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Visitas guiada especial Puente de la Visión 2011

2011-12-08T15:42:00.000+01:00

VISITA GUIADA ESPECIAL EL PUENTE DE LA VISIÓN 2011
Viernes 2 de Diciembre a las 11:30 horas
Gratuita. Hasta completar aforo. La visita tendrá lugar en la sede del MAS EL PUENTE DE LA VISIÓN 2011
Organización y producción:
MAS/Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria Consejería de Educación, Cultura y Deporte Ayuntamiento de Santander/Gobierno de Cantabria
Artistas: Alejandra Freymann, Daniel R. Martín, Hiraki Sawa, Julia Montilla,
Miki Leal y Nuno Nunes-Ferreira.
Sedes, ubicación de exposiciones, fechas y horarios:
MAS/Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (c/Rubio 6. Santander): Hiraki
Sawa, Miki Leal y Nuno Nunes-Ferreira (del 7 de Octubre al 11 de Diciembre de 201. Horario: de martes a sábado de 10:00 a 13:00 y de 17:30 a 21:00; domingos y festivos de 11:00 a 13:30).
Casas del Águila y La Parra en Santillana del Mar (Plaza Mayor s/n): Alejandra Freymann, Daniel R. Martín y Julia Montilla (del 6 de Octubre al 11 de Diciembre de 2011. Horario: de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 19:00; sábados, domingos y festivos: de 11:00 a 14:00 y de 16: a 19:00 h).
El MAS propone una visita especial a su exposición temporal El Puente de la Visión 2011, proyecto de arte contemporáneo internacional coproducido por el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (MAS) y la Consejería de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Cantabria. El Puente
de la Visión está próximo a su clausura, razón por la cual el MAS ofrece esta posibilidad a un mayor acercamiento. La visita tendrá lugar el viernes día 2 de diciembre a las 11:30 y se realizará en la Sede del MAS. El museo con esta propuesta pretende lograr un mayor acercamiento del arte contemporáneo al
público general, brindándole la posibilidad de ser guiados por un profesional. Los artistas que se exponen en la sede del MAS son en la edición de este año: Alejandra Freymann (Xalapa, México, 1983), Daniel R. Martín (Santander, España, 1976), Hiraki Sawa (Ishikawa, Japón, 1977), Miki Leal ( Sevilla, España, 1974) y Nuno Nunes-Ferreira (Lisboa, Portugal, 1976). Todos ellos unidos por un mismo hilo conductor, protagonizado este año por la naturaleza. El proyecto se clausurará el próximo domingo 11 de diciembre, por lo que se recomienda no dejen pasar esta oportunidad.
ALEJANDRA FREYMANN por María Ruiz:
“Los lienzos en los que cobran vida los paisajes habitados de Alejandra Freymann, presentan fascinantes territorios de naturaleza onírica, en los que necesariamente, se teje la trama de un relato, que emerge, se retroalimenta y prospera regido por la acción del tiempo sobre el espacio y sus protagonistas. Esta importancia vital del tiempo, no radica en una direccionalidad ortodoxa y coherente entre pasado, presente y futuro, se trata más bien, de una temporalidad de carácter evanescente y mágico, que actúa libremente, comprometiéndose con la autonomía de la percepción del espectador, facilitando la aparición de un fértil y estimulante soliloquio visual que generará una intensa emoción estética. (…).
Las series Pájaro Bobo y Piscis Austrinus se estructuran a partir de una formulación interna de carácter más libre que Campamento.
En Pájaro Bobo cada cuadro posee una autonomía temática más marcada, sin existir una relación de dependencia argumental entre ellos, aunque su concepción primigenia emana de una misma premisa conceptual y formal, que anida en el planteamiento de cuestiones acerca de los sistemas de representación espacial sobre la superficie pictórica, la relación del individuo y de los animales con el entorno que les rodea o la capacidad generadora de lirismo y ensoñación de la que goza la Naturaleza para convertirse en la intermediaria esencial entre creación y espectador. Por el contrario, Piscis Austrinus, será regida por una persistencia temática que se sucederá a lo largo de toda la serie, basada en el poder evocador de las estrellas, en la nostalgia incuestionable que se adueña del observador que las contempla y en el obligado designio de las constelaciones de tender puentes o romper barreras entre el entendimiento de las personas y el cosmos, dando paso a un caudal de cuestiones e interpretaciones de índole metafísica e intelectual que abordan nuestro papel en el universo y su infinita magnitud como fuente inagotable de aprendizaje e inspiración.
De nuevo, nos encontramos sumergidos de lleno en ambientes fantasiosos y multisemánticos, suspendidos en el tiempo y en el espacio, bajo el hechizo de las estrellas, ocupados por hombres con aire de viajeros perpetuos y anacrónicos cuya fragilidad puede incluso culminar en una enigmática y etérea disgregación física y moral en aras de su total integración espiritual en el espacio, un espacio que en algunas obras se organizará sobre sólidas plataformas naturales al filo del abismo, que podrían recordarnos a la representación de los cortes tectónicos, enlazando con una introspección física y científica del paisaje, tratando de descubrir sus propias entrañas, de aspirar a su conocimiento absoluto.” (María Ruiz).
MIKI LEAL por Virginia Torrente:
“Leal conquista lo salvaje de la naturaleza, forjando un paisaje propio que domina sobre el lienzo de manera natural y sencilla. Entre lo inescrutado y lo civilizado, el pintor nos conduce a un lugar donde llama nuestra atención de manera poderosa, concentrada. Entre el escarpado risco de Viento de cara y el espacio que contemplamos desde la ventana hacia afuera en La sombra, vemos esa evolución del tema del paisaje que existe desde el “wilderness” de las praderas norteamericanas a la plácida visión de la cabaña de Thoreau, lugar intermedio que es mental a la vez que físico, dibujado con gran delicadeza. La atracción de la naturaleza está en todas estas pinturas. Y la sensación de libertad, en el modo de hacer, y en la manera de dárnoslas a contemplar, en toda la obra de Leal. (…).
Un nuevo paisaje, el representado en el siglo XXI, necesita de nuevas estrategias, de una nueva mirada en su transformación. Leal evita elegir entre lo contemporáneo y lo pastoril. Cada escenografía es apta de ser nuestra favorita, entre el paisaje casi lunar de Las negras hasta el más doméstico de La sombra, Leal nos brinda la oportunidad de estar a gusto en hábitats que se reparten entre lo sublime y lo moderno. / Esa conquista del paisaje en la mano de Leal pasa por el color, por la intensidad del trazo y por un fulgor de incansable imaginación. Traemos a este texto las observaciones de Ignacio Tovar del año 2006, que reclaman en Leal la fuerza y potencia en el uso de la gama cromática: “es precisamente ese color el verdadero y principal protagonista (…) actuando como un clima que envuelve a todos los demás elementos; una suerte de catalizador merced a cuya presencia todos esos otros elementos adquieren sentido en la composición (…)Todo el poder evocativo de la obra lo crea el color”. Y no sólo es el color, ya que Leal también nos demuestra una capacidad para el dibujo a lápiz de gran talla en los trabajos titulados Plain air del año 2009, soporte en el que no suele recrearse habitualmente con tanto detalle como lo hizo en este extenso estudio sobre la cabaña de Heidegger. / Los estándares del paisaje, que los antiguos pugnaban por retratar de la manera más fidedigna posible, se transforman en la paleta de Leal en trallazos de color, salpicones, ideas que surgen a borbotones con el mismo espíritu apasionado que impregnaba los cuadros de los antiguos, pero ahora en el estilo moderno, que no deja de ser revolucionario, a la vez que comprensible para el espectador del siglo XXI.” (Virginia Torrente).
NUNO NUNES-FERREIRA por Catherine Colemann:
“Durante su hasta ahora corta carrera, Nuno Nunes-Ferreira ha demostrado una gran coherencia en la elección temática y maduración del lenguaje propio, a lo que se une la convicción en la misión que el mismo se ha impuesto. Su discurso artístico se basa en las eternas dicotomías del bien y el mal; de la memoria y el olvido. Busca encontrar una estética de la belleza en las imágenes crueles que se enquistan en nuestro pasado colectivo: en mi obra intento reflexionar sobre diferentes episodios históricos que el tiempo procura aniquilar o denegar. El artista portugués ha elegido para ello el camino que le brinda la fotografía: las imágenes fotográficas son de cierta manera la base de mi obra y la memoria y el recuerdo al mirarlas es el concepto que busco. Todo se repite, todo se olvida, un ciclo. Una precisión: Nuno no es fotógrafo. Las fotografías de las que se sirve proceden de periódicos y revistas, además de publicaciones antiguas escaneadas y colgadas en Internet. (…) Un clima de terror que evoca a la novela de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas (1899). Conrad pasó seis meses en el Congo colonizado y devastado por Leopoldo II de Bélgica, propietario del Estado Libre del Congo que se dedicó fervorosamente al comercio de esclavos y del caucho. El viajero inglés Marlow (Joseph Conrad) es testigo de indescriptibles brutalidades a los nativos, a la locura y al descenso a los infiernos, a la elección entre el bien y el mal. El cinismo de Leopoldo II no tiene parangón, erigiéndose como introductor de los principios humanitarios en el Congo cuando en realidad exporta un imperialismo rampante y un racismo feroz, sembrando el terror en la selva. El genocidio costó la vida a trece millones de africanos. Nuno no se limita a colgar imágenes de los esclavos africanos torturados en las ramas del árbol o escondidos en la selva, lleva su denuncia aún más lejos. Incluye fotografías de los nativos mutilados de Nsongo District: su fuente es el informe cooperativo de 1904 ilustrado con la fotografía que conlleva la siguiente leyenda: natives shot and multilated …with hands of their countrymen murdered by rubber sentries, May 1904. The white men are Mr. Stannard and Mr. Harris of Congo Balolomission at Baringa.
El artista confecciona así una serie de fotografías utilizando las siluetas y sombras de las manos de los congoleños, creando monstruos, y una serie de esculturas de manos cortadas y adosadas a la pared aludiendo a las prácticas macabras llevadas a cabo en la selva del Congo. El último cuadro de Nuno (aún sin acabar cuando escribo estas líneas), también titulado Camuflage, trata el Holocausto. Ya en 2002 se puede vislumbrar en varios cuadros la torre de un campo de concentración en la distancia (“Silencio;” la irónica “The end (To be continued). En otras obras, las palabras en alemán Arbeit Macht Frei (el trabajo te hace libre), colocadas a la entrada del campo de concentración de Dachau y la entrada de los trenes cargados de “pasajeros” en el campo de Auschwitz, “Última parada.” Recorta las caras de los prisioneros yaciendo en las literas de Dachau en la archiconocido fotografía tomada en 1945 que recoge el momento su liberación.” (Catherine Colemann).
DANIEL R. MARTÍN por Ana Álvarez:
“Muchos han sido los que han centrado su curiosidad y pasión en encontrar esa fuente primigenia de donde proviene la vida. No hablamos de conceptos palpables, ni visibles. Hablamos del mínimo instante en que sucede un pequeño cambio que emprende el ciclo de la germinación. Se trata de una abstracción compleja, únicamente alcanzable a través de la introspección en la propia naturaleza para comprenderla.
Sin embargo este proceso tan abrumador se convierte en un placer estético pacificador y elegante en las esculturas de Daniel R. Martín. Digamos que ha conseguido sublimar la forma, estilizando las líneas y aligerando materia, sin perder el entramado que le aporta la fuerza. (…). La armonía que desprenden sus obras se debe a que forman parte del mismo ciclo que exploran. Es decir, investigan el inicio de la naturaleza y son parte de la naturaleza artística del escultor cántabro, de esta forma, se han erigido caprichosamente en un proceso propio arrastrando consigo los sentimientos que las crearon, evocando emociones universales a quien las admira. No rompen con sus trabajos anteriores, mantienen el camino andado depurando el formalismo técnico de sus etapas pasadas y manteniendo la experimentación en la contraposición del objeto y su materia. (…). Existe un paralelismo y una antítesis constante entre la propia naturaleza y la naturaleza de la escultura de Daniel R. Martín. No se halla la bidimensionalidad en ninguno de los aspectos que acabamos de mencionado, porque no se halla tal bidimensionalidad en la naturaleza, aún en el más plano de sus trabajos cada detalle es una lámina, un envoltorio y es ahí donde se compenetra a la perfección con la vida. El elemento inocuo que encierra como un fósil la hoja, en realidad son capas de poliéster, nada es lo que parece, entra un nuevo elemento al debate, el conflicto entre los materiales.” (Ana Álvarez).
HIRAKI SAWA por Salvador Carretero:
“Imaginación, sugestión, consciencia-inconsciencia, magia, fantasía, ficción, otra realidad, transfiguración, ensoñación, trascendencia, poética, sutilidad, fragilidad, fugacidad, incertidumbre… (…) . La obra de Hiraki Sawa (Ishikawa, Japón, 1977) es la única pieza del artista japonés que forma parte de El Puente de la Visión 2011. Posee un muy pequeño formato. Era una de las más pequeñas piezas que formaban parte de la edición de Arco de este año y que entonces pasó a formar parte en propiedad de la colección del MAS. Su título es el de Record (study for figment), vídeo digital con un marco hecho por el propio artista, trabajo videográfico que posee una duración de cinco minutos diez segundos y que lleva a cabo en 2011. (…). Sawa conoce sobre la inestabilidad e incertidumbre y genera un constante desarrollo de frágiles momentos fugaces, convirtiendo el tiempo en sensaciones sin solución de continuidad. Su mirada “microscópica” en Record, muchas veces cercana a una fórmula de hipnosis, acerca su trabajo a ese pulso agnóstico que inunda todo de un tiempo a esta parte. (…) nos hace transitar de forma inteligente y susurrante por espacios inciertos, con un sutil juego, donde la yuxtaposición y el collage, hace que se generen constantes sombras perfectamente moduladas. Crea así una inteligente joya, toda una constante veladura, palpitante. La discreción, el silencio, el cuidado de lo menudo y pequeño…, son conceptos y realidades que inundan con inteligencia la creatividad oriental en general, y la japonesa, en particular, sin caer en los tópicos. (…) nos transporta a la fragilidad de su linealidad sencilla y hasta infantil, poseyendo una intensa y rica vida interior. Utiliza ambientes internos y externos muy privados en pos de la desaparición de una cadencia temporal, desplazamientos, superposiciones de fantasías, muchas veces especialmente táctiles, flashes de sensaciones distorsionadas y veladas, poéticas, donde memoria y representación, ficción y realidad, se funden generando otros sistemas y dimensiones de conocimiento alternativos, liberando al tiempo de toda atadura real.” (Salvador Carretero).
MAS / MUSEO DE ARTE
MODERNO Y CONTEMPORÁNEO
DE SANTANDER Y CANTABRIA
C/ Rubio, 6. 39001 Santander (Cantabria/España)
Tlf: + 34 942 203120 Fax: + 34 942 203125
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www.facebook.com/museoMASsantander
CONSEJERÍA DE EDUCACIÓN,
CULTURA Y DEPORTE
Pasaje de Peña, 2 – 1ª planta.
39008 Santander (Cantabria/España)
Tlf: + 34 942 207458 Fax: + 34 942 217666

