Arancha Goyeneche, que cerrará la presente temporada expositiva del Observatorio del Arte con 'Is not easy to be green, hasta el 16 de octubre .

Organizada por la Concejalía de Cultura, la última muestra de esta temporada en el Observatorio que ha contado con la mujer como eje dominante, incluirá en la jornada inaugural la actuación del grupo Jazz Stop. Al trío formado por Enzo Pesce, Ito Luna y Adolfo se ha sumado como vocalista Coco Cisneros.

Las creaciones de Goyeneche poseen presencia escultórica y fotográfica, huellas de nuevas tecnologías, potencia visual, mixtura de instalación e intervención, sentido espacial y arquitectónico. Aunque la pintura no tiene presencia directa, siempre hay una reivindicación de lo pictórico a través de herramientas alternativas: tiras de vinilo, plásticos, fluorescentes o proyecciones que conforman las escenografías de Goyeneche (Santander, 1967). Actualmente confiesa su querencia por crear piezas efímeras, de grandes dimensiones, destinadas específicamente a los espacios expositivos, caso de Arnuero.

Nueve meses, todo un parto

Regresamos de nuevo tras unas largas vacaciones, con más fuerza y contenidos que nunca, y en espera de la deseable colaboracion de aquellos a los que les interese el arte y la creatividad en Santander. Ya han pasado 9 meses desde que iniciamos la busqueda y observación de todos y cada uno de los contrenidos plásticos que esta ciudad requiere y usa a diario. Para ello, seguiremos activos desde este mismo blog, y en facebook o twiter, recopilando información desde internet, prensa, correo electrónico o el boca a boca, para teneros puntualmente informados, de cuanto sucede en esta inquietante ciudad llena de cosas. Os saludo cordialmente con un abrazo sincero para todos los que nos seguis y para los nuevos, recibid una cordial bienvenida.

Tercera edición de Arte sonoro de Santander

La Tercera edición de Arte sonoro de Santander se durante los días 1, 2 y 3 de Julio.

Para acceder a toda la informacion:

http://www.santandersonoro.org/

Este año la programación contará con artistas tan diversos como:

ANGARAHD DAVIES : Experimenta todos los sonidos posibles haciendo sonar las partes más inesperadas del cuerpo del violín. Angaradh acaricia, araña y percute sobre el instrumento brindándonos una experiencia única. Improvisadora e interprete reconocida tanto de música clásica como de compositores contemporáneos.

OREN AMBARCHI : El delicado universo sonoro que es capaz de producir una guitarra debidamente procesada, permite a Oren Ambarchi utilizarla para conseguir sonidos hipnóticos, luminosos, etéreos, constantes...una fuente sonora inmolaste de gran belleza. Su álbum "Triste" fue ganador de una mención honorífica en Prix Ars Electrónica 2003, en la categoría de música digital.

MOHAMMAD : Trio compuesto por Nikos Veliotis (violonchelo), Coti (contrabajo) e ILIOS (osciladores de ondas ). Cada uno con una larga trayectoria en el campo del arte sonoro y la música experimental, se han unido para estudiar los principios de la intermodulación. Su primer disco ¨Roto Vildblomma¨ha sido acogido con gran entusiasmo por los críticos y el público.

METAMKINE : Sus actuaciones combinan las proyecciones de 16 mm y la música electrónica en directo.

Músicos y cineastas están en el escenario frente al público desarrollando un juego entre la imagen y el sonido, el proyector de cine es un instrumento parecido a la grabadora, por ejemplo.

"Cine para los oídos... música para los ojos".

ALESSANDRA ROMBOLA : Los objetos de cerámica "suenan" en manos de esta artista, que desarrolla un personalísimo universo sonoro mediante su trabajo con distintas flautas. Especializada en las “técnicas extendidas” y en la interpretación de partituras gráficas (Cage, Cardew, Runswick). Colabora con los mas destacados músicos de la escena europea: Michel Doneda, Xavier Charles, Ingar Zach, Wade Matthews, Rhodri Davies ente otros.

Fiestas de verano en la céntrica calle del Sol durante todo el fin de semana

Con la interpretación de madrigales ingleses, en la iglesia de Los Carmelitas, y concierto de campanas en la calle dieron comienzo ayer en la calle del Sol las fiestas de bienvenida al verano en las que habrá música de todo tipo, desde clásica a flamenco, pasando por la percusión africana, exhibición de campaneros, danza, teatro, fotografía, poesía, un tradicional concurso de tortillas y casetas gastronómicas en la calle.

Hoy se ofrece concierto de órgano en Los Carmelitas, apertura de casetas en la calle, elaboración de cerámica, música de rock y proyección de película 'Tiempos modernos', a las 23.30 horas, con sillas que deberán bajar los vecinos desde sus casas. Las actividades se celebran también en los numerosos locales de la zona y las fotografías que se realizarán de los actos se irán exponiendo en los escaparates de los locales.

El sábado desde las 10.00 horas se desarrollarán casi treinta actividades. Taller de fotografía en la galería Roales, un concurso de pintura rápida, taichi, juegos tradicionales, bailes de salón, taller de esgrima, representación teatral, interpretación poética a cargo de Isidro Ayestarán y música en los locales. El homenaje a 'Cioli' será a las 21.45 horas en el escenario de la calle.

Y el domingo, desde las doce de la mañana, habrá taller de percusión africana, mercadillo, bailes regionales, música, montaje La Cámara Hiperbárica en el Garaje Sol, actuaciones de circo y de acrobacias y degustación de pizzas.

No acaban aquí las actividades ya que en las salas de exposiciones y en los locales de copas se celebran exhibiciones artísticas. La calle ha sido engalanada para que sea aun más atractiva.

Programa eventos:

VIERNES 25 JUNIO--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

16:00  RAKU. Técnica tradicional oriental de elaboración de cerámica
19:00  Apertura de casetas.
20.00  RAQUEL SCHEFER. Inauguración Demolden
20:15  CONCIERTO DE ÓRGANO. JAIME GALLO TERÁN y ZORITSA ZOHOSHEVYCH. Iglesia de los Carmelitas
20:30  EL GUIRI GABACHO. Rubicón
22:00  NOCHE DE CINE. Bokeh
22:30  EL ROCK EN LOS 70-80. Proyección audiovisual. Zapa
22:15  CHICKTONES. Escenario
22:30  LONE ARK. Moondog
22:30  DAKO-DAJA-WU. Factory
22:30  Dj DUNKER Y Dj KANG. Metropole
22:30  PROYECCIÓN REGGAE 2009-10. Cool
22:45  DANTE PLACE. Metropole
23:30  "A MANDÍBULA BATIENTE”. Monólogos.Urban Classics
23:30  TIEMPOS MODERNOS. Cine. Dolmen
SABADO 26 JUNIO----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
10:00 MONTAÑA DE CONOCIMIENTO. Taller de Fotografía Roales
10:00 CONCURSO DE PINTURA RÁPIDA. Inscripción en Espacio Espiral
11:00 TAI CHI. Dirigido por el maestro Francisco Puig. Calle Sol.
11:00  CONCURSO DE TORTILLAS. Límite de entrega 12.3oh.
12:00  Apertura de las casetas. Pinchos de Restaurante Sixtina
12:00  JUEGOS TRADICIONALES.
12:00  BAILES DE SALÓN.
12:00  Taller de MUNDANALRÜIDO.
13:30  Juan Silió LOS CASTOS.
14:30  FALLO CONCURSOS de Tortillas y Pintura Rápida
15:00  COMERCIO JUSTO.
16:30  TALLER DE ESGRIMA.Agrupación Deportiva de Esgrima Cántabra
17:00  THE SPANISH PEASANT. Rubicón
20:00  FOTOGRAFÍA EN MOVIMIENTO: PABLO HOJAS
20:30  LA CÁMARA HIPERBÁRICA. Centro Cultural Europeo Eureka
21:00  CONTACT-URBAN IMPROVISATION.A cargo de Espacio Espiral
21:45  HOMENAJE AL CIOLI. Escenario
21:45  RETRATO COLECTIVO. Foto asistentes, en la calle
22:00  THE CREAMS.Escenario
22:00  Dj-Vj. LIVE. Tomillo y Mario Quesada. Cool
22:00  THE PUZZLES. Bokeh
22:00  FIESTA MUSHROOM PILLOW RECORDS con Plastic Adict Djs. Metropole
22:00  JAVI BOTANZ. Dolmen
22:00  “DECADENCIA: POESÍA URBANA” de Isidro R. Ayestarán. Urban Classics
22:00  ISAÍAS LAZY. Factory
DOMINGO 27 JUNIO-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
10:00  MONTAÑA DE CONOCIMIENTO. Taller de Fotografía Roales
12:00  Apertura de casetas. LAS GILDAS.
12:00  TALLER DE PERCUSIÓN AFRICANA. Con Dani Peña. Zapa.
12:00  MERCADILLO.
12:00  Taller de MUNDANALRÜIDO.
12.30  Juan Silió LA PELÍA.
12:30  Bailes Regionales
13:00 LA CÁMARA HIPERBÁRICA.Garaje Sol
14:00  QUINTETO LÁSTIMA.Casa de los Cantera
15:00  COMERCIO JUSTO: Gira por el desarrollo
17:00  CIRCO DE LO INSÓLITO.
18:00  GRUPO ACROBÁTICO PERIPÉCIAS.
18:00  “Un día de verano” CASETA SOL CULTURAL.
18:00  Pizzas elaboradas por Pizzería Pinocho
19:00  JIMI CAN & THE PATO BAND. Casa de los Cantera
19:00  QUASAR TEATRO. "Esto no es una manzana" DelSolSt
20:30  AFROSOUNDSYSTEM. Grupo de percusión. Colilla
20:30  PASACALLES DEL ORGULLO GAY. Gran Nogara, Oky, Farruca, Brava, Nene, Kinny, Pepe Aro. Colilla
21:00  Cub djs. Meropole
21:30  TROPIC Escenario.
21:30  DJ STONER. Factory
21:30  KAS Y MEÑO. Flamenco. Dolmen.
21:30  NAZIM ZÁRATE. Niagara
21:30  POTAJE FLAMENCO. Cool
21:30  CHEMA DELIA. Urban Classics
EXPOSICIONES---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
JAVIER LAMELA. “A través de mi Argus” DelSolSt.
FRANCISCO SUÁREZ. “La casa del mediodía” Juan Silió
“PINTURA MURAL”Dos artistas llevarán a cabo una intervención mural que acercará al público el método creativo.
Colar...te
SANTIAGO POLO. “Límites” DelSolSt.
TORI Dolmen, Rubicón, Urban Classics y Zapa
BRUNO OCHAITA La caverna de la luz
RAQUEL SCHEFER Demolden
PROYECCIÓN DE IMÁGENES En distintos puntos de la calle
Exposición fotográfica Metropole
I concurso de fotografía de las Fiestas de la Calle del Sol Bokeh
TALLERES-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
I TALLER-CONCURSO DE PINTURA RÁPIDA “CALLE DEL SOL”
Sábado 26, 1o.oo-14.ooh.
I TALLER CONTACT-URBAN IMPROVISATION  CONVOCATORIA
Creación de acciones físicas en el espacio urbano. Destinado a actores profesionales y en formación, bailarines, acróbatas y performers. 21, 22, 23 (de 18 a 2o h.) 24 y 25 (de 18 a 21 h.)
TALLER DE FOTOGRAFÍA EN MOVIMIENTO Coordinan: PABLO HOJAS y RAUL LUCIO
LABORATORIO DE ARTE Y EXPERIMENTACIÓN Por MUNDANALRÜiDO

Sianoja celebra diez años de diálogo con arte

Ana Cobo | El Diario Montañés
Creadores de Marruecos, España, Japón o Estados Unidos trabajan desde ayer en sus obras en el Simposio Internacional de Artes Plásticas en el Palacio de Albaicín.Doce artistas de cuatro países participan en una edición que suma música y cine a su programa.
El próximo 3 de julio se expondrán las obras en el Palacio de Albaicín, tras la clausura del encuentro.El Palacio del Marqués del Albaicín, en Noja, se convertirá durante los próximos diez días en epicentro artístico para doce creadores procedentes de siete países. Los protagonistas de la décima edición del Simposio Internacional de Artes Plásticas, Sianoja, llegaron a la villa el pasado martes dispuestos a 'aparcar' la soledad en la que habitualmente dan vida a sus creaciones y compartir sus experiencias, trabajos y conocimientos con otros compañeros de disciplinas y estilos diferentes.

Esta apuesta por el arte en convivencia arrancó ayer con los primeros bocetos, pinceladas y piezas de las obras que crearán ante la mirada del público hasta el próximo 3 de julio y que, tras la clausura, se expondrán en el Palacio de Albaicín. A esta cita han acudido cántabros como Rafael Leonado Setién, natural de Laredo, y la pintora santanderina Cuca Nelles. La representación española se amplía al pintor murciano, Manuel Pérez López y los escultores Fernando Suárez Requera, de Oviedo, y Adriana Veyrat, de Madrid. Además, en esta edición el artista seleccionado de los cursos de Máster de la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid ha sido Pablo Tardáguila del Castillo.

La nómina la completan artistas extranjeros como la alemana Erika Klos, con su pintura y grabado, y los pintores y escultores Willy Ramos, de Colombia, y Gayle Tustin, de Estados Unidos, así como los pintores Stefano Cattaneo, de Italia; Yoko Watanabe, de Japón, y Khalid el Bekay, de Marruecos. Todos ellos integran el babel de culturas de esta décima edición, cuyo comisario es Manuel Sáenz Messía.

Ayer fue el primer día de trabajo. Y mientras algunos estaban aún decidiendo su obra, otros como Fernando Suárez Reguera ya habían ocupado la carpa instalada en los jardines del Palacio. Fernando detiene su proceso de creación para contar que, anteriormente, ya ha participado en un encuentro de estas características «Estoy encantado de acudir ya que me permite contrastar muchos pareceres y formas de trabajar con personas de otros países», afirma.

Para esta ocasión va a elaborar una escultura arquitectónica en hierro denominada 'Palacetes'. Aún es pronto para imaginarse su forma final, pero enseña el boceto que refleja unas construcciones primitivas. «Trabajo en hierro y bronce que son los materiales con los que más cómodo me encuentro y luego incorporo plásticos o resinas». Para este artista las piezas claves de este evento son «la convivencia, el dialogo y el espacio. El Palacio de Albaicín es un sitio fabuloso», añade.

Para el profesor de la facultad de Bellas Artes en Bilbao, Rafael Leonardo Setién, la participación en un simposio tampoco es una novedad. La experiencia que va vivir en Noja le retrotrae a su participación en la muestra de Arte Joven que realizó el Ministerio de Cultura en Gijón donde, dice, estuvo «cinco días trabajando».

Pero aquí llega con nuevas fuerzas, aunque confiesa que todavía no tiene claro en que consistirá su obra. «En estos primero días trabajaré en papel para tomar contacto y más adelante me enfrentaré al lienzo». Leonardo Setién explica que su trabajo se inspirará «en el hombre representado con el símbolo de las cabezas» y que incluirá también animales marinos. Este laredano, que conocía el simposio de Noja desde hace años, reconoce que le apetecía «mucho» ser uno de sus protagonistas.

Padre e hija

En este décimo aniversario también dejará su huella la familia Incera. La pasada edición contó con la participación del pintor santanderino, Puchi Incera, y, en esta ocasión, es su hija Cuca Nelles quien mostrará sus dotes artísticas. Cuca explica que su padre le dijo que tras su paso «quedó encantado» por lo que no dudó un momento en «aceptar la invitación del comisario y venir a disfrutar de esta oportunidad de convivir con gente extranjera y aprender de su modo de trabajar».

