Carta contra la eliminacion del retablo de la Compañía.

CARTA CONTRA LA ELIMINACIÓN DEL RETABLO DE MARÍA MAZARRASA

Familias Mazarrasa y Quijano

Las familias Mazarrasa y Quijano queremos mostrar nuestra preocupación por la inminente retirada del retablo pintado por María Mazarrasa Quijano en el año de 1953 en la iglesia de La Asunción o también llamada de La Compañía situada en la calle Juan de Herrera de nuestra ciudad (Santander).

Primero fueron rumores pero ya tenemos la confirmación: Alvaro Asensio, párroco de la iglesia de La Compañía o Anunciación, nos dice que el retablo pintado y donado por María Mazarrasa Quijano en 1953, va a ser sustituído por otro cuyo autor es un italiano del que no sabemos nada. Tampoco conocemos el proyecto que no parece haberse hecho público.

Retablo de María Mazarrasa. Iglesia La Compañía, Santander

La razón es que al párroco “no le gusta”. Sin embargo el párroco quiere disipar nuestra preocupación: “Las pinturas del retablo podrán ser contempladas ¿verdad? (reciten este párrafo poniendo voz de cura antiguo) por los fieles ¿verdad? en el Museo Diocesano de Santillana del Mar…”. Es decir, el retablo no es lo suficientemente bueno para permanecer en su iglesia y por eso lo manda al Museo Diocesano, que parece ser, según el párroco, serviría para recoger los desechos que este señor no quiere.

No queremos entrar ahora en largas consideraciones sobre la autoridad del párroco de la iglesia a la hora de retirar el retablo pero sí recordar que todas las parroquias de la Iglesia Católica están obligadas a tener un Consejo de Asuntos Económicos (CAE), que se ocupa de este tipo de cosas y un Consejo Pastoral Parroquial constituído por la Asamblea de los Fieles de forma que es ella quien decide, siendo el párroco un Ministerio, esto es, un Servidor de la Comunidad porque la Parroquia no es una propiedad ni del Párroco ni siquiera del Obispo. […] El retablo es un bien de la comunidad y el cura (recordemos, servidor de la comunidad y no dueño de la misma), no es el señor de esos bienes. Lo contrario (y, al parecer, la decisión lo es) es un claro ejemplo de ese autorismo clerical que tanto daño ha hecho y hace. […]

¿Sabemos si ha sido la Comunidad quien ha decidido? ¿O más bien es una decisión autocrática del párroco? No podemos evitar pensar en que se puede gastar el dinero en estos tiempos pues, aunque nuestro artista italiano regale su trabajo, que no lo sabemos, no cabe duda de que habrá que pagar trabajadores, andamios, transportes etc.

Retablo de María Mazarrasa. Iglesia La Compañía, Santander

Eso es lo que hizo María Mazarrasa en 1953.

¿Lo hará también el nuevo artista? ¿Donación del retablo y pago de todos los gastos de material, trabajadores, andamios… etc?

Y ¿qué dice la ley?

Ley 16/1985, de 25 de junio, del Patrimonio Histórico Español.

Artículo veintiséis.
La Administración del Estado, en colaboración con las demás Administraciones competentes, confeccionará el Inventario General de aquellos bienes muebles del Patrimonio Histórico Español no declarados de interés cultural que tengan singular relevancia.

Artículo veintisiete.
Los bienes muebles integrantes del Patrimonio Histórico Español podrán ser declarados de interés cultural. Tendrán tal consideración, en todo caso, los bienes muebles contenidos en un inmueble que haya sido objeto de dicha declaración y que ésta los reconozca como parte esencial de su historia.

La iglesia de La Compañía es BIC ( Bien de Interés Cultural) por la ley 11/1998 de 13 de octubre pero no se ha efectuado un inventario de sus bienes muebles, o al menos no lo conocemos, por lo que por el momento no estarían protegidos.

Creemos que el retablo de María Mazarrasa puede ser reconocido como “parte de la historia” de la iglesia.

A continuación un breve resumen de la vida artística de María Mazarrasa Quijano:

De los primeros pasos de María sabemos que fue alumna de Daniel Alegre y Eduardo Chicharro y que ya estaba pintando en los años 30 pues Manuel Llano, nuestro “Sarruján de Carmona” le dedica el capítulo “Colores” en su novela “La Braña” publicada en 1934.