Las lecturas del arte plástico

2011-12-07T00:50:00.000+01:00

http://www.eldiariomontanes.es/v/20111207/cultura/exposicion/lecturas-arte-plastico-20111207.html
Rosa M. Ruiz | El Diario Montañés

Desde que acabó su carrera hace siete años Cristina del Campo no ha dejado de pintar. Tras participar en varios eventos artísticos asegura que en el año 2009 le dio por retratar la naturaleza. En 2010 se centró en las lámparas, un elemento decorativo que le permitió explorar cuestiones como la representación y la superposición de temas pictóricos hasta el año 2011, cuando una larga estancia en Nueva York le despertó su interés artístico por los centros comerciales y recreativos. El resultado de todo el trabajo realizado en estos tres años se resume en una exposición 'Pitas, lamps and shopping carts', que se podrá contemplar desde el próximo viernes, 9 de diciembre, en la Biblioteca Central de Cantabria. «Ahí está todo lo que define mi obra durante los últimos años», asegura a punto de inaugurar la que será la exposición más importante de su carrera.

En total se muestran 73 obras, sobre lienzo, papel y tabla, en diversos formatos, aunque muchas de ellas están agrupadas en series. Así, 'Pitas' sirve de título genérico a sus pinturas protagonizadas por las plantas, 'Lamps' se centra en este motivo decorativo y 'Shopping Carts' retoma los apuntes tomados en Nueva York.

Para la exposición, que se ubicará en el patio central del edificio que acoge a la Biblioteca Central y al Archivo Histórico de Cantabria, Cristina del Campo ha realizado además una intervención sobre una de las obras, con el propósito de redefinir los límites del cuadro. «Puede parecer que los cuadros no tienen ninguna relación entre sí, pero es un resumen de los últimos años de mi vida y de las cosas que he ido haciendo durante este tiempo», señala la artista cántabra que nació en 1981 en Riosapero y que en el año 2010 obtuvo el Premio Cantabria de Artes Plásticas.