Por el momento no desvela detalles de su pintura pero asegura que seguirá en la misma linea de trabajo: «Diez días es poco tiempo para investigar». La creadora cántabra se ha tomado este tiempo como una vuelta a la época de la facultad, «cuando trabajaba con mis compañeros. Acostumbrada a hacerlo sola esta experiencia va a resultar muy grata». Otro de los que ayer inició su trabajo es el marroquí Khalid el Bekay, que va comenzar en Noja una nueva etapa en su obra. Explica que su pintura se sitúa dentro de lo «figurativo contemporáneo» y que opta por colores potentes inspirados en el mediterráneo.

Los motores de esta maquinaria artística arrancaron ayer pero por delante aún quedan diez días de trabajo. Todas las personas que lo de deseen pueden acercarse hasta el Palacio y conocer el proceso de creación de estos artistas en horario de 12.30 a 14.00 h, y de 18.00 a 20.30 h.

Como complemento a este encuentro se ha preparado una serie de actividades paralelas que se iniciaron ayer, a las 19.30 horas, con la presentación de Gabriel Díez de su serie fotográfica 'Los Caminos de Santiago', en la Ermita San Román de Escalante.

PROGRAMA

Sábado 26. 19.00 horas. El profesor Carlos Nieto ofrecerá la conferencia 'Arte y Ciencia' en el Palacio de Albaicín.
Lunes, 28. 13.00 horas. Conferencia multimedia 'Evocaciones del campo' a cargo del crítico de arte invitado Fernando Zamanillo, licenciado en Historia del Arte, ex director del Museo de Bellas Artes de Santander y galerista. 19.30 horas: Inauguración de la exposición 'Cercanías' del artista cántabro Eloy Velázquez en la Sala Municipal de Exposiciones José Hierro.
Martes, 29. 19.00 horas. Presentación de las películas documentales La Casa Melnikova' 58 minutos, año: 2007 (subtítulos en castellano) y 'Le Cabanon par Le Corbusier', 59 minutos, año 2010 (subtítulos en inglés) de Rax Rinnekangas
Miércoles 30. 19.30 horas. Performance 'Arte aspirado' de Pelayo Fernández Arrizabalaga, artista visual, músico y profesor de arte en Suiza, que cuenta con la colaboración de Eli Gras, instrumentista y música experimental.
Jueves I. 19.30 horas. Concierto de música experimental de Pelayo Fernández Arrizabalaga y Eli Gras.
Sábado, 3. 12.30 horas. Concierto de Jimmy Barnatán (Blues-Rock&Roll) con Rafa Santana (piano) y Krzysztof Sandecki (saxo alto).Posteriormente, clausura del Simposio e inauguración de la exposición Sianoja 2010, que permanecerá abierta hasta el día 21 de julio, con acto oficial de entrega de diplomas y documentos de cesión.

Pablo Maojo se incorpora a la temporada de Robayera 2010

Guillermo Balbona | El Diario Montañés

'Oscura luz' reúne desde mañana en la galería de Miengo, por vez primera en Cantabria, las esculturas del artista asturiano

«Cuando acabo una escultura, y tiene algo, muchas veces no sé lo qué es, estoy intrigado con ella, y casualmente le ocurre lo mismo a los demás. Eso es lo que a mí me sorprende». El artista asturiano Pablo Maojo, que expone desde mañana en Cantabria por primera vez, es el segundo protagonista de la temporada de la galería municipal de Miengo, Robayera, cuya programación arrancó el pasado mes de mayo.

El espacio de las antiguas escuelas de Cudón exhibirá la creación de Maojo, cuya trayectoria se ha conformado a través de numerosas exposiciones individuales y colectivas tanto en España como en otros países, y ha estado presente en algunas de las ferias más importantes del circuito internacional de arte contemporáneo (Basilea, Arco), y en Bienales europeas. Es notoria también su presencia en importantes premios y certámenes de pintura y escultura del circuito nacional.El multipremiado artista asturiano de Villaviciosa ha participado en varias ediciones de ARCO, con la galería asturiana Cornión, y sus obras se encuentran en diferentes museos y colecciones públicas de nuestro país. De su creación se dice que apasionada. «Su pasión es jugar con los relieves, lo que se acrecienta a medida que aparece el color en la obra para resaltar o descubrir aspectos ocultos que sólo el espectador atento puede desentrañar. Se establece una relación de emociones que seducen, cautivan, y hasta enamoran, relegadas a fin de cuenta a la sensibilidad que tenga o despierta el observador».

Bajo el epígrafe de 'Oscura luz' presentará desde mañana (inauguración a las 19.30), una veintena de piezas representativas de su concepto escultórico: «cuanto más afina su destreza como escultor, más se produce el desbordamiento de lo puramente escultórico hacia otras artes, otros lenguajes».

Maojo (San Pedro de Ambas-Villaviciosa, 1961), posee un universo iconográfico que mantiene una tensión entre lo racional y analítico y un grafismo primitivista donde vibra el color en formas elementales.

La vitalidad del geometrismo, pero también de la pluralidad de expresiones y estrategias marcan su obra, que está representada en numerosas colecciones particulares, instituciones y museos, entre ellas el de la Fundación La Caixa (Barcelona), Bellas Artes de Asturias, E.P. Alto Lindoso (Portugal), Fundación San Benito de Alcántara, Cajastur, Fundación Evaristo Valle.

La madera como materia dominante ofrece un rico mundo de sugerencias escultóricas mediante «intervenciones directas, cortes elementales, cuya aparente rudeza no excluye, junto a sugestiones de la naturaleza, una notable belleza plástica, subrayada en ocasiones por los colores, rojo y azul principalmente, muy saturados».

Junto a obras monumentales, Maojo es autor de un gran número de creaciones, tanto escultóricas como pictóricas, de notable «capacidad inventiva y encanto formal» que denotan su gusto por la libertad creativa. En su trayectoria, de formación autodidacta, ha experimentado con todo tipo de técnicas: pintura, dibujo, grabado y, sobre todo, escultura. «Hay gente que pasa por ser artista, cuyo fin es vivir del arte, pero yo creo que la expresión artística es algo intrínseco e inevitable de la persona», dice Maojo.

Mercado de Miranda un ESPACIO para la IMAGEN

Ayer quedó inaugurada la sede de la asociación Espacio-imagen en el antiguo Mercado de Miranda.. Foto: David Hojas Cuevas
Comentando con Teresa, una componente de la asociación Espacio imagen, hablabamos de la metodología que conlleva un trabajo fotográfico y la diferencia con otras actividades artísticas. Convenimos en que es una de las artes donde el autor tiene que ser metódico, cuidadoso, vigilante de los tiempos, la luz, el espacio, las personas, los elementos del entorno, etc. Los procesos de creación, sin ser necesariamente más lentos, deben estar perfectamente depurados, cronometrados y dejando pocas cosas al azar. De ahí, que los trabajadores de la imagen, fotógrafos, videocreadores, iluminadores, eléctricos, montadores, etc. sin menospreciar a nadie, puesto que yo tampoco me encuentro entre ellos, sean gente con un espiritu de trabajo y sacrificio diferente del resto de las artes. El caso es que gracias a este tesón, se está logrando formar un equipo bastante importante, con gente de diferente calado, especialidad y origen, para lo que se ha venido a llamar la asociación Espacio imagen.
Con un futuro muy prometedor, ilusión y proyectos en la mano, cuentan desde ayer y gracias al Ayuntamiento de Santander, con un local reformado y moderno, en el recien renovado Mercado de Miranda. Un lugar donde reunirse, trabajar y hacer de nexo para todos los interesados, que son muchos, y con un empuje que solo gente que trabaja en silencio sabe hacer.

Dispone de un hall con techos altos que podría servir de plató y sala de conferencias, dos muros para hacer exposiciones, un plasma para exhibir videocreaciones, dos almacenes para guardar material, lavabos, etc. y sobre todo mucha luz y encanto, ya que se trata de un edificio antiguo histórico con forjados, columnas de hierro y vigas de madera.

En cuanto a la agenda de proyectos de la asociación, al tratarse de algo en lo que se lleva muy poco tiempo, hay muchas ideas y asuntos aún en el aire. Pero comienzan a andar con el concurso del logotipo, la creación de los carnés de asociados, las cuotas, y los primeros esbozos de proyecto, con dos trabajos de campo antes de septiembre, cuando ya tengan la agenda completada para el año restante y siguiente.
Les deseamos mucha suerte y éxitos.