Empezó a exponer en 1951 en la Sala Proel, siendo comisario de la exposición, José Hierro, que nos dejó constancia de sus comentarios en el catálogo, bajo el título de “Mundo sombrío”. La temática religiosa ya nos anunciaba el retablo de La Compañía pintado tres años después.

En junio de 1953 se inaugura el 1 Salón de la Joven Pintura Montañesa en la Galería Sur y como homenaje al pintor Casimiro Sainz y en él participó María junto con Fernando y Ramón Calderón, Agustín Celis, Joaquín de la Puente, Angel Medina, Julio de Pablo, Esteban Pérez de la Foz, y Eduardo Sanz entre otros.

En el verano de 1954 vuelve a exponer , esta vez en la Sala Delta, que dirigía Angel de la Hoz , siendo esta vez la presentación de Alejandro Gago.

Por esos años pinta el retablo de San Martín en la parroquia de Mazcuerras.

Retablo de María Mazarrasa. Parroquia de San Martín, Mazcuerras (Cantabria)

No fue hasta 1979 , fallecida la autora, en que se pudo ver un oleo diferente, “Retrato de rojo”, en la 1ª Exposición de Pintoras y Escultoras de Cantabria, organizada por el Museo Municipal y donde aparecía junto a nombres como María Blanchard, Luz de Alvear, Carmen Gómez Raba y otras.

 El Museo Municipal conserva cinco oleos de María.

En 2018 otra generación pudo ver la exposición realizada en el Museo Diocesano de Santillana del Mar, gracias a la inestimable colaboración de Enrique Campuzano, su director y Fernando Zamanillo, comisario de la exposición. Esta vez se colgó en la misma iglesia del convento Regina Coeli y se juntaron pinturas religiosas y profanas nunca expuestas antes.

Al año siguiente, 2019, es Laura Cobo la comisaria de la exposición habida en el pueblo de María: Los Corrales de Buelna. El catálogo, extenso, contó con los escritos de Laura Cobo, Noemí Mendez, Miguel Angel Aramburu-Zabala, Lucía Botín Mazarrasa y Lucía Mazarrasa Llosa.

Las mismas pinturas, exceptuando las religiosas, fueron expuestas en enero de 2020 en la Sala Bretón de Astillero, siendo también comisaria Laura Cobo.

La última exposición la organizó la asociación Aselart en la llamada “casa gótica” de Mazcuerras bajo la dirección de José Antonio Andrés y Juan Herrera en septiembre de 2021.

Leopoldo Rodriguez Alcalde la incluye en su “Retablo Biográfico de Montañeses Ilustres” y José Ramón Saíz Viadero en su reciente publicación “Mujeres Ilustres de Cantabria”.

Finalmente la familia ha editado, en el verano pasado, un libro- catálogo solo para uso interno, sobre la vida y obras de María Mazarrasa.

Hay dos retablos en Cantabria pintados por María: el que nos ocupa, de la iglesia de La Compañía y el de San Martín en la iglesia del mismo nombre en Mazcuerras.

¿Hay en Cantabria más retablos pintados por mujeres? ¿Y en España? ¿Vamos a dejar que se carguen un retablo único?

Atentamente
Firmada por más de 80 miembros más de las familias Mazarrasa y Quijano

Fotografías del Retablo de la Iglesia La Compañía de Santander: Roberto Ruiz.