Expectante por ver la reacción del público, la artista recuerda que en el año 2004 expuso por primera vez en solitario en Salamanca, ciudad en la que estudió Bellas Artes, aunque reconoce que está es una muestra mucho más especial.

Organizada por la Consejería de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno regional, la exposición es, según destaca el Gobierno regional en un comunicado, un «claro ejemplo» de dos de las objetivos que rigen la acción de este departamento en el ámbito de la cultura: el fomento de la actividad en las infraestructuras ya existentes, y la apuesta «rotunda y decidida» por los jóvenes creadores cántabros.

Igualmente, el propósito es que la Biblioteca y Archivo Central de Cantabria se convierta en un espacio «abierto», donde se combinen «a la perfección» el estudio, la lectura y las manifestaciones artísticas, en definitiva «un lugar de referencia y un agente dinamizador de cultura».

Según la comisaria de la exposición Mónica Álvarez Careaga, Cristina del Campo ha centrado su interés «en el objeto, en su representación mediante la pintura, en su capacidad para estructurar la superficie pictórica y en su fuerza comunicativa».

Además de la exposición, la Consejería ha diseñado un programa de actividades divulgativas como complemento que se iniciarán el viernes con un encuentro con la pintora donde el público podrá dialogar con ella acerca de su trayectoria profesional y su obra y que seguirán el sábado con actividades infantiles relacionadas con los cuadros.

El 'Titanic' que soñó Enrique Gran

2011-12-02T08:57:00.000+01:00

http://www.eldiariomontanes.es/v/20111202/cultura/arte/titanic-sono-enrique-gran-20111202.html

Rosa M. Ruiz | El Diario Montañés

Sólo un cerebro lleno de ingenio y de arte, como el de Enrique Gran, pudo imaginar como se encontrarán los restos del 'Titanic' dentro de cien años. El pintor santanderino lo plasmó en un lienzo en 1992, cinco años antes del estreno de la película dirigida por James Cameron sobre el hundimiento del buque. El cuadro ha levantado la admiración de muchos expertos que consideran que, efectivamente, dentro de un siglo -dos después de la tragedia-, los restos reposarán en el Atlántico Norte y a casi 4.000 metros de profundidad de la misma forma que se recoge en la obra. Lo curioso es que el artista santanderino jamás había visto ni una sóla imagen de las huellas del trasatlántico más mediático de la historia.

En 1992, Enrique Gran (1928-1999) tituló su cuadro 'El sueño del Titanic' y poco podía imaginar que años después iba a despertar tanto interés. No sólo el de la Fundación Titanic, encargada de mantener viva la memoria del buque y que lo ha elegido como imagen del centenario del hundimiento que se celebrará durante 2012, sino también el del actor Leonardo DiCaprio que, impresionado por el trabajo, ha manifestado reiteradamente su deseo por adquirirlo.

Los cántabros también podrán contemplarlo, al menos hasta el próximo día 8 de enero, en una exposición titulada 'Una Gran obra' que se inaugura hoy, viernes, a las 20.00 horas, en el Palacete del Embarcadero de Santander y que está patrocinada por la Autoridad Portuaria y las fundaciones 'Titanic' y 'Enrique Gran'.

'El sueño del Titanic' es el eje de esta muestra en torno al cual se pueden contemplar además diversos objetos personales del artista, proyecciones con imágenes de sus trabajos e incluso una entrevista en la que el pintor manchego Antonio López habla sobre el creador santanderino.

La exposición, que se completa con diversos paneles con datos sobre el pintor, tiene carácter itinerante y se puede contemplar por primera vez en Santander, lugar elegido por la Fundación Enrique Gran, propietaria del lienzo, por ser el lugar donde nació.

Interés de DiCaprio

El cuadro, característico en su fuerte cromatismo y en su universo onírico, impresionó a Leonardo DiCaprio, protagonista de la versión más taquillera del 'Titanic'. El actor tiene tanto interés por adquirirlo que incluso se plantea venir a Santander para contemplarlo, pues hasta ahora sólo lo ha visto por Internet. DiCaprio realizará un viaje con carácter promocional a Londres, entre los días 15 y 21 de diciembre, fechas que podría elegir para acercarse hasta la capital cántabra, tal y como señala Begoña Merino, directora de la Fundación Gran y sobrina del pintor, quien también reconoce que podrían ser los miembros de este organismo los que trasladen la obra a la capital inglesa para mostrársela.

Al margen de esta hipotética visita 'estelar', el público puede recorrer desde hoy la exposición, de martes a viernes de 18.00 a 21.00 horas, y los sábados, domingos y festivos de 11.30 a 13.30 horas y de 18.00 a 21.00 horas.

Mirar la ciudad tiene premio

2011-12-01T09:12:00.002+01:00

http://www.eldiariomontanes.es/v/20111201/cultura/fotografia/mirar-ciudad-tiene-premio-20111201.html

La galería Del Sol St. muestra los 'Paralajes marinos' de Alberto Montés y Patricia Galdós

2011-12-01T09:07:00.000+01:00

http://www.eldiariomontanes.es/v/20111201/cultura/arte/galeria-muestra-paralajes-marinos-20111201.html
M.S.M. El diario Montañés

La sala B de la santanderina galería Del Sol St. inaugura hoy, jueves, a las 20.00 horas la muestra 'Paralajes marinos' de los artistas vinculados a Cantabria Alberto Montés y Patricia Galdós Iztueta. La propuesta expositiva gira en torno a las reflexiones acerca de la percepción, junto con el factor tiempo desde el mar, donde el ojo se achica y mira desde la humildad contrastes entre la inmensidad de la naturaleza, su fuerza y la volatilidad aparente de elementos naturales y artificiales (mástiles, grúas, saltos de agua, fondeaderos, ausencias de contaminación lumínica). El lenguaje de la muestra busca ese mismo contraste con dos técnicas y visiones tan distintas sobre lo mismo. Ambos artistas nos proponen, a través de sus obras y con una mirada abstracta, un recorrido de los trabajos que vienen realizando recientemente.

Dos miradas

La muestra permite diferenciar las dos miradas de sendos artistas. Por una parte, Alberto Montés lo hace desde una perspectiva geométrica, en la que abundan elementos diferentes como el acero cortén, la madera o el metacrilato, materiales que emplea habitualmente en su propio trabajo de arquitecto y que asimismo utiliza en sus esculturas y pinturas horizontales y verticales, a demás de destacar el uso del color en sus variantes azul, gris , generando una plasticidad muy elocuente.

Patricia Galdós, sin embargo, nos traslada a ese territorio de la pintura en la que la materia y el color son los únicos protagonistas de un informalismo tan delicado como expresivo. El año pasado el Casyc de Caja Cantabria dedicó su espacio a la obra de estos dos artistas.