Motores del cosmos ruso

Sotileza | El Diario Montañés 

El 24 de abril de 1927, transcurrida una década desde la revolución bolchevique, se inauguró una inusual exposición en el nº 68 de la calle Tverskaia, en el centro de Moscú . Era la 'Primera Exposición Universal de proyectos y modelos de aparatos, mecanismos, dispositivos y materiales históricos interplanetarios'. «Un extraordinario homenaje al viejo sueño de conquistar el espacio y llegar a los planetas de nuestro sistema solar», a juicio de los comisarios de la muestra santanderina John E. Bowlt, Nicoletta Misler y Maria Tsantsanoglou. La tecnología que convertiría en realidad el sueño de volar permanecía distante y quizá era éste el motivo de que las apreciaciones del vuelo fueran tan delirantes y libres. «Al menos en Rusia, algunos de los primeros constructores de aeroplanos, los implacables soñadores y los artistas parecían a menudo estar viviendo en otro estado, rocambolesco e infantil».

Este contexto histórico y la tendencia a intentar representar lo 'irrepresentable', que descansa sobre la base de las composiciones abstractas de Kandinsky, composiciones que también expresaban la inquietud del ser humano ante el cosmos, constituyen el fundamento de la exposición que copará la atención artística del verano desde Santander.

Un objetivo primordial de 'El cosmos de la vanguardia rusa: arte y exploración espacial, 1900-1930' consiste, por ejemplo, en la manipulación de las vocales simples realizada por Kruchenykh para producir un 'Lenguaje Universal' en su poema de 1913 Vysoty [Las alturas]; o el impulso más espiritual del grupo Vía Láctea,41 que enfatizaron la 'mentalidad aérea' de la vanguardia.

En opinión de los organizadores, la ambición rusa por conquistar el espacio «se debía tanto a excéntricos filósofos y artistas radicales, como a rigurosos científicos e ingenieros. Para los artistas más sensibles de aquella época, el cosmos se convirtió incluso en una temática alternativa, no adulterada por la trivialidad de la vida material». Además de incluir piezas de centros museísticos europeos muy diversos, cuenta con la aportación del State Museum of Contemporary Art y de la Aliki Costakis Collection y los prestamos de importantes instituciones rusas.

La institución editará este verano un completo catálogo en español e inglés en el que, además de la reproducción y catalogación de las obras, se incluyen textos de seis importantes especialistas, además de una bibliografía especializada.

Viaje espacial a través de la vanguardia rusa

La Fundación Marcelino Botín explora, analiza y exhibe la estrecha relación entre el arte y la ciencia antes y después de la Revolución de 1917, en su nueva apuesta expositiva internacional del verano.

Visionarios, imaginativos, oníricos, revolucionarios? El arte y la vida en un combate de fronteras inasibles, sueños imposibles y viajes sin límites. Vanguardia rusa, innovación e interpretación. Mostrar el modo en el que los artistas innovadores respondían a los progresos tecnológicos entre las décadas de 1910 y 1930; retratar cómo los vanguardistas rusos se anticiparon a la era espacial y se inspiraron en la búsqueda de otros mundos y en el cosmos son los fundamentos y esencias de una de las exposiciones más singulares y ambiciosas de los últimos años: 'El cosmos de la vanguardia rusa: Arte y Exploración espacial, 1900-1930' que, como ya se avanzó, se exhibirá en la sala de la Fundación Botín en Santander desde el próximo día 24 de junio al 19 de septiembre.

La cita expositiva de producción propia y sello internacional, que supone una de las propuestas más importantes de la institución santanderina en su proyección cultural europea, se puede considerar una iniciativa exclusiva, y en cierto modo pionera en sus planteamientos, y no sólo por la inclusión de piezas inéditas.

Hasta ahora, como reza la filosofía del proyecto, «habían sido varias las exposiciones y publicaciones dedicadas a determinados aspectos englobados en esta temática, especialmente en la última década, pero parece ser que ésta sería la primera en centrar su atención en las aportaciones modernas rusas».

Como subrayan los comisarios de esta ambiciosa apuesta, John E. Bowlt, de la Universidad del Sur de California, Los Ángeles; Nicoletta Misler, profesor de la Universidad de Nápoles 'L'Orientale', y Maria Tsantsanoglou, del Museo Estatal de Arte Contemporáneo de Tesalónica, Grecia, 'El cosmos de la vanguardia rusa' «no sólo revela interés por las interpretaciones artísticas del espacio sideral o por los proyectos visionarios de los científicos, sino que recoge expresamente la confluencia entre el arte plástico y la cosmonáutica». De ahí que al margen de la pintura propiamente dicha, la muestra reunirá tanto vehículos reales que «propulsaron los primeros intentos de exploración espacial, como las apreciaciones estéticas que acompañaron y realzaron dicha exploración, especialmente el arte de vanguardia». La institución santanderina, que el pasado año ya hizo historia al producir y organizar una exposición de arte africano que se ha exhibido en el British Museum y llevará a EE UU - la muestra de piezas del Reino de Ife, de Nigeria, que recorrerá en 2011 cuatro museos norteamericanos- se detiene ahora en enseñar y reinterpretar el contexto artístico, histórico y social en el que los vanguardistas rusos se anticiparon a la era espacial.

'El cosmos...' muestra así en realidad cómo Kandinsky, Malévich, Tattlin y otros representantes de la vanguardia rusa se inspiraron en la búsqueda de otros mundos y en el cosmos, anticipándose a la era espacial que comenzaría con el lanzamiento del Sputnik en 1957. «El hecho de que los vuelos, incluidos los espaciales, despertaban un interés directo en los artistas de la vanguardia, queda claro en muchos de los títulos, temáticas y declaraciones que pueden asociarse a sus actividades y producciones».

Tras el alunizaje del hombre en la Luna y la exploración robótica de Marte, tras la construcción de las estaciones espaciales internacionales y el envío de sondas espaciales a Mercurio, Venus, Júpiter, Saturno y más allá, esta exposición se concibe como un «homenaje a los valerosos esfuerzos por conquistar el espacio». En sus itinerarios plásticos, además, «no sólo muestra interés por las interpretaciones artísticas del espacio sideral o por los proyectos visionarios de los científicos, sino que recoge expresamente la confluencia entre el arte plástico y la cosmonáutica».

Más de un centenar de obras -las salas sitas en Marcelino Sanz de Sautuola 3 reunirán pinturas, dibujos, pósters, fotografías de época y primeras ediciones de libros y álbumes- subrayarán la percepción sobre el espacio que tenían los artistas rusos de los años 1910 y 1920: Kandinsky, Malévich (ambos representados con obras claves para entender la ruptura que supuso la vanguardia rusa de aquellos años, como El Circulo Negro, óleo de 1929 de Kazimir Malevich, y varias Composiciones musicales de W. Kandinsky) o las obras de Aleksandr Rodchenko y Vladímir Tattlin.

Junto a ellos, la nómina alude a otros genios menos conocidos en occidente, pero igualmente relevantes parala historia del arte ruso como Pavel Filonov, Petr Foteev, Georgii Krutikov, Mikhail Matiushin o Pavel Mansurov.

La exposición se completará con objetos relacionados con las primeras investigaciones espaciales: el modelo de 1913 de Konstantin Tsiolkovsky; los componentes del planeador llamado Letatlin de Vladimir Tatlin (1929-32); o las máquinas visionarias de Ari Abramovich Shternfeld (Ary Sternfeld, 1905-1980) y de Fridrikh Tsander (1924).

Como señala el catálogo, «sin los esfuerzos de Tsander, Korolev y Sternfeld, en particular, habría resultado inconcebible el triunfo del programa espacial ruso», un éxito que culminó con el lanzamiento delcitado primer cohete artificial de 1957. En la cita expositiva se mostrará así una reproducción del Sputnik realizada para esta ocasión.