Visitas guiada especial Puente de la Visión 2011

VISITA GUIADA ESPECIAL EL PUENTE DE LA VISIÓN 2011
Viernes 2 de Diciembre a las 11:30 horas
Gratuita. Hasta completar aforo. La visita tendrá lugar en la sede del MAS EL PUENTE DE LA VISIÓN 2011
Organización y producción:
MAS/Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria Consejería de Educación, Cultura y Deporte Ayuntamiento de Santander/Gobierno de Cantabria
Artistas: Alejandra Freymann, Daniel R. Martín, Hiraki Sawa, Julia Montilla,
Miki Leal y Nuno Nunes-Ferreira.
Sedes, ubicación de exposiciones, fechas y horarios:
MAS/Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (c/Rubio 6. Santander): Hiraki
Sawa, Miki Leal y Nuno Nunes-Ferreira (del 7 de Octubre al 11 de Diciembre de 201. Horario: de martes a sábado de 10:00 a 13:00 y de 17:30 a 21:00; domingos y festivos de 11:00 a 13:30).
Casas del Águila y La Parra en Santillana del Mar (Plaza Mayor s/n): Alejandra Freymann, Daniel R. Martín y Julia Montilla (del 6 de Octubre al 11 de Diciembre de 2011. Horario: de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 19:00; sábados, domingos y festivos: de 11:00 a 14:00 y de 16: a 19:00 h).
El MAS propone una visita especial a su exposición temporal El Puente de la Visión 2011, proyecto de arte contemporáneo internacional coproducido por el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (MAS) y la Consejería de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Cantabria. El Puente
de la Visión está próximo a su clausura, razón por la cual el MAS ofrece esta posibilidad a un mayor acercamiento. La visita tendrá lugar el viernes día 2 de diciembre a las 11:30 y se realizará en la Sede del MAS. El museo con esta propuesta pretende lograr un mayor acercamiento del arte contemporáneo al
público general, brindándole la posibilidad de ser guiados por un profesional. Los artistas que se exponen en la sede del MAS son en la edición de este año: Alejandra Freymann (Xalapa, México, 1983), Daniel R. Martín (Santander, España, 1976), Hiraki Sawa (Ishikawa, Japón, 1977), Miki Leal ( Sevilla, España, 1974) y Nuno Nunes-Ferreira (Lisboa, Portugal, 1976). Todos ellos unidos por un mismo hilo conductor, protagonizado este año por la naturaleza. El proyecto se clausurará el próximo domingo 11 de diciembre, por lo que se recomienda no dejen pasar esta oportunidad.
ALEJANDRA FREYMANN por María Ruiz:
“Los lienzos en los que cobran vida los paisajes habitados de Alejandra Freymann, presentan fascinantes territorios de naturaleza onírica, en los que necesariamente, se teje la trama de un relato, que emerge, se retroalimenta y prospera regido por la acción del tiempo sobre el espacio y sus protagonistas. Esta importancia vital del tiempo, no radica en una direccionalidad ortodoxa y coherente entre pasado, presente y futuro, se trata más bien, de una temporalidad de carácter evanescente y mágico, que actúa libremente, comprometiéndose con la autonomía de la percepción del espectador, facilitando la aparición de un fértil y estimulante soliloquio visual que generará una intensa emoción estética. (…).
Las series Pájaro Bobo y Piscis Austrinus se estructuran a partir de una formulación interna de carácter más libre que Campamento.
En Pájaro Bobo cada cuadro posee una autonomía temática más marcada, sin existir una relación de dependencia argumental entre ellos, aunque su concepción primigenia emana de una misma premisa conceptual y formal, que anida en el planteamiento de cuestiones acerca de los sistemas de representación espacial sobre la superficie pictórica, la relación del individuo y de los animales con el entorno que les rodea o la capacidad generadora de lirismo y ensoñación de la que goza la Naturaleza para convertirse en la intermediaria esencial entre creación y espectador. Por el contrario, Piscis Austrinus, será regida por una persistencia temática que se sucederá a lo largo de toda la serie, basada en el poder evocador de las estrellas, en la nostalgia incuestionable que se adueña del observador que las contempla y en el obligado designio de las constelaciones de tender puentes o romper barreras entre el entendimiento de las personas y el cosmos, dando paso a un caudal de cuestiones e interpretaciones de índole metafísica e intelectual que abordan nuestro papel en el universo y su infinita magnitud como fuente inagotable de aprendizaje e inspiración.
De nuevo, nos encontramos sumergidos de lleno en ambientes fantasiosos y multisemánticos, suspendidos en el tiempo y en el espacio, bajo el hechizo de las estrellas, ocupados por hombres con aire de viajeros perpetuos y anacrónicos cuya fragilidad puede incluso culminar en una enigmática y etérea disgregación física y moral en aras de su total integración espiritual en el espacio, un espacio que en algunas obras se organizará sobre sólidas plataformas naturales al filo del abismo, que podrían recordarnos a la representación de los cortes tectónicos, enlazando con una introspección física y científica del paisaje, tratando de descubrir sus propias entrañas, de aspirar a su conocimiento absoluto.” (María Ruiz).
MIKI LEAL por Virginia Torrente:
“Leal conquista lo salvaje de la naturaleza, forjando un paisaje propio que domina sobre el lienzo de manera natural y sencilla. Entre lo inescrutado y lo civilizado, el pintor nos conduce a un lugar donde llama nuestra atención de manera poderosa, concentrada. Entre el escarpado risco de Viento de cara y el espacio que contemplamos desde la ventana hacia afuera en La sombra, vemos esa evolución del tema del paisaje que existe desde el “wilderness” de las praderas norteamericanas a la plácida visión de la cabaña de Thoreau, lugar intermedio que es mental a la vez que físico, dibujado con gran delicadeza. La atracción de la naturaleza está en todas estas pinturas. Y la sensación de libertad, en el modo de hacer, y en la manera de dárnoslas a contemplar, en toda la obra de Leal. (…).
Un nuevo paisaje, el representado en el siglo XXI, necesita de nuevas estrategias, de una nueva mirada en su transformación. Leal evita elegir entre lo contemporáneo y lo pastoril. Cada escenografía es apta de ser nuestra favorita, entre el paisaje casi lunar de Las negras hasta el más doméstico de La sombra, Leal nos brinda la oportunidad de estar a gusto en hábitats que se reparten entre lo sublime y lo moderno. / Esa conquista del paisaje en la mano de Leal pasa por el color, por la intensidad del trazo y por un fulgor de incansable imaginación. Traemos a este texto las observaciones de Ignacio Tovar del año 2006, que reclaman en Leal la fuerza y potencia en el uso de la gama cromática: “es precisamente ese color el verdadero y principal protagonista (…) actuando como un clima que envuelve a todos los demás elementos; una suerte de catalizador merced a cuya presencia todos esos otros elementos adquieren sentido en la composición (…)Todo el poder evocativo de la obra lo crea el color”. Y no sólo es el color, ya que Leal también nos demuestra una capacidad para el dibujo a lápiz de gran talla en los trabajos titulados Plain air del año 2009, soporte en el que no suele recrearse habitualmente con tanto detalle como lo hizo en este extenso estudio sobre la cabaña de Heidegger. / Los estándares del paisaje, que los antiguos pugnaban por retratar de la manera más fidedigna posible, se transforman en la paleta de Leal en trallazos de color, salpicones, ideas que surgen a borbotones con el mismo espíritu apasionado que impregnaba los cuadros de los antiguos, pero ahora en el estilo moderno, que no deja de ser revolucionario, a la vez que comprensible para el espectador del siglo XXI.” (Virginia Torrente).
NUNO NUNES-FERREIRA por Catherine Colemann:
“Durante su hasta ahora corta carrera, Nuno Nunes-Ferreira ha demostrado una gran coherencia en la elección temática y maduración del lenguaje propio, a lo que se une la convicción en la misión que el mismo se ha impuesto. Su discurso artístico se basa en las eternas dicotomías del bien y el mal; de la memoria y el olvido. Busca encontrar una estética de la belleza en las imágenes crueles que se enquistan en nuestro pasado colectivo: en mi obra intento reflexionar sobre diferentes episodios históricos que el tiempo procura aniquilar o denegar. El artista portugués ha elegido para ello el camino que le brinda la fotografía: las imágenes fotográficas son de cierta manera la base de mi obra y la memoria y el recuerdo al mirarlas es el concepto que busco. Todo se repite, todo se olvida, un ciclo. Una precisión: Nuno no es fotógrafo. Las fotografías de las que se sirve proceden de periódicos y revistas, además de publicaciones antiguas escaneadas y colgadas en Internet. (…) Un clima de terror que evoca a la novela de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas (1899). Conrad pasó seis meses en el Congo colonizado y devastado por Leopoldo II de Bélgica, propietario del Estado Libre del Congo que se dedicó fervorosamente al comercio de esclavos y del caucho. El viajero inglés Marlow (Joseph Conrad) es testigo de indescriptibles brutalidades a los nativos, a la locura y al descenso a los infiernos, a la elección entre el bien y el mal. El cinismo de Leopoldo II no tiene parangón, erigiéndose como introductor de los principios humanitarios en el Congo cuando en realidad exporta un imperialismo rampante y un racismo feroz, sembrando el terror en la selva. El genocidio costó la vida a trece millones de africanos. Nuno no se limita a colgar imágenes de los esclavos africanos torturados en las ramas del árbol o escondidos en la selva, lleva su denuncia aún más lejos. Incluye fotografías de los nativos mutilados de Nsongo District: su fuente es el informe cooperativo de 1904 ilustrado con la fotografía que conlleva la siguiente leyenda: natives shot and multilated …with hands of their countrymen murdered by rubber sentries, May 1904. The white men are Mr. Stannard and Mr. Harris of Congo Balolomission at Baringa.