La senda del extrañamiento

2011-11-30T15:44:00.000+01:00

El próximo jueves día 1 de Diciembre, a las siete y media de la tarde, tendrá lugar en el MAS (Museo de Arte Moderno y Contemporaneo de Santander y Cantabria) la presentación del libro del profesor de la Universidad de Cantabria, y miembro de la redacción científica de Trasdós, revista del MAS, Javier Díaz López. El libro lleva por título La senda del extrañamiento, y ha sido editado por Ediciones La Bahía. En el acto de presentación estarán, además del autor, el editor José María Lafuente, el periodista Guillermo Balbona y el autor de la edición Juan Antonio González Fuentes.
La senda del extrañamiento es una selección de los ensayos cortos publicados en los diarios Alerta y, sobre todo, El Diario Montañés en las tres últimas décadas por Javier Díaz López. Estos fragmentos sobre pensamiento, literatura, música y arte forman un conjunto coherente y sistemático pues fueron escritos con una intención deliberada: que algún día fueran reunidos en un libro, un sueño del autor hecho realidad ahora con esta edición. Así, estos artículos constituyen una de las múltiples y plurales tramas del archivo de la cultura de la modernidad y la posmodernidad, donde conviven pensadores y creadores comunes y excéntricos, situaciones desviadas y acontecimientos ordinarios: Georg Simmel, Suzanne K. Langer, Kenneth Burke, Gregory Bateson, Albert Hoffman, Buckminster Fuller, Emily Dickinson, Fernando Pessoa, Ivan Turgueniev, Winfried G. Sebald, Ella Fitzgerald, Giusseppi Logan, Tom Waits, Glenn Gould, Rogelio Egusquiza, Constantin Brancusi, Balthus, Jorge Oteiza, Budd Boetticher…, la transdisciplinariedad, la sinergia, la vida cotidiana, la autodidaxia, el éxtasis estilístico, la utopía del domingo, el discurso cultural como poder, la soledad, la mezcla cultural, el artista invisible, el artista reputado, los márgenes, la alienación, la genialidad desterrada, el largo camino hacia la normalización del extrañamiento.
Javier Díaz López es Doctor en Sociología por la UCM y profesor de esta disciplina en el Grado de Relaciones Laborales de la Facultad de Derecho de la Universidad de Cantabria. Ha sido asesor de Comunicación de la Junta del Puerto (hoy Autoridad Portuaria) de Santander, coordinador del Palacete del Embarcadero del citado organismo y director del Aula de Música de la Universidad de Cantabria. Fue miembro del consejo de redacción de Comercial de la Pintura y lo es ahora de Trasdós. Especializado en Sociología de la cultura y de las artes, es autor de La estructura social del mundo de la vida cotidiana y la construcción del sentido en las artes de los EE. UU. de América (1940-1964), y coautor, entre otras obras, de María Zambrano. La visión más transparente, Escritos de sociología de la cultura y de las artes y La casa en Cantabria (1920-1995).
MAS / MUSEO DE ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO DE SANTANDER Y CANTABRIA
C/ Rubio, 6. 39001 Santander (Cantabria/España)
Tlf: + 34 942 203120   Fax: + 34 942 203125
E-mail: museo@ayto-santander.es
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CONSEJERÍA DE EDUCACIÓN, CULTURA Y DEPORTE
Pasaje de Peña, 2 – 1ª planta.
39008 Santander (Cantabria/España)
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Abierto el plazo de inscripcion al VII seminario Polientes foto.

2011-11-30T11:16:00.000+01:00

Con la interesante presencia de la ponente Ouka Leele y con el equipo habitual, Cembranos y Hojas al frente, se presenta una nueva edición del Polientes foto. Su septima edición tendrá lugar a partir del lunes 9 de enero, tras las fechas navideñas y con el frio entorno de los vallucos como paisaje.
Desde el 23 de noviembre está abierta la preinscripción para el curso que podrá realizarse en el CASYC, sito en la calle Tantín 25 de Santander y hasta el próximo 20 de diciembre.

Nueva muestra en Del Sol st.

2011-11-29T19:04:00.002+01:00

El próximo viernes 25 de noviembre, a las 8 de la tarde se inaugura la exposición de Jalián Valle, La piel como un río en la galería Del Sol St Art Gallery.

Programa Joven Comisariado del MAS

2011-11-29T18:58:00.000+01:00

El EspacioMeBAS, como ya es sabido, es un ámbito de ensayo e investigación expositivo, orientado al apoyo de jóvenes artistas y a artistas de nueva generación, con algún muy ocasional proyecto de ensayo de arte moderno.

Íntimamente vinculado a casi todos los proyectos expositivos de este espacio, ha sido también el hecho de fomentar la directa participación de nuevas generaciones de críticos y comisarios de arte, encargándoles los textos críticos de los trabajos editoriales que siempre han acompañado a las exposiciones del EspacioMeBAS (Amaia Barredo, Lidia Gil, Raúl Hevia, María Ruiz, Berta Jayo/Eduard Estruch, Roberto del Río, Carmen Quijano, Javier Hontoria…). Un paso más allá en este sentido, es el crear un nuevo foro de trabajo para que estas nuevas generaciones de críticos y comisarios de arte, puedan comisariar nuevos proyectos expositivos.

El Joven Programa de Comisariado del MAS, inicialmente contaría con la selección de una a tres propuestas anuales a desarrollar durante el primer semestre de 2012 y, en general, durante el primer semestre de cada año. Los interesados pueden presentar sus proyectos expositivos hasta el 30 de diciembre de 2011, acompañándolos con un dossier en el que se justifique y detalle tanto el contenido como la partida presupuestaria del proyecto en su totalidad -tanto técnico como presupuestario-. Los informes presentados serán estudiados por tres profesionales, teniendo los comisarios elegidos tres meses para la ejecución del proyecto a partir del momento en que se les haya comunicado.

Los interesados pueden encontrar las bases de la convocatoria en el archivo adjunto, en la página de Facebook del MAS www.facebook.com/museoMASsantander, o bien solicitarla por correo electrónico al MAS, pudiendo dirigir las propuestas al:

MAS Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria

DEPARTAMENTO DE EXPOSICIONES TEMPORALES DEL MAS

c/ Rubio, 6

399001 SANTANDER –CANTABRIA

DIRECCIÓN DE CORREO ELECTRÓNICO

museo@ayto-santander.es

Santander, 29 de noviembre de 2011

El coleccionista Jaime Sordo reanuda el 'Espacio Interior' del MAS

2011-11-29T10:57:00.000+01:00

El coleccionista Jaime Sordo reanuda el 'Espacio Interior' del MAS

Bokehcito de mi vida

2011-05-27T11:03:00.004+02:00

Ayer tarde pude visitar la nueva exposición del Bokeh 'unañodebokeh' justo antes de que diera comienzo el recital de Lucas Masciano. La muestra está dividida en dos partes. Una con fotos de las exposiciones que se realizaron en la sala a lo largo de este año de andadura, con imágenes de Laura Leaves, Pedro Sánchez, Silvia Blanco, Enrique Gambarte, Álvaro Oliva, etc. y otra con fotos que la própia Laura ha ido realizando durante los conciertos. Con un estílo oscuro, recorta las figuras mediante los haces de luz de los focos que iluminan el escenario y nos muestra la cercanía de los diferentes seres que allí habitan cada semana; sus ilusiones, recuerdos, letras, anécdotas y sobre todo preciosas canciones. Enmarcados con un sencillo soporte, se embrollan en la pared como memoria de un año lleno de pequeños éxitos y grandes esperanzas, pero sobre todo, con la ilusión de que continue así y llene la pared.

Después llegó el concierto, muy agradable, íntimo, como todos en esta pequeña sala. Ante unas 40 personas, este trovador viajero de las salas pequeñas, acompañado por Marcelo Frajmowicz, impregnó las pupilas de aires porteños con su acento y la melódica, el piano y la acústica; __cuando alguien hace las cosas con gusto, intención y humildad solo puede salir música__. Y eso es lo que nos dió, sus entrañas en forma de evocaciones, desamores, tristezas y perspectivas, anhelos y sobre todo una sonrisa que contagió deseos positivos. __Lluvia azul abrió la velada, seguidas de otras de discos antiguos, Y qué, Azabache, Domingo porteño, Tus locas razones, Prefiero, Ya lo dijo Andrés, seguidas de la más conocidas Me gustas cuando y Al diablo. El climax llegó con Milonga de Barcelona y Siempre, cuando y sobretodo, que forman parte de su último trabajo acústico, que recorre toda su carrera y algunos temas nuevos.

Recordaros que sigue vigente la semana de aniversario con el 'Monólogo desesperado' de Varillas esta noche y las fiestas de aniversario y cumpleaños del sabado y domingo.

Semana del 1er aniversario de la galería Bokeh.

2011-05-25T12:47:00.004+02:00

Con la inauguración de ayer martes de la expo 'unañodebokeh' con motivo del aniversario de la sala, dió comienzo una semana repleta de citas que no debéis olvidar. Los fastos incluyen la exposición fotográfica, la muestra de videos de Oliva, el concierto de Lucas Masciano, el monologo de Varillas y la fiesta de colofón de la efeméride el sábado.

La exposición incluye las fotos de los diferentes eventos y conciertos que han tenido lugar en el local, ANDRÉS SUÁREZ, NIÑO DE LA HIPOTECA, BAMBAX, BADANA REP, NI FU NI FUNK, LUIS RAMIRO, GASTELO Y REBECA JIMENEZ, THE PUZZLES, IZAL RAFA PONS, JUMPIN JACKS, CRAYOLASER, CARLOS VEGA y otros muchos que nos han hecho pasar estupendos ratos y que han hecho que merezca la pena embarcarnos en este proyecto. __según palabras de las gerentes.__

Hoy miércoles día 25 de mayo se celebrará la "noche de Álvaro Oliva". Para ello se proyectarán varios de los últimos trabajos del director cántabro.
Foxy Lady
Posturas
Making Of Posturas
La Carta
A partir de las 21.30h con entrada gratuita.
Más info en http://www.alvarooliva.com/
o facebook Noche de Álvaro Oliva

El jueves 26 se celebrará el concierto del afamado cantautor bonaerense Lucas Masciano. La entrada costará solo 10 € en anticipada. Lo bueno de este tipo de recitales es la proximidad que se tiene con el artista, donde se establece un grado de intimidad inusual que hace de este tipo de veladas algo único.