Las señas de identidad de la apuesta de la Fundación Botín revelan que frente a esas otras exposiciones del pasado, «no menos importantes, en las que también se hacía referencia a esa encrucijada, como, por ejemplo, 'Cosmos : du romantisme à l'avant-garde', en Montreal y en el Centro Cultural Canadiense de Barcelona, y 'La conquête de l'air : une aventure dans l'art du XX-ème siècle/The Conquest of the Air: An Adventure in 20th Century Art', en el Musée d'art moderne Les Abattoirs de Toulouse', «su objeto y alcance eran algo diferentes, es decir, ilustraban sus temáticas aérea y cósmica con obras de arte, pero no con obras de la aviación o de la cosmonáutica»

Libro taurino y homenaje a Julio de Pablo en el primer aniversario de su muerte.

D.R. | El Diario Montañés

El periodista salmantino Francisco Cañamero presentará esta tarde en la peña taurina Félix Rodríguez de Santander su último libro, que lleva por título 'Alfonso Navalón: Escribir y torear'. El acto tendrá lugar a partir de las 20.30 horas. Paco Cañamero ha desarrollado su labor periodística en el Adelanto de Salamanca o Tribuna de Salamanca. Es, además, habitual colaborador de Interviú y ABC, entre otros, y autor de una decena de libros entre los que destaca 'El Viti, el toreo eterno'. Por su parte, la peña taurina Pablo Hermoso de Mendoza celebrará esta tarde, a partir de las 19.00 horas, en la ermita de San Roque, en El Sardinero, una misa en memoria del pintor Julio de Pablo, de cuyo fallecimiento se cumple un año. Julio de Pablo fue socio de honor de esta peña que preside Vicente Ruiz.

Exposición "El cosmos de la vanguardia rusa"

Antes de que la era espacial comenzara con el lanzamiento del Sputnik en 1957, el sueño ya se había hecho realidad a través de las ideas de artistas visionarios. Kandinsky, Malévich, Tattlin y otros representantes de la vanguardia rusa, se inspiraron en la búsqueda de otros mundos y en el cosmos, por lo que sus obras ya en las primeras décadas del siglo XX reflejaban, con sus vocabularios abstractos, el vuelo de los primeros aviones y los primeros experimentos espaciales que tendrían lugar años después.

Estas obras han sido reunidas en la exposición “El cosmos de la vanguardia rusa: Arte y Exploración espacial, 1900-1930", que analiza la estrecha relación entre el arte y la ciencia rusa antes y después de la Revolución de octubre de 1917.

Esta exposición ha sido organizada íntegramente por la Fundación Botín, que la mostrará en su sala de Santander entre el 24 de junio y el 19 de septiembre de 2010.

Cuando los soviéticos, adelantándose a los estadounidenses, lanzaron el Sputnik (satélite artificial con forma de pelota de fútbol ya que pretendían obtener la sede del campeonato mundial de fútbol de 1958), en las obras de sus grandes artistas, años antes, ya se adivinaba esa nueva era.

Imágenes de 1920 de Ivan Kudriashev y Mikhail Plaksin evocan espectros de gases, su liberación y su combustión. Malevich representa también la sensación de vuelo en sus pinturas abstractas mientras que los poetas describían horizontes ocultos y atmósferas enrarecidas.A veces los artistas perseguían incluso realizar/desempeñar profesiones en paralelo, como el arquitecto Georgii Krutikov que diseñó ciudades voladoras o el pintor Nikritin, imaginando zeppelines y ovnis.

La exposición reunirá obras de los artistas rusos más significativos y relevantes que trabajaron en la época anterior y posterior a la Revolución de octubre de 1917, como Kandinsky o Malévich, y pondrá de relieve la relación entre sus creaciones y la investigación astrofísica y cosmonáutica de principios del siglo XX en Rusia. Además de obras maestras de la pintura o del dibujo, fotografías y posters originales de época, la muestra incluirá planos y modelos originales de las primeras maquetas de cohetes y aviones procedentes de veinte colecciones extranjeras.

En 2009, la muestra estrella de la programación de la Fundación Botín fue sobre arte Ife, con obras valiosas y únicas de los siglos IX al XV procedentes de Nigeria que, tras verse en Madrid, se exponen ahora en el British Museum de Londres, antes de empezar su itinerancia americana. En el verano de 2010, la exposición de relevancia que organiza la Fundación Botín en Santander mostrará la relación entre el arte y la ciencia, siendo su motivo de inspiración las visiones del cosmos y las primeras investigaciones sobre los viajes espaciales a principios del siglo XX en Rusia.

Cuenta con la aportación del State Museum of Contemporary Art y de la Aliki Costakis Collection, ambos de Tesalónica (Grecia) y presentes en la muestra con 56 obras de sus colecciones. Además de préstamos de las instituciones rusas más importantes, incluirá piezas del Centro Georges Pompidou de París, el Muzeum Sztuki Lodz de Polonia, el Museu Te Papa de Nueva Zelanda o la Galeria Lorenzelli de Milán.

Contenido de la exposición

Más de un centenar de obras - pinturas, dibujos, pósters, fotografías de época y primeras ediciones de libros y álbumes- ponen de relieve la percepción sobre el espacio que tenían los artistas rusos de los años 1910 y 1920: Kandinsky, Malévich (ambos representados con obras claves para entender la ruptura que supuso la vanguardia rusa de aquellos años, como El Circulo Negro, óleo de 1929 de Kazimir Malevich, y varias Composiciones musicales de W. Kandinsky) o las obras de Aleksandr Rodchenko y Vladímir Tattlin.

Junto a ellos, otros genios menos conocidos en occidente, pero igualmente relevantes para la historia del arte ruso como Pavel Filonov, Petr Foteev, Georgii Krutikov, Mikhail Matiushin o Pavel Mansurov.

La exposición se completa con objetos relacionados con las primeras investigaciones espaciales: el modelo de 1913 de Konstantin Tsiolkovsky, los componentes del aeroplano Letatlin de V. Tatlin (1929-32), las máquinas visionarias de Ari Shternfeld y de Fridrikh Tsander (1924), y una reproducción del Sputnik (1957) realizada para esta ocasión.

Procedencia de las obras

Organizada íntegramente por la Fundación Marcelino Botín, “El cosmos de la vanguardia rusa: Arte y Exploración Espacial, 1900-1930" cuenta con la aportación del State Museum of Contemporary Art y de la Aliki Costakis Collection, ambos de Tesalónica (Grecia) y presentes en la muestra con 56 obras de sus colecciones.

Se unen a los prestamos de otras importantes instituciones rusas como: Central Museum of the Armed Forces, Moscu; Memorial Space Museum, Moscu; Muzei Architecture Shchuseva; National Library of Russia; Regional Art Museum Samara; Regional Art Museum, Krasnodar; Rosizo State Museum and Exhibition Center, Moscú; State Art Museum, Ekaterinburg; State Russian Museum Sant Petersburg; State Tretiakov Gallery, Moscu; Tula Museum of Visual Arts y Tver’ Regional Picture Gallery.

Además, incluirá piezas del Centro Georges Pompidou de París, el Muzeum Sztuki Lodz de Polonia, el Museu Te Papa de Nueva Zelanda o la Galeria Lorenzelli de Milán.

Catálogo

Se editará un completo catálogo en español e inglés en el que además de la reproducción fotográfica y catalogación de las obras presentes en la exposición, se incluyen 6 textos de importantes especialistas que ofrecerán un enriquecedor panorama del arte y las exploraciones espaciales en la Rusia de principios del siglo XX, además de una bibliografía especializada.

Los comisarios son John E. Bowlt (Universidad del Sur de California, Los Ángeles, EE.UU.), Nicoletta Misler (Universidad de Nápoles "L'Orientale", Nápoles, Italia) y Maria Tsantsanoglou (Museo Estatal de Arte Contemporáneo de Tesalónica, Grecia) .

Actividades complementarias

En junio y coordinado por Richard Peña (Director del Programa del Film Society of Lincoln Center y Profesor en Columbia University), en el salón de actos de la Fundación en su sede de Pedrueca de Santander, se proyectará el ciclo de cine, en versión original, Cosmos: La frontera cinematográfica del cine ruso.