El artista confecciona así una serie de fotografías utilizando las siluetas y sombras de las manos de los congoleños, creando monstruos, y una serie de esculturas de manos cortadas y adosadas a la pared aludiendo a las prácticas macabras llevadas a cabo en la selva del Congo. El último cuadro de Nuno (aún sin acabar cuando escribo estas líneas), también titulado Camuflage, trata el Holocausto. Ya en 2002 se puede vislumbrar en varios cuadros la torre de un campo de concentración en la distancia (“Silencio;” la irónica “The end (To be continued). En otras obras, las palabras en alemán Arbeit Macht Frei (el trabajo te hace libre), colocadas a la entrada del campo de concentración de Dachau y la entrada de los trenes cargados de “pasajeros” en el campo de Auschwitz, “Última parada.” Recorta las caras de los prisioneros yaciendo en las literas de Dachau en la archiconocido fotografía tomada en 1945 que recoge el momento su liberación.” (Catherine Colemann).
DANIEL R. MARTÍN por Ana Álvarez:
“Muchos han sido los que han centrado su curiosidad y pasión en encontrar esa fuente primigenia de donde proviene la vida. No hablamos de conceptos palpables, ni visibles. Hablamos del mínimo instante en que sucede un pequeño cambio que emprende el ciclo de la germinación. Se trata de una abstracción compleja, únicamente alcanzable a través de la introspección en la propia naturaleza para comprenderla.
Sin embargo este proceso tan abrumador se convierte en un placer estético pacificador y elegante en las esculturas de Daniel R. Martín. Digamos que ha conseguido sublimar la forma, estilizando las líneas y aligerando materia, sin perder el entramado que le aporta la fuerza. (…). La armonía que desprenden sus obras se debe a que forman parte del mismo ciclo que exploran. Es decir, investigan el inicio de la naturaleza y son parte de la naturaleza artística del escultor cántabro, de esta forma, se han erigido caprichosamente en un proceso propio arrastrando consigo los sentimientos que las crearon, evocando emociones universales a quien las admira. No rompen con sus trabajos anteriores, mantienen el camino andado depurando el formalismo técnico de sus etapas pasadas y manteniendo la experimentación en la contraposición del objeto y su materia. (…). Existe un paralelismo y una antítesis constante entre la propia naturaleza y la naturaleza de la escultura de Daniel R. Martín. No se halla la bidimensionalidad en ninguno de los aspectos que acabamos de mencionado, porque no se halla tal bidimensionalidad en la naturaleza, aún en el más plano de sus trabajos cada detalle es una lámina, un envoltorio y es ahí donde se compenetra a la perfección con la vida. El elemento inocuo que encierra como un fósil la hoja, en realidad son capas de poliéster, nada es lo que parece, entra un nuevo elemento al debate, el conflicto entre los materiales.” (Ana Álvarez).
HIRAKI SAWA por Salvador Carretero:
“Imaginación, sugestión, consciencia-inconsciencia, magia, fantasía, ficción, otra realidad, transfiguración, ensoñación, trascendencia, poética, sutilidad, fragilidad, fugacidad, incertidumbre… (…) . La obra de Hiraki Sawa (Ishikawa, Japón, 1977) es la única pieza del artista japonés que forma parte de El Puente de la Visión 2011. Posee un muy pequeño formato. Era una de las más pequeñas piezas que formaban parte de la edición de Arco de este año y que entonces pasó a formar parte en propiedad de la colección del MAS. Su título es el de Record (study for figment), vídeo digital con un marco hecho por el propio artista, trabajo videográfico que posee una duración de cinco minutos diez segundos y que lleva a cabo en 2011. (…). Sawa conoce sobre la inestabilidad e incertidumbre y genera un constante desarrollo de frágiles momentos fugaces, convirtiendo el tiempo en sensaciones sin solución de continuidad. Su mirada “microscópica” en Record, muchas veces cercana a una fórmula de hipnosis, acerca su trabajo a ese pulso agnóstico que inunda todo de un tiempo a esta parte. (…) nos hace transitar de forma inteligente y susurrante por espacios inciertos, con un sutil juego, donde la yuxtaposición y el collage, hace que se generen constantes sombras perfectamente moduladas. Crea así una inteligente joya, toda una constante veladura, palpitante. La discreción, el silencio, el cuidado de lo menudo y pequeño…, son conceptos y realidades que inundan con inteligencia la creatividad oriental en general, y la japonesa, en particular, sin caer en los tópicos. (…) nos transporta a la fragilidad de su linealidad sencilla y hasta infantil, poseyendo una intensa y rica vida interior. Utiliza ambientes internos y externos muy privados en pos de la desaparición de una cadencia temporal, desplazamientos, superposiciones de fantasías, muchas veces especialmente táctiles, flashes de sensaciones distorsionadas y veladas, poéticas, donde memoria y representación, ficción y realidad, se funden generando otros sistemas y dimensiones de conocimiento alternativos, liberando al tiempo de toda atadura real.” (Salvador Carretero).
MAS / MUSEO DE ARTE
MODERNO Y CONTEMPORÁNEO
DE SANTANDER Y CANTABRIA
C/ Rubio, 6. 39001 Santander (Cantabria/España)
Tlf: + 34 942 203120 Fax: + 34 942 203125
E-mail: museo@ayto-santander.es
www.facebook.com/museoMASsantander
CONSEJERÍA DE EDUCACIÓN,
CULTURA Y DEPORTE
Pasaje de Peña, 2 – 1ª planta.
39008 Santander (Cantabria/España)
Tlf: + 34 942 207458 Fax: + 34 942 217666