El viernes 27 tendrá lugar otro 'Monólogo desesperado' a cargo de Pablo Varillas.

El sábado 28 fin de fiesta con la presencia de muchos invitados de excepción y diversos actos.

El domingo 29 se celebra el 'cumple de lola'

Destacar y felicitar a las responsables de esta sala multidisciplinar, como ejemplo a seguir en cuanto a diversidad de opciones, eventos y actividades, todas ellas en torno a la creatividad, el arte y la participación en unos tiempos difíciles, donde todo lo que se hace es poco y más sin contar con ayudas institucionales o la colaboración de sus semejantes. Esperamos que sea por muchos años y muchas gracias.

Mas info +++

Galería Bokeh celebra 'La noche de Álvaro Oliva'

2011-05-25T11:38:00.001+02:00

J.A. El Diario Montañés

El cineasta cántabro Álvaro Oliva será hoy el protagonista en Galería Bokeh (Sol, 20), que a partir de las 21.30 repasa algunas de los cortos más destacadas de su producción y se estrenarán el 'making off' de 'Posturas' y 'La Carta', reciente ganador del segundo premio en el Festival 36 horas de supervivencia fílmica de Logroño.

'Foxy Lady', protagonizada por el nominado al Oscar Nacho Vigalondo y por Ana Asensio, abrirá la velada. El corto fue adquirido por el canal FOX para varios países y tuvo un gran recorrido por festivales.

'Posturas', con Txema Blasco y María Alfonsa Rosso, acumula siete nominaciones en los dos festivales en los que ha participado de momento. Esta comedia, en la que una señora decide llevar el kamasutra a su anciano marido, se ha podido ver en varios puntos de Santander, como la Filmoteca Regional de Cantabria, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y el Instituto Alberto Pico.

En el 'making off' se podrán conocer los entresijos del rodaje, con entrevistas a los dos protagonistas y miembros del equipo técnico.

Por último, se proyectará 'La Carta'. Esther Lastra y José Pampín protagonizan esta comedia romántica que participó recientemente en el Festival 36 Horas de Supervivencia fílmica, en el que obtuvo el segundo premio.

Santiago Villanueva en Juan Silió

2011-05-21T12:45:00.001+02:00

El próximo sábado 21 de mayo a las 20:00, el artista Santiago Villanueva (Madrid, 1964), expondrá por primera vez en Santander su obra más reciente bajo el título “Slow Motions”.

Villanueva, desde la necesidad de profundizar en el análisis de las relaciones interpersonales y en las emociones sensibles que el lenguaje tensional ha construido desde el recuerdo, nos vuelve a introducir en las mismas interrogantes planteadas con sus series, “Soft Therapy” y “Touch Therapy”

Aparentemente plásticas y deformables, las obras sugieren contenedores de fluido emocional, que gravitan en la búsqueda de un equilibrio imposible, concebido como dinámico y secuencial, para ser finalmente, una instantánea elegida de entre las infinitas que el movimiento sugiere.

Gesto, pulsión, emoción y presión, que a través de un lenguaje pulcro, vestido de reflejo y envuelto de una piel impermeable y capturadota de lo ajeno, en realidad nos oculta la verdadera naturaleza del fluido interior que la recorre, al tiempo que su epidermis, a modo de espejo, nos involucra en esas mismas emociones.

Desde la necesidad de acercarse más al interior de la realidad observada y de encontrar respuestas a emociones intangibles convertidas desde su infancia en un objeto de análisis obsesivamente buscado, Villanueva, nos invita a tocar o a provocar el contacto para entender mejor, para comprender mejor, para empatizar con esas realidades externas a nosotros, porque también somos materia nos reflejamos en ella, y a través de sus reacciones entendemos mejor las nuestras”

Santiago Villanueva inicia su formación en 1984 asistiendo a los talleres de ”mancha y dibujo” impartidos por Eduardo Peña y posteriormente asiste a los talleres de dibujo y seminarios de arte emergente organizados por el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Desde 1986 hasta 1995 colabora como artista y docente en el taller del escultor argentino Abraham Dubckovsky. Desde 1985 compagina sus estudios de artes plásticas con los estudios universitarios en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid donde obtiene el título de Arquitecto Urbanista en el año 1993. En 1999 se traslada a Palma de Mallorca donde reside y trabaja actualmente.

En los últimos tres años, ha realizado exposiciones en Galería Ynguanzo (Madrid), Xavier Fiol (Mallorca), Mario Sequeira (Portugal) y Sasha Wolf Gallery de Nueva York entre otras, irrumpiendo con fuerza en el difícil ámbito artístico de la escultura contemporánea y formando parte, sus obras, de importantes colecciones privadas de Estados Unidos y Europa.

Santiago Villanueva

Galería Juan Silió.

C/ Sol 45, bajo. 39003 Santander.

Horario: 10:30 – 13:30 h.

18:00 – 21:00 h.

21 mayo 2011- 19:30 h.

Inauguración: 21 de mayo

Clausura: 2 de julio

Taller de retrato Fotográfico por Jorge Represa en la Recamara, Somo.

2011-05-11T16:25:00.000+02:00

Inauguración de la muestra de fotos 'Identidad' en Bokeh

2011-02-25T19:50:00.001+01:00

Hoy se pondrá colofón al I Curso de iniciación a la fotografía que se venía realizando en el Bokeh a cargo de Álvaro Ramiro y Laura Hojas con la exposición 'Identidad'. Con esta muestra, se podrán ver los trabajos de los alumnos en las diferentes intervenciones con modelos y salidas fotográficas.

La inauguración tendrá lugar en el bar galería Bokeh a partir de las 20:30 h con acceso libre y un aperitivo cortesía de la casa. Habrá que agradecer a Rosa y Laura su empeño en otro evento más.
No falteis a la cita.

Viernes 25/02/2011
20:30 h
Bar galería Bokeh
c/ Sol 20, planta baja

Por que los jueves suceden cosas bellas

2011-02-25T16:38:00.005+01:00

Estaba ayer planteándome qué opción elegir a la hora de dirigir mi cuerpo, que solo tengo uno, a unos cuantos acontecimientos que se amontonaban aglutinados en la tarde del jueves. Por otra parte y como suele ser costumbre en esta evocadora y pequeña ciudad incomunicada, son muchos y a la misma hora; lo que hace del todo imposible presenciarlos todos, mientras no inventen la teletransportación o aceleren las investigaciones sobre clonación.

Primero acudimos al Espacio Imagen, esa minúscula sala-hall que el Ayuntamiento de Santander ha cedido a bien, para salvar su imagen entre los amigos de la fotografía y en la que caben exactamente 12 fotos a tamaño 60x60 y no más de 70 personas, menos mal que la ley del tabaco permite desahogar espacios.

Enrique Gambarte es una de esas personas que parece que conoces de toda la vida, siempre dispuesto a explicarte la lógica de la fotografía clásica, tan denostada en estos tiempos digitales o hablar de su familia. Las fotos que expone son algunas conocidas, pero merece la pena ver en directo el color de los infinitos grises que muestran sus imágenes. Las texturas que se pueden acariciar y sentir con la yemas. Un deleite para la percepción. Y es que no busca significados ocultos ni subterfugios, su temática es exclusivamente la belleza y la trata tal y como se muestra en la esencia de las cosas. Actúa como un mago con su Hasselbland, con un solo click detiene el tiempo y atrapa la imagen para la eternidad, sin retoques; un reflejo en un escaparate, gentes paseando, el mar, un cementerio o un banco en un parque posan tranquilos ante su mirada como encuadres perfectos de una gran película. Impresionante la textura de la foto de un metro que reinaba la sala, esas manos mayores sobre un fondo oscuro son de una belleza escultórica, a punto estuve de pedirle las gafas de 3D, ¡qué maravilla!

Bajamos por Canalejas para dirigirnos a otra inauguración, esta vez en la moderna galería Del Sol st. Coincidiendo en horario pero de contenido bien distinto. Se trata esta vez, de la muestra en video de la nueva colección del modisto Luis Alonso. El asunto es que llegábamos bastante tarde y el lugar estaba lleno de gente, por lo que debido a nuestro atuendo poco apropiado y que no nos apetecía entrar a gurruñar, pasamos de largo con la pena de no poder saludar a Javi.