Se proyectarán en versión original:

 AELITA, LA REINA DE MARTE/AELITA. Yakov Protazanov, URSS, 1924.

 EL HOMBRE CON LA CÁMARA/ CHELOKEK S KINOAPPARATOM. Dziga Vertov, URSS, 1929.

 REVOLUCIÓN INTERPLANETARIA/ MEZHPLANETNAYA REVOLUTSIYA. Z. Komissarenko, U. Merkulov and N. Hodataev, USSR, 1924

 EL VIAJE COSMICO/ KOSMICHESKIY REIS. Vasili Zhuravlev, URSS, 1936

 LA LLAMADA DE LOS CIELOS/ NEBO ZOVET . Mikhail Karyukov y Aleksandr Kozyr, URSS, 1959

 ES DIFICIL VIAJAR A LAS GALAXIAS/ CHEREZ TERNII K ZVEZDAM . Richard Viktorov, URSS, 1981/2001

 PRIMEROS EN LA LUNA/ PERVYE NA LUNE. Alexei Fedorchenko, Rusia, 2005

Estan previstas también conferencias y, en julio y agosto, la actividad para niños Descubramos..…El cosmos

EXPOSICIÓN

“El cosmos de la vanguardia rusa: Arte y Exploración Espacial, 1900-1930"

Lugar: sala de exposiciones de la Fundación Botín, en la calle Marcelino Sanz de Sautuola 3 de Santander.

Inauguración restringida: 23 de junio de 2010

Fechas apertura público: del 24 de junio al 19 de septiembre de 2010.

Horario diario: de 12 a 14 y de 17 a 21,30 horas. Entrada libre.

http://www.fundacionmbotin.org/

La Fundación Botín falla la XVIII Convocatoria de Becas 2010-2011

Argentina, México, Austria y España son las nacionalidades de los ocho nuevos Becarios de Arte de la Fundación para el periodo 2010-2011.

Los becarios son: Eva Fabregas (Barcelona, 1988); Jota Izquierdo (José Manuel G. Izquierdo, Castellón 1972); Irene Kopelman (Córdoba, Argentina, 1971), Juan Linares (Tarragona, 1972) y Erika Arzs (Scheibbs, Austria, 1969), Carme Nogueira (Vigo, Pontevedra, 1970), Jorge Mendez Blake (Guadalajara, México, 1974), Mabel Palacin (Barcelona, 1964) y Francesc Ruiz (Barcelona, 1971).

Se presentaron 738 solicitudes, más de la mitad de España y el resto de 48 países, entre los que destacan México, Colombia, Chile, Estados Unidos y Cuba. (El número es menor que el de 2009, pero sin embargo hay más calidad)

El jurado de la XVIII Convocatoria, formado por Jordi Colomer, Joâo Fernandes, Agustín Pérez Rubio, Soledad Sevilla y un representante de la Fundación, destacó la abundancia, diversidad y calidad de propuestas y el éxito de la convocatoria en Iberoamérica. El fallo tuvo lugar el 10 de junio de 2010 en Santander.

EVA FABREGAS (Barcelona, 1988). Proyecto en torno a Sunila en Finlandia, colonia industrial diseñada por Alvar Aalto en la década de 1930 y cuyo resultado se formalizará en dos películas de 16 mm.

JOTA IZQUIERDO. José Manuel G. Izquierdo. (Castellón 1972). Se trasladará al MA Studio, Art Garden Hegezhuang, en Beijing (China) para hacer un proyecto personal sobre jardines bajo el título Capitalismo amarillo: Marco Polo de Tepito en el que busca explorar el fenómeno de la migración desde la condición misma de mercancía y sus formas de producción y comercio global.

IRENE KOPELMAN (Córdoba, Argentina, 1971). Trabajo de campo y estudio sobre la biodiversidad de la papa andina en Perú. El trabajo implica viajes de campo, realización de dibujos, entrevistas y la edición del material en una publicación.

JUAN LINARES y ERIKA ARZS (Tarragona, 1972) y (Scheibbs, Austria, 1969)

Residen en Berlín donde realizarán su proyecto TO NEW HORIZON en el que exploran la idea de lugar como proceso en constante transformación.

CARME NOGUEIRA (Vigo, Pontevedra, 1970). Proyecto BEWEGT CENTRUM en el que investiga sobre la idea de centro (no físico, sino político, social…) a través de su estancia en Berlín.

JORGE MENDEZ BLAKE (Guadalajara, México, 1974). Sin cambio de residencia. Desarrollará a través de dibujos, murales y escultura la idea de “biblioteca abierta”, una biblioteca al aire libre que propone sacar los libros de la biblioteca tradicional y llevarlos al exterior. Un proyecto para democratizar la cultura.

MABEL PALACIN (Barcelona, 1964). Se desplaza a Milán a realizar su proyecto personal HOMELAND, sobre la relación que mantenemos con las imágenes y la mediación que éstas suponen con la realidad. La imagen se expande, rompe la naturaleza y ordena los fragmentos.

FRANCESC RUIZ (Barcelona, 1971). Se traslada a Gasworks en Londres donde ha sido invitado a realizar una exposición individual y un periodo de residencia. Durante su estancia producirá un conjunto de nuevos trabajos que profundizarán en los vínculos posibles que entre el comic y la realidad se pueden construir.

Javier Lamela “A través de mi Argus” en del Sol St. mañana viernes

Nueva muestra de Javier Lamela en Del Sol St. Esta vez nos mostrará un pequeña parte de lo que exhibió exitosamentre a través de Foconorte en Santoña.

Recortes de nobles ciudades, restos de ruta, cachos de cielo compañero, rincones de habitación de hotel, fábricas y edificios, fragmentos de vías o funiculares detenidos en un tiempo eterno... Así es el tiempo del que están hechos los viajes, como el tiempo de los sueños, dilatado en su presente y extrañamente eterno luego. Los viajes y los sueños nos acompañan para siempre y se vuelven parte de nosotros porque cambiamos con ellos.

Las imágenes de esta muestra nos permiten realizar un doble viaje. El primero es por Europa, por ciudades que él mismo recorrió el pasado año con su cámara, como Portugal, Suiza, Alemania o Francia. El segundo viaje es a esa extraña dimensión que tiene que ver con el tiempo del recuerdo. Para ayudarnos, Lamela se inventó un truco: las fotos están tomadas con dos cámaras, una analógica y otra digital. Por un lado la vieja Argus, cuyo visor determina esos curiosos encuandres, el formato cuadrado y esa textura irrecuperable hoy sin hacer retoques a posteriori. La imagen que aparece en el visor al enfocar es tomada después con la cámara digital, guardando los bordes y las impurezas que pueda traer el azar. La imagen resultante es la imagen final (recortando el formato cuadrado), sin retoques posteriores en Photoshop. Así consigue ese aspecto evocador, emisario del pasado que llama a la nostalgia del viajero. Luis Cernuda habla en su libro Ocnos de una dolencia terrible: “la dolencia que consiste en un afán de ver mundo, de mirar cuanto se nos antoja necesario, o simplemente placentero, para la formación o satisfacción de nuestro espíritu”. Esta exposición supone el encuentro de dos sistemas (metáfora de dos paradigmas), el analógico y el digital, en una misma disciplina, la fotografía. Equiparando el viaje a la disyuntiva de sistemas nos sirven las palabras de Cernuda al recordar el dicho “quien corre allende los mares muda de cielo, pero no muda de corazón”: analógico o digital, el alma de la fotografía, es sólo una, parece decirnos Javi Lamela.

Texto: Lidia Gil

Galería Del Sol St.

c/ Sol 47

Del 18.06.2010 al 10.07.2010

Sala B.

No begining-No end de Jaybo & Reimi/Rough en Nuble

En la galería Nuble tendrá lugar esta tarde a las 20:00h un happening con la presencia de los pintores Jaybo & Riemi/Roug que realizarán una acción pictórica e inaugurarán la muestra de sus últimas obras. La exposición se podrá visitar de martes a sabado de 16:00 a 21:00 h.

Chernogirl desde el 25 junio en el Espacio Creativo Alexandra

El próximo día 25 de junio, (viernes 20:00h), tendrá lugar la inauguración de la nueva muestra del Espacio Creativo Alexandra, donde se mostrarán trabajos del colectivo CHERNOGIRL. Formado por Javier Amigo y Leila Bensghaiyar, surge en el año 2009 con el objetivo de formular, a través de un espacio común, un discurso en el que confuyen sus distintas visiones de la sociedad en la que estamos inmersos. Su obra se mueve entre los límites del diseño gráfico y lo puramente artístico, allí donde termina la comunicación y empiezan las preguntas. Se sitúa en un territorio de investigación, lleno de lugares comunes, dobles significados y postulados críticos e irónicos.

El imaginario de los diseñadores gráficos, la condición humana, el mundo que nos rodea y los juegos de palabras se complementan para dar lugar a una mezcolanza de impactos visuales difíciles de clasificar estrictamente en una disciplina.

La realidad es tan dúctil y maleable como la plastilina. Fácil de deformar y de manipular, utilizada como materia prima con la que construir mundos propios e intrincados rompecabezas donde todo encaja a la perfección. Redefinir la realidad se convierte para este colectivo en una de sus máximas.

Con esta intención y valiéndose del humor y la ironía, el colectivo artístico CHERNOGIRL propone al espectador un recorrido por su pequeño universo. Un microcosmos donde los juegos de palabras, el diseño gráfico llevado al terreno del arte y lo absurdo, convergen en un espacio donde nada es lo que parece.

La mirada urbana de Tamargo se exhibe en Santiago Casar

Redacción | El Diario Montañés

El artista asturiano Marcos Tamargo exhibe su singular pintura de motivos arquitectónicos urbanos en la galería santanderina Santiago Casar. El espacio confronta en realidad una doble cita paisajística: la de Tamargo y la de Javier Ordóñez. Una muestra de treinta obras, quince de cada autor, que estará expuesta hasta finales de este mes. Tamargo es un artista de Gijón (1982) que reside en Nueva York y retrata paisajes urbanos al más puro estilo expresionista. Por su parte, Ordóñez es un pintor vasco de raíces cántabras, que plasma paisajes y figuras en sus lienzos.

Una muestra audiovisual recorre cinco ediciones de Polientes Foto

Guillermo Balbona | El Diario Montañés

Caja Cantabria proyecta el sábado en el Centro de Educación Ambiental imágenes del Taller de fotografía que dirige Pablo Hojas

La fotografía sigue impregnando desde la diversidad creativa y la pluralidad de convocatorias la actividad cultural en la comunidad. Tras Foconorte y citas presentes como la exposición en el puerto de Bernard Plossu, Caja Cantabria exhibirá este fin de semana en Valderredible una selección de imágenes obtenidas en las cinco ediciones de Polientes Foto, uno de los foros más importantes y que más ha influido en el auge que ha ido adquiriendo el ámbito de la imagen, tanto en lo formativo como en lo expositivo.

La Obra Social de Caja Cantabria proyectará el sábado, a las 19 horas, en el Centro de Educación Ambiental de la entidad una selección en formato audiovisual de las imágenes obtenidas en estas cinco ediciones del Taller de fotografía que dirige Pablo Hojas.

Cerca de un centenar de fotógrafos han participado en este periodo en una iniciativa singular con la imagen como protagonista y que, tal y como es posible comprobar en la selección que ahora se exhibe, ha contribuido a crear un patrimonio artístico en torno al paisaje, a la luz y la forma de vida de un enclave singular de Cantabria como es Valderredible.

El valle ha quedado plasmado en miles de instantáneas obtenidas, seleccionadas y tratadas por los alumnos de Hojas, responsable de la formación impartida en un proyecto especial en sus características, que supone la convivencia en Polientes durante una semana de invierno, y en cuanto a sus planteamientos «ya que se ha propuesto objetivos tan dispares como fotografiar el frío o la luz o la vida cotidiana de los habitantes de una comarca caracterizada por la riqueza de su diversidad ambiental».

La exhibición va a mostrar el día a día de los creadores reunidos en el Centro de Caja Cantabria así como el proceso creativo que desemboca en la obtención de las imágenes expuestas.

La elección del espacio expositivo, en Polientes, tiene como objetivo «facilitar el acceso a los habitantes del entorno que han colaborado de forma activa en la realización de las ediciones de Polientes Foto». Caja Cantabria busca además con esta iniciativa «vincular la labor artística y medioambiental que mantiene en este enclave».

El faro de Ajo ya no brillará sólo

Mario Cerro | El Diario Montañés

Será el eje central del futuro Parque de Esculturas.

El Ayuntamiento de Bareyo promueve la actuación que ha sido proyectada por el escultor Juanjo Novella.

Soledad, tristeza, silencio, pero también esperanza, tranquilidad. Luz. El faro de Ajo es algo más que una torre con un foco que se ilumina tres veces cada 16 segundos. Como el resto de faros, simboliza otras muchas cosas. Pero el de Ajo será diferente y nunca caminará sólo. Brillará en compañía. Será el elemento central del gran Parque de Esculturas que el Ayuntamiento de Bareyo, presidido por su alcalde José de la Hoz, promueve en ese lugar.

El escultor Juanjo Novella ya ha elaborado un anteproyecto en el que traza las líneas generales de la idea. El futuro Parque de Esculturas ocupará una superficie aproximada de 17 hectáreas en el acantilado en donde se aloja el faro de Ajo. A falta de un estudio más completo, el nivel de ocupación será bajo, con 1,5 esculturas /instalaciones por hectárea. Esto garantiza un tratamiento adecuado y elegante, con «silencios» suficientes entre piezas, de forma que como máximo se intuya el impacto de la siguiente actuación desde cualquier momento del recorrido.

El espacio expositivo tendrá al propio faro como protagonista y habrá también un itinerario de esculturas y otro espacio de atención al público (entrada, tienda, salón de conferencias, área de docencia, espacio multidisciplinar y aparcamiento).

El faro como hito singular y simbólico que es, requiere de una actuación sobre él a fin de no dejarle exento y ajeno a la actuación. «El parque no puede enajenar de su sentido al paraje obviando la figura del faro, por ello se pretende crear de éste la principal figura del lugar», señala Novella en su propuesta.

De ahí que se proponga la creación de una «camisa» que a manera de hiedra colonice su perímetro ofreciendo una percepción especial e integrante del elemento. Para ello, se adecuará su actual fisonomía y la intervención obedecerá al criterio de complementación. También se prevé que una escultura de evocación coralina recubra el fuste del faro en línea con los dos voladizos, con una clara intención de contundencia visual y significación del elemento.

Nada en el entorno permanecerá ajeno. Las características orográficas del paraje servirán para vincular y ordenar cada obra escultórica. Cada depresión, sima, grieta, formación rocosa...servirá de puesta en valor de la actuación artística siendo ésta la que posibilite una atención y percepción singular del lugar.

Rocas mágicas, huevos 'primigenios' o geometrías puras de acero lacado tomarán coherencia en estos emplazamientos. «El escenario es una necesidad espiritual y metafísica del hombre», asegura.Y es que todos los elementos escultóricos servirán para abrir vías de reflexiones y sensaciones.

Urbanización

La actuación será objeto de tratamiento blando y toda la urbanización del ámbito se limitará a una calle que, perfectamente integrada en el circuito, permita una visita cómoda a todo el ámbito con libre acceso «pisando hierba». Algunas esculturas, por su naturaleza habitable, tendrán acceso directo desde el camino practicado. En un principio y a falta de informe técnico se estima que el 90% del trazado será de acceso cómodo, incluso a discapacitados.

La zona de servicios observará un tratamiento más duro que garantice perdurabilidad y confort, aunque todo ello será estudiado junto con el edificio que recepcionará el parque. No obstante, el mobiliario y cualquier elemento del parque será de diseño singular y totalmente integrado en la actuación general.

La configuración del parque respetará su estado natural actual y tan sólo se practicarán las obras de anclaje necesarias para las esculturas, con posterior restitución de terreno a su estado anterior. Y es que es de vital importancia, ya que no se pretende con la actuación «domesticar» el paraje que, en su estado actual, ofrece un potencial muy significativo. Tampoco se entiende el ámbito como mero espacio soporte para la colocación de una colección de esculturas, sino que se pretende que estas esculturas sensibilicen el espacio produciendo un estímulo en el paisaje en la idea de la búsqueda de un todo coherente y singular, de un espacio único.

Los objetos artísticos que se alojarán en el lugar estarán fuertemente vinculados con la naturaleza del mar y la del hombre, ofreciendo incluso transparencia aquellas que se confrontan con el horizonte, en una clara intención de respeto por el paisaje y significación del mismo. De ahí que las densidades, masas y tamaños serán estudiados en base a una adecuación con el lugar y con el impacto emocional.

Las instalaciones, todas ellas habitables, escaparán a una única lectura contemplativa y facultan otra, mucho más perdurable e intensa, de lugares experimentados y vividos, con lo que se garantiza un recuerdo imborrable en los visitantes.

También se estudiará el itinerario para ofrecer una lectura sinfónica del parque. Por eso, todas las actuaciones irán fundamentadas en la puesta en valor del parque y del paisaje y no en el mero lucimiento estético de las diferentes unidades.

Recorrido

La duración del recorrido del Parque de Esculturas del Faro de Ajo se estima desde dos a unas tres o cuatro horas, lógicamente dependiendo de la motivación del visitante, que obtendrá una experiencia única de arte y naturaleza. El itinerario tendrá además el valor añadido de la galería, espacio multidisciplinar, donde el visitante encontrará una exposición de calidad. El calendario expositivo de la galería estará marcado por los requerimientos culturales de Cantabria, aunque también se podría orientar la vocación de la sala en la especialización de la obra referente al land=art, earth=arte y arte público en general. El visitante podrá disponer también de un pequeño espacio donde se proyecten vídeos y material documental del proyecto del parque y de cada una de sus obras. La vocación del proyecto es claramente mundial por lo que se habilitarán recursos de documentación en los principales idiomas.

También se ha proyectado una tienda que ofrecerá material de calidad. La naturaleza de estos objetos puede ser obra gráfica, libros, símil de diseños del parque, así como una escogida muestra de las singularidades culturales de Cantabria.

La recepción del parque servirá como oficina de turismo local previa formación de sus trabajadores. El Parque de Esculturas del Faro de Ajo contarán también con un aula de docencia para inculcar el amor por el arte y la naturaleza.

«El hecho artístico ayuda a no caer en el desaliento»

Guillermo Balbona | El Diario Montañés

Una instalación, que profundiza en su poesía visual y su reflexión creativa, abre la temporada del Observatorio del Arte

De secretos, tacto, lágrimas y escamas está hecha la paciente arquitectura plástica y poética de Yolanda Novoa. Su creación es una de la referencias artísticas más sólidas, reflexivas, sensitivas y maduras que revela el arte cántabro del presente. Con pasos necesarios y pausas ajustadas, se rodea de las atmósferas e imágenes que le dictan un trabajo laborioso y una estética cargada de conocimiento.

Sus 'Secretos en el ático del alma' habitan ya en el Observatorio del Arte, en el Ecoparque de Arnuero, en una muestra que abre la temporada más femenina del espacio expositivo. Novoa, riguorosa y coherente, suma su miscelánea de pasión y fragilidad a una trayectoria que en los últimos cinco años ha crecido en dimensión creativa y en comunicación estética.

Tras aportar su hallazgo a la reciente exposición colectiva sobre el libro de La Vidriera, la artista firma esta instalación inaugural que, en palabras del también pintor y agitador cultural Jesús Alberto Pérez Castaños, «la construyen creaciones edificadas tras una elaboración ardua y paciente, dispuestas para investigar la pureza original del acto artístico».

-¿Cómo define esta obra para Arnuero, la cual plantea ya de antemano bajo un concepto de instalación?

-Desde el primer momento concebí la sala del Observatorio del Arte de Arnuero para plantear una exposición unitaria, con un sentido global. Es un lugar adecuado para jugar con el espacio, para elaborar una obra singular marcada por el entorno: desde el encuentro con la naturaleza hasta la injerencia de las campanas de la Iglesia de la Asunción.

-Es clara la evolución y el cambio de los últimos años en su obra. La mutación ¿reside en el vínculo con los materiales, o es fruto de un proceso de búsqueda constante?

-El material te regala las posibilidades, abre caminos, se elige en función de su idoneidad en un momento dado. En estos últimos años es la transparencia, la relación, superposición e interrelación entre las formas. Mañana puede ser piedra o aire. Pero aunque el material ayuda, no puede crear en sí mismo, sin un proceso de constante trabajo y de búsqueda. Al principio solo empleaba la pintura y el lienzo pero con el paso del tiempo, las nuevas experiencias y el conocimiento de otras disciplinas, introduzco en las obras pequeños elementos, a modo de collage, que se van ampliando hasta salirse del soporte tradicional para llegar a abrazar el espacio.

-A veces da la sensación de que el arte ha perdido territorio íntimo, secreto, de que todo roza el exhibicionismo banal.

-Realmente existe mucho exhibicionismo en el mundo del arte pero no más que en el resto de cualquier actividad social. Por otra parte, sin embargo, durante los últimos años venimos asistiendo a un desarrollo cada vez más interesante del territorio íntimo, que tiene lugar sobre todo a partir de la autoría femenina. Creo que la aportación de la mujer es fundamental en este sentido, ya que ha superado el prejuicio a la hora de descubrir esa sensibilidad inherente al género que tradicionalmente venía siendo reprimida.

-En sus creaciones hay un afán de escritura poética. ¿Considera el hallazgo estético un certificado de personalidad artística?

- Al igual que la poesía, mis obras requieren en principio un mínimo esfuerzo por parte del espectador para disfrutar de todos los matices puramente plásticos. Pero, más allá de la impresión visual, intento llegar a la reflexión a través de los sentimientos.

-Pintura, imágenes digitalizadas, collage.Utiliza medios de hoy pero sobre todo guiños clásicos, alusiones al arte como terreno imperecedero. ¿Cómo es el proceso de trabajo, y hasta qué punto los materiales la conducen a la expresión de lo que pretendía, o la experimentación con ellos permite el camino a la inversa?

- Utilizo la imagen digitalizada de esculturas neoclásicas porque encuentro en ellas y en todo ese movimiento artístico una belleza contenida a la vez que muy contundente, muy cercana a la perfección. También porque la mayoría hacen referencia a la mitología clásica, es decir, a las raíces del arte europeo. Considero que este tipo de imagen, de alguna manera, me ayuda a concretar algunos de los matices del alma que quiero expresar en la obra; los pequeños secretos son una parte de ese laberinto tan complejo.

-Se sitúa en el 'Observatorio del Arte', y ¿qué ve?

- Un espacio íntimo, femenino y delicado. Un sueño hecho realidad.

-Jugando con uno de sus títulos como referencia, ¿el arte es el 'jardín de sus delicias'?

- Sin lugar a dudas. Me considero una privilegiada por tener la oportunidad de amar, conocer y poder transmitir el arte. En una sociedad tan injusta, intolerante y descarnada, el hecho artístico me ayuda a no caer en el desaliento.

-¿Qué radiografía traza del panorama artístico en Cantabria?

-La región tiene un amplio abanico de autores de primera fila, a nivel local e internacional. Históricamente, el artista ha sobrevivido gracias a los mecenas y a los reyes; actualmente vive (o debería hacerlo) gracias a las galerías y a las instituciones. En el primer caso, en Cantabria, existen una serie de galerías que cumplen su función; en el segundo, se puede criticar la política de ayudas y promoción, en unos casos por su escasez y en otros por sus planteamientos acomodaticios.

-¿Qué lugar reclama para el arte en la sociedad actual?

-El que le ha correspondido siempre. Es la huella que verdaderamente autentifica la esencia de la humanidad.