Las lecturas del arte plástico

http://www.eldiariomontanes.es/v/20111207/cultura/exposicion/lecturas-arte-plastico-20111207.html
Rosa M. Ruiz | El Diario Montañés

Desde que acabó su carrera hace siete años Cristina del Campo no ha dejado de pintar. Tras participar en varios eventos artísticos asegura que en el año 2009 le dio por retratar la naturaleza. En 2010 se centró en las lámparas, un elemento decorativo que le permitió explorar cuestiones como la representación y la superposición de temas pictóricos hasta el año 2011, cuando una larga estancia en Nueva York le despertó su interés artístico por los centros comerciales y recreativos. El resultado de todo el trabajo realizado en estos tres años se resume en una exposición 'Pitas, lamps and shopping carts', que se podrá contemplar desde el próximo viernes, 9 de diciembre, en la Biblioteca Central de Cantabria. «Ahí está todo lo que define mi obra durante los últimos años», asegura a punto de inaugurar la que será la exposición más importante de su carrera.

En total se muestran 73 obras, sobre lienzo, papel y tabla, en diversos formatos, aunque muchas de ellas están agrupadas en series. Así, 'Pitas' sirve de título genérico a sus pinturas protagonizadas por las plantas, 'Lamps' se centra en este motivo decorativo y 'Shopping Carts' retoma los apuntes tomados en Nueva York.

Para la exposición, que se ubicará en el patio central del edificio que acoge a la Biblioteca Central y al Archivo Histórico de Cantabria, Cristina del Campo ha realizado además una intervención sobre una de las obras, con el propósito de redefinir los límites del cuadro. «Puede parecer que los cuadros no tienen ninguna relación entre sí, pero es un resumen de los últimos años de mi vida y de las cosas que he ido haciendo durante este tiempo», señala la artista cántabra que nació en 1981 en Riosapero y que en el año 2010 obtuvo el Premio Cantabria de Artes Plásticas.

Expectante por ver la reacción del público, la artista recuerda que en el año 2004 expuso por primera vez en solitario en Salamanca, ciudad en la que estudió Bellas Artes, aunque reconoce que está es una muestra mucho más especial.

Organizada por la Consejería de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno regional, la exposición es, según destaca el Gobierno regional en un comunicado, un «claro ejemplo» de dos de las objetivos que rigen la acción de este departamento en el ámbito de la cultura: el fomento de la actividad en las infraestructuras ya existentes, y la apuesta «rotunda y decidida» por los jóvenes creadores cántabros.