Otro acto inaugural que no pudimos acudir fue el de la galería Nuble, con la presentación de una trilogía a cargo del artista Ión Macareno, en el que con un patrón escogido por él mismo, acota los límites para un formato de instalación que tiene pinta de ser interesante.

El colofón de la noche lo puso el bar galería Bokeh, que en su afán por estar a la vanguardia artística, nos regaló la presentación del nuevo video del grupo cántabro Lazy, dirigido por el polifacético Álvaro de la Hoz y su equipo. Como si de una premiere se tratara, allí no faltó nadie, familiares, amigos, actores, figurantes, diversos equipos técnicos y el propio grupo. La presentación corrió a cargo del propio director, siempre buen maestro de ceremonias, que disfruta tanto de su trabajo, como de explicar minuciosamente cada detalle a todo el que le quiera escuchar. La exposición estuvo dividida en tres partes, la primera nos puso en antecedentes con la anterior colaboración en otro videoclip de la banda y el video actual, seguido pudimos ver el video en alta definición y después sendos “making off” con las voces y pormenores de artistas y técnicos. Por último, los agradecimientos y una revisión del precioso video.

La obra retrata de manera onírica las dificultades que encuentran algunas personas para aceptar su edad, por culpa de la enfermedad y la senectud, desde un prisma tierno en el que los protagonistas aparecen idealizados y gracias a un extraordinario guión, que trata de confundir la historia para mantener la trama. El resultado final es un corto fresco y dinámico en el que aparecen los músicos y un elenco de actores que realzan la película en un escenario ideal como los salones del Palacio de la Magdalena. Ovación y aplausos definen la calidad de la obra.
Mención aparte merece la interpretación de los actores protagonistas Ana Cuerdo, que ya brillara en el anterior video y Gustavo Fernández, así como el excelente trabajo artístico de Raquel González, el guionista Pedro Pablo Picazo y Nacho Solana autor del “making off”.

La noche terminó entre amigos y reencuentros.

Presentación del 4ºvolumen de Documentos Del Sol St.

2011-02-24T10:21:00.010+01:00

El próximo viernes día 25 de febrero a las 20:30 h. tendrá lugar la presentación del libro 'El color en la obscuridad', volumen 4 de 'Documentos Del Sol St.', en la galería Del Sol St. a cargo de su autor Gabriel Rodríguez y de la crítica de arte, Lidia Gil. Como curiosidad, hay que mencionar la foto de portada que corresponde a nuestro querido Javier Lamela, de su serie 'A través de mi Argus'.

Del Sol St.

c/ sol 47

Santander

Inauguración del escaparate de Salva Sánchez con la obra "deceroalinfinito"

2011-02-24T00:59:00.001+01:00

Inauguración del escaparate de Salva Sánchez, con la pieza "deceroalinfinito"en el espacio expositivo "La Manzana Prohibida", el próximo día 3 de marzo, jueves, a partir de las 8 de la tarde.

La obra se compone de dos partes. La primera de un cuadro pintado al oleo que da título a la obra y la segunda de una instalación que se complementa con la primera, dando así significado al conjunto.

Por un lado, en el cuadro representa la vida por medio de una célula madre o cigoto y por otro lado, con la instalación intenta unir la naturaleza con el desarrollo industrial y tecnológico, usando para ello muelles y una composición formada por placas microelectrónicas y prensas.

La finalidad de esta obra es integrar la vida, la naturaleza y el desarrollo, para conseguir que nuestro entorno sea compatible con nuestro organismo.

La Manzana Prohibida
Rualasal 22. Santander
Centro Mac Santander

FORM de Ion Macareno en la Nuble

2011-02-23T12:30:00.000+01:00

Primera entrega del proyecto Interferencias: Faith, Form and Field de Ion Macareno en la Santanderina galería Nuble.

Inauguración el 24 de Febrero a las 20:00 h.

La muestra pertenece a la serie con que nos obsequiará el artista en sucesivo, desde la plataforma de Nuble y siguiendo unos patrones bien definidos en un ideario que funciona como axioma común a toda la colección.

Exposición fotográfica de Enrique Gambarte en Espacio Imagen

2011-02-21T23:57:00.005+01:00

El próximo jueves 24 de febrero, a las 20:00 h., se inaugura la exposición "ver, observar y disparar" de Enrique Gambarte en El Mercado de Miranda (Paseo de Canalejas, 85 – Santander), dentro de la programación que organiza Espacio Imagen, la Asociación Cultural de Fotografía y Vídeo de Santander.

Desde sus inicios en el campo del diseño gráfico hasta sus últimos experimentos lomográficos, la carrera de Enrique Gambarte (Santander, 1977) ha estado siempre volcada en estudiar cómo nos relacionamos con la imagen y la representación de nuestro entorno.

En esta exposición se recogen algunas de sus últimas fotografías, en las que destaca el uso del blanco y negro y la poética de lo cotidiano. Gambarte trabaja esencialmente en la calle, siguiendo la regla de oro “Lleva tu cámara siempre contigo” y el ejemplo de grandes maestros del fotorreportaje; la inspiración y los

personajes los encuentra al azar, guardando un delicado equilibrio entre lo inmediato y lo reflexivo.

Las imágenes que nos presenta Enrique Gambarte -10 fotografías de formato cuadrado, de 60 x 60 cms., realizadas con cámara analógica de formato medio e impresas en alta calidad sobre papel fotográfico- muestran la vida en dos dimensiones: Remolinos en el mar, el sol entre los cabellos, escaparates que

no muestran lo que deberían... y, sobre todo, esos grises que se pueden tocar y casi oler. Sus fotografías funden instantes con destellos. Y aún así resultan serenas. Pasos eternamente en el límite y todas las preguntas que se pueden hacer con una simple mirada. Entre el vértigo y la pausa, es tiempo de recordar

nuestras sensaciones.

Enrique Gambarte se inició en la fotografía a los 20 años a través del diseño gráfico, actividad a la que se dedicaba profesionalmente en Barcelona. Ya de vuelta a su ciudad natal, Santander, decide conocer más en profundidad el lenguaje fotográfico en el taller de Talo Beraza, pionero en España en hacer fotografías de surf. Con él se familiarizó con todos los procesos y técnicas necesarios para desenvolverse en el medio y desarrollar su propio estilo. Sus primeros pasos los dio en el campo de la fotografía analógica y la técnica

del revelado. Tras la compra de su primera cámara digital profesional se especializa en esta nueva herramienta y en el retoque digital. Su primer reportaje fotográfico surgió tras un viaje a Nueva York. A partir de esta primera exposición, decide dedicarse profesionalmente a la fotografía, combinándolo con el diseño gráfico y la docencia en el campo de la imagen.

Tras un parón en su trayectoria producida por la muerte de su mentor y amigo Talo Beraza, Enrique Gambarte retoma la actividad fotográfica participando en un taller de Lomografía impartido por Pasquale Caprile en el Artium (Vitoria). De las fotografías que allí realiza, una es seleccionada para participar en el

“Diana World Tour” exposición itinerante de fotografías realizadas con la legendaria cámara Diana organizada por la Sociedad Lomográfica Internacional. Es en este punto vuelve a interesarse por la fotografía analógica

y se familiariza con el medio formato, pieza fundamental en su trabajo actual. Ha participado en multitud de muestras colectivas e individuales, y sus fotografías han sido seleccionadas por la Fundación “Photographic Social Vision”, con el apoyo de Obra Social Caja Madrid, colaborando también en diferentes proyectos relacionados con Santander 2016 Capital Europea.

Recientemente ha expuesto en la Galeria Mediadvanced en Gijón. Es miembro de la Espacio Imagen y continúa formándose en el campo de la imagen de la mano de profesionales como Cristina García Rodero.

Gran parte de su obra fotográfica se puede observar en su página web:

Enrique Gambarte

La muestra permanecerá abierta hasta el próximo 22 de marzo en horario de 12:00 a 15:00 h. y de 18:00 a 21:00 h. (de lunes a viernes).

ESPACIO IMAGEN.

Asociación Cultural de Fotografía y Vídeo de Santander

EL MERCADO DE MIRANDA

Paseo de Canalejas, 85 39004 Santander

TRES EVENTOS EN LA GALERÍA DEL SOL ST.‏

2011-02-21T23:44:00.007+01:00

Diversos eventos artísticos y culturales tendrán lugar a lo largo de esta semana en Del Sol St. Art Gallery. (del 24 al 26 de febrero).
Con música en directo, el jueves 24 de febrero a partir de las 20:00 h. el modista Luis Alonso presenta su nueva colección “prêt-à-porter” que ha denominado L.A. Boutique para la próxima temporada primavera-verano 2011 y que está formada por un conjunto de prendas muy versátiles y sobrias, en las que predomina el contraste de texturas: sacos de seda con encajes, gasas con pedrerías… Una colección que busca el equilibrio entre tendencia y atemporalidad.

El viernes día 25 de febrero a las 20:30 h. se presentará el libro “El color de la parte obscura. Arte y teoría del conocimiento” cuyo autor es Gabriel Rodríguez que corresponde a la cuarta entrega de la Colección “Documentos del Sol St.” editado por la Galería Del Sol St. y la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte del Gobierno de Cantabria.

La presentación se llevará a cabo por parte del autor, Gabriel Rodríguez y la historiadora y crítica de arte, Lidia Gil.

Este libro está compuesto por una colección de 16 ensayos cortos, que desarrollan una teoría sobre la necesidad y la importancia de esas formas de aproximación a lo real menos evidentes, encubiertas, subyacentes.

El sábado día 26 de febrero a las 19:00 h. se proyectará en la galería el vídeo “Berlin remixes” del video artista Luis Bezeta. Compuesto por dos vídeos documentales que recogen el trabajo que Bezeta, durante su residencia en Berlín en el año 2001, fue recopilando a lo largo de casi diez años. “Grabando a pie de calle, en el interior de un coche o en el metro… las imágenes recogen de manera exhaustiva múltiples puntos de vista de la capital alemana… La banda sonora, pertenece a un disco doble de jazzanova de The Remixes, una banda alemana que pinchaba en el Club WMF en el año 2001” (Marta Mantecón).

La proyección se desarrollará en una sesión doble de aproximadamente 50 m. de duración cada una con un intermedio de descanso.

LUGAR DE CELEBRACIÓN: Del Sol St. Art Gallery

Calle del Sol 47 bajo.

Polientes Foto se retrata en 53 objetivos

2011-01-11T11:20:00.000+01:00

El fotógrafo cántabro Javier Salas, uno de los principales retratistas internacionales, protagoniza esta VI cita
Guillermo Balbona | El Diario Montañés

El veterano foro de la imagen impulsado por Pablo Hojas, 'Polientes Foto 2011', arrancó ayer en una edición dedicada este año al retrato. En su sexta entrega el taller recorre el lenguaje de la fotografía de modo cómplice y participativo en paisajes y espacios, en acciones colectivas e individuales, exteriores e interiores. Una cita de referencia en la temporada cultural de la Obra Social de Caja Cantabria, singular en lo pedagógico y artístico, que ha impulsado el lenguaje fotográfico y su divulgación durante los últimos años.

Reflejo de un periodo vital de este ámbito creativo, cuenta en este caso con la colaboración del fotógrafo cántabro Javier Salas, uno de los principales retratistas del panorama internacional y el primer español en firmar una portada de la revista 'Time'. Actualmente trabaja para las más prestigiosas agencias de publicidad y las multinacionales discográficas le confían la imagen de sus estrellas. Delante de su objetivo han posado, entre otros, Antonio Banderas, Penélope Cruz y Jennifer López.

El taller se desarrolla hasta el próximo viernes, día 14, en el Centro de Educación Ambiental que la entidad posee en Polientes. Salas, acompañado por modelos y maquilladoras, realizará una sesión fotográfica y participará en una charla coloquio junto con una proyección de su trabajo. También está prevista la cesión de una de sus fotografías con destino a la colección de Caja Cantabria.

Salas (Cabezón de la Sal, 1965) está considerado «uno de los mejores retratistas del presente», colaborador habitual de revistas como 'Vogue', 'Elle' o 'Rolling Stone'. Tras abandonar el ejercicio de la medicina «dedicó su imaginación a la fotografía». Hojas cree que se trata de un fotógrafo que busca ante todo comunicar, y que consigue ilusionar con su obra. Juan Muñiz, director de la Obra Social, que asistió al acto inaugural, destaca la presencia de «uno de los mejores fotógrafos internacionales» en esta nueva edición de un taller marcado por el trabajo constante de Pablo Hojas. Al VI Seminario, que de nuevo cuenta con la colaboración de Jorge Cembranos y Carlos Díaz, asisten más de medio centenar de creadores, procedentes de ámbitos muy diversos y con diferentes experiencias e inquietudes.

Curso de creatividad en el espacio creativo Alexandra

2011-01-07T13:36:00.000+01:00

CURSO DE FORMACIÓN

EL DESARROLLO DE LA CREATIVIDAD EN EL ÁREA PLÁSTICA VISUAL Y DIBUJO ARTÍSTICO. EDUCACIÓN INFANTIL, PRIMARIA Y SECUNDARIA.

Nº DE HORAS: 32

3 CRÉDITOS RECONOCIDOS POR LA CONSEJERÍA DE EDUCACIÓN DEL GOBIERNO DE CANTABRIA

FECHAS DE CELEBRACIÓN:

GRUPO 1: Días: 11,13,18,20, 25 y 27 de enero y 1,3,8,10,15,17,22 y 24 de febrero

Horario: De 18:00 a 20:00 horas.

GRUPO 2: Días: 15,22 y 29 de enero y 4,12,19 y 26 de febrero

Horario: sábados de 10:00 a 14:00 horas. El 4 de febrero que es viernes de 17:30 a 21:30

LUGAR:

ESPACIO CREATIVO ALEXANDRA

C/ Francísco Cubría nº 4

39007 Santander

http://espaciocreativoalexandra.blogspot.com/

LA GALERÍA DEL SOL ST. INAUGURA EN LA SALA B, LA EXPOSICIÓN DE LA ARTISTA MADRILEÑA MARTA UROSA

2011-01-05T10:35:00.000+01:00

Paintings for a little room es el título que Marta Urosa ha elegido para su exposición individual en la Sala B de la Galería del Sol St. de Santander. Bajo este título agrupa sus últimas creaciones.

La obra de Marta, desde sus comienzos, ha tenido un fuerte contenido autobiográfico. En sus piezas incorpora objetos y elementos de la cotidianeidad anexos a la idea principal que desarrolla, formando estos parte física de la obra, que en la misma medida que su existencia, se va llenando día a día, de objetos e ideas. Este hecho hace que a menudo su obra no resulte fácil de reproducir debido a la dimensión objetual que adquiere.

Durante la última década ha localizado su interés en crear piezas de alto poder simbolista. En su búsqueda a lo largo de de estos años, la técnica de la pintura “pura” resultó poco a poco insuficiente para explicar la complejidad de ideas, pensamientos y texturas que ocupan su vida y la de sus contemporáneos. Por ello el lenguaje de sus cuadros se compone de diversidad de fuentes, elementos pintados o/y encontrados, el uso del lenguaje escrito a modo de palabras sueltas y frases tomadas de otros autores, incluso el graffiti, la representación de animales junto con la aparición de símbolos religiosos o espirituales, elementos de astronomía/astrología…etc, todo aquello que le ayude a plasmar esa cierta visión critica y apasionada del mundo contemporáneo.

En sus cuadros parte de su experiencia personal y de su entorno para hablar de temas que en realidad son universales, sueños y preocupaciones históricas y contemporáneas de todas las culturas.

Los temas más recurrentes en su obra suelen ser binomios que se complementan;

la vida y la muerte (con especial fijación en la de su padre), el amor y el desamor y últimamente pone especial énfasis en la confrontación entre elementos a escala humana con la inmensidad del cosmos.

FECHAS: Del 3 de diciembre de 2010 al 15 de enero de 2011

HORARIO: De martes a sábado de 18 a 21 h. Lunes y festivos cerrado. Mañanas mediante cita previa en el teléfono 942 22 21 20 o 627 473 552

Del Sol Experiences, colectiva en la galería del Sol St.

2011-01-05T10:20:00.000+01:00

DEL SOL ST. ART GALLERY inaugura la exposición colectiva Del Sol Experiences con los artistas Rosalía Banet, Héctor Francesch, Serafín González, Laura López Balza, Jordi Ribes, Okuda (Óscar San Miguel) y Jorge Zarco

La exposición Del Sol Experiences se conforma alrededor del trabajo de siete artistas jóvenes, que optan por un estilo figurativo en sus composiciones. Son artistas generacionalmente unidos y cuyo trabajo está muy relacionado con su historia más reciente y la cultura actual. En el imaginario colectivo de estos artistas está muy presente el cine, la TV, el cómic y la literatura actuales, encontrándonos muchos iconos y personajes reconocidos, como los célebres clicks.

Practican la figuración como medio de expresión con obras coloristas o en blanco y negro, en ocasiones más naïf, en otras más cercanas al pop o al realismo mágico y el surrealismo. Se posicionan de una forma crítica y nos plantean reflexiones acompañadas de una gran ironía, a veces desde una estética más influída por el arte pop, como es el caso de Héctor Francesch; en otros, a través de la relación entre las imágenes y la palabra, como Serafín González; y en otros, la narración, el género fantástico y de ficción, “mundos de fantasía repletos de personajes infantiles” que invaden las creaciones de Jordi Ribes; además del surrealismo y el diseño gráfico en los graffitis, pinturas y esculturas de Okuda; o el hiperrealismo y la naturalidad de los retratos de Jorge Zarco; las texturas y el color desde la mirada ingenua de Laura López Balza; y finalmente la ‘perversa’ ingenuidad de las escenas infantiles de Rosalia Banet.

Las técnicas utilizadas van desde la tinta digital y escultura, hasta las fotografías, dibujos, grabados y vinilos, siendo la pintura la disciplina que goza de mayor presencia en la muestra.

Rosalía Banet es Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Pontevedra, siendo seleccionada para participar en La muestra de Arte Joven y en Circuitos de Artes Plásticas, un año después de licenciarse en 1997. Entre sus últimas exposiciones individuales cabe destacar “Carnicería Love”, exposición que nos introducía dentro de una carnicería humana, punto de partida para la creación de las Siamesas Golosas: Sara Li y Ana K, último trabajo de Rosalía Banet. Tal y como apuntaba Marta Mantecón en el texto “En la cocina de Sala Li y Ana K” “las gemelas siamesas han sido modeladas en la Carnicería Love –lugar donde se cocinan los sentimientos- por cuatro cocineras que escogen fragmentos humanos para fabricar deliciosos pasteles y que al no tener materia prima suficiente para modelar una persona completa, crean un ser doble en un solo cuerpo”…”las siamesas golosas, trabajadoras e imaginativas, cocinan manjares…, tienen muchas amistades, celebran fiestas de cumpleaños, de Navidad…, suelen colgar sus fotos en Internet y tienen su propio blog”.

Su obra se ha paseado por Ferias Internacionales como ARCO, Volta, Frieze, Artissima, Art Chicago y ha expuesto de forma individual en diversas ciudades españolas, Centro Cultural Conde Duque de Madrid, La Conservera de Murcia, el Museo de Bellas Artes de Santander…

El joven gallego Héctor Francesch, formado en Sociología y Publicidad, abandona éstas para dedicarse exclusivamente a la pintura. Tras su estancia en el Centro de Arte Contemporáneo Piramidón de Barcelona, se ha establecido de nuevo en Galicia donde ha celebrado sus últimas exposiciones.

Héctor Francesch crea obras basadas en el uso de iconos propios de la sociedad actual y de su generación, así los recurrentes clicks de Famóbil, los sugus, el Cola-Cao, Superman… pueblan sus pinturas en una suerte de narración en la que derrocha grandes dosis de ironía y de acidez cuando alude a temas como el sexo, el consumismo, la muerte… Mediante el empleo de colores planos, “un cromatismo sencillo” con esa mirada al pop y al cómic, Héctor Francesch “aborda una serie de reflexiones críticas acerca del mundo actual…” tal y como lo puso de manifesto David Barro.

Por sus paisajes deambulan elefantes, ciervos y cazadores sobre cables de luz; el cielo invierte su papel y así aparecen tiburones y hombres rana; las cámaras de seguridad conviven con los clicks, siendo en estos escenarios oníricos donde sitúa a sus personajes, en el terreno de la infancia.

La artista cántabra Laura López Balza, ganadora de la última edición del Certamen de Pintura de Reinosa, mostró desde pequeña gran interés por el dibujo y la pintura, estudiando después Bellas Artes en la Universidad del País Vasco.

Según afirmaciones de la artista “me interesa y divierte investigar en torno a las posibilidades de la materia pictórica, me lo planteo como un juego. Mi interés se centra en el campo del color… que trato de enlazar con una esfera interior más personal. El realismo en mis obras queda reducido muchas veces a un esquema, a medio camino de la abstracción. Busco maneras de entender el color, como un lenguaje plástico con el que poder expresarme, afín a la realidad pictórica que vivimos y a mis planteamientos personales”.

Interesada por el dibujo infantil y la ilustración contemporánea, realiza obras de carácter figurativo, dispone los colores sobre el cuadro, “dejándome llevar por lo que los tonos y la imagen me piden”. Sus obras nos colocan frente a la realidad desde la mirada ingenua, colorista y fresca de Laura.

Óscar San Miguel, Okuda, nacido en Santander y afincado en Madrid, es Licenciado en Bellas Arts por la UCM. Ha pintando en importantes eventos de arte urbano en todo el mundo (Madrid, Canarias, Bélgica, USA, Polonia, Holanda, Bulgaria, Londres…), de la misma forma que ha expuesto de forma individual y colectiva en Museos o Centro como el Conde Duque de Madrid, la Taxie Gallery de París, la Bienal Internacional de Graffiti de Belo Horizonte (Brasil), la Prosper Gallery de Tokio o NYC Showroom de New York. Ha realizado numerosos trabajos murales para empresas como Telefónica, Nike, Play Station, Atari, FOX, MTV, Vueling…

En la colectiva Del Sol Experiences, Okuda nos muestra sus últimos trabajos, tres esculturas creadas expresamente para este proyecto y dos cuadros de la serie “Víctimas de sí mismos”. Sus obras nos sitúan en escenarios oníricos y fantásticos bajo una mirada descarnada y dura que nos enfrenta a nuestra propia existencia en un mundo “en que se disputa un combate entre el mundo natural y el urbano, entre la naturaleza y el capitalismo”, como explica Okuda.

Especializado en arte publicitario, Jorge Zarco, ha compaginado durante años la creación artística con su trabajo como director creativo en el mundo de la comunicación. En sus últimos trabajos pictóricos la técnica tradicional se fusiona con la tecnología digital para ofrecernos toda una serie de retratos realizados en pintura digital de personajes a tamaño real en los que destaca el impecable tratamiento de los rasgos del retratado y su espontánea naturalidad. Últimamente ha expuesto en la Galería Ángel Romero, de Madrid.

Serafín González, cuya actividad se desarrolla en el ámbito del cine, expone por primera vez sus creaciones, unos óleos sobre tela adherida a tabla en los que destacan las asociaciones entre el texto y la imagen (pintura). Este juego de imágenes y su significado destilan gran ironía e ingenio, en un intento, como si de Magritte se tratara, de animar al espectador a percibir la realidad más próxima. En su obra podemos apreciar influencias del cómic.

Jordi Ribes es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y mantiene desde el año 2000 una intensa actividad expositiva. Ha sido ganador del Premio Altadis de Artes Plásticas en 2004 y de las Becas de residencia Guasch Coranty y Hangar. Su obra se puede contemplar recientemente en ferias de arte contemporáneo como ARCO en sus últimas ediciones de la mano de la Galería Senda, Pulse en Nueva York, Art Brussels o Art Forum Berlin.

Tal y como afirmaba Joaquim Cantalolzella “sus temáticas recorren el mundo de la infancia, el despertar sexual, la violencia… Todas ellas son guardadas cuidadosamente dentro de un envoltorio fantástico que en muchos casos puede parecer naïf.”

A pesar de que trabaja en diversos soportes, vídeo, dibujo, instalación, es la pintura “la que articula toda la trayectoria artística de Jordi Ribes”, tal y como afirma David Armengol en el artículo “El desagüe” (2008). Sus pinturas, fruto de un minucioso trabajo de dibujo en el ordenador que luego reproduce en el lienzo evidencian cierta vinculación con el mundo del pop

Su mundo está poblado por personajes en la mayoría de las ocasiones infantiles, cual metáforas, cuyo acabado crea escenarios oníricos.

FECHAS DE EXPOSICIÓN: Del 3 de diciembre de 2010 al 15 de enero de 2011

HORARIO: De martes a sábado de 18 a 21 h. Lunes y festivos cerrado. Mañanas mediante cita previa en el teléfono 942 22 21 20

I Encuentro Europeo de Fotografía Santander 2016

2010-09-28T00:16:00.000+02:00

El 1 y 2 de octubre de 2010 se celebrará en el Salón de Actos del Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander el I Encuentro Europeo de Fotografía Santander 2016.

Dirigido por Agnès de Gouvioun Saint-Cyr y entroncado con los proyectos de Jordi Bernadó y Bernard Plossu, se busca trazar una evolución de