Igualmente, el propósito es que la Biblioteca y Archivo Central de Cantabria se convierta en un espacio «abierto», donde se combinen «a la perfección» el estudio, la lectura y las manifestaciones artísticas, en definitiva «un lugar de referencia y un agente dinamizador de cultura».

Según la comisaria de la exposición Mónica Álvarez Careaga, Cristina del Campo ha centrado su interés «en el objeto, en su representación mediante la pintura, en su capacidad para estructurar la superficie pictórica y en su fuerza comunicativa».

Además de la exposición, la Consejería ha diseñado un programa de actividades divulgativas como complemento que se iniciarán el viernes con un encuentro con la pintora donde el público podrá dialogar con ella acerca de su trayectoria profesional y su obra y que seguirán el sábado con actividades infantiles relacionadas con los cuadros.

El 'Titanic' que soñó Enrique Gran

http://www.eldiariomontanes.es/v/20111202/cultura/arte/titanic-sono-enrique-gran-20111202.html

Rosa M. Ruiz | El Diario Montañés

Sólo un cerebro lleno de ingenio y de arte, como el de Enrique Gran, pudo imaginar como se encontrarán los restos del 'Titanic' dentro de cien años. El pintor santanderino lo plasmó en un lienzo en 1992, cinco años antes del estreno de la película dirigida por James Cameron sobre el hundimiento del buque. El cuadro ha levantado la admiración de muchos expertos que consideran que, efectivamente, dentro de un siglo -dos después de la tragedia-, los restos reposarán en el Atlántico Norte y a casi 4.000 metros de profundidad de la misma forma que se recoge en la obra. Lo curioso es que el artista santanderino jamás había visto ni una sóla imagen de las huellas del trasatlántico más mediático de la historia.

En 1992, Enrique Gran (1928-1999) tituló su cuadro 'El sueño del Titanic' y poco podía imaginar que años después iba a despertar tanto interés. No sólo el de la Fundación Titanic, encargada de mantener viva la memoria del buque y que lo ha elegido como imagen del centenario del hundimiento que se celebrará durante 2012, sino también el del actor Leonardo DiCaprio que, impresionado por el trabajo, ha manifestado reiteradamente su deseo por adquirirlo.

Los cántabros también podrán contemplarlo, al menos hasta el próximo día 8 de enero, en una exposición titulada 'Una Gran obra' que se inaugura hoy, viernes, a las 20.00 horas, en el Palacete del Embarcadero de Santander y que está patrocinada por la Autoridad Portuaria y las fundaciones 'Titanic' y 'Enrique Gran'.

'El sueño del Titanic' es el eje de esta muestra en torno al cual se pueden contemplar además diversos objetos personales del artista, proyecciones con imágenes de sus trabajos e incluso una entrevista en la que el pintor manchego Antonio López habla sobre el creador santanderino.

La exposición, que se completa con diversos paneles con datos sobre el pintor, tiene carácter itinerante y se puede contemplar por primera vez en Santander, lugar elegido por la Fundación Enrique Gran, propietaria del lienzo, por ser el lugar donde nació.

Interés de DiCaprio

El cuadro, característico en su fuerte cromatismo y en su universo onírico, impresionó a Leonardo DiCaprio, protagonista de la versión más taquillera del 'Titanic'. El actor tiene tanto interés por adquirirlo que incluso se plantea venir a Santander para contemplarlo, pues hasta ahora sólo lo ha visto por Internet. DiCaprio realizará un viaje con carácter promocional a Londres, entre los días 15 y 21 de diciembre, fechas que podría elegir para acercarse hasta la capital cántabra, tal y como señala Begoña Merino, directora de la Fundación Gran y sobrina del pintor, quien también reconoce que podrían ser los miembros de este organismo los que trasladen la obra a la capital inglesa para mostrársela.

Al margen de esta hipotética visita 'estelar', el público puede recorrer desde hoy la exposición, de martes a viernes de 18.00 a 21.00 horas, y los sábados, domingos y festivos de 11.30 a 13.30 horas y de 18.00 a 21.00 horas.

Mirar la ciudad tiene premio

http://www.eldiariomontanes.es/v/20111201/cultura/fotografia/mirar-ciudad-tiene-premio-20111201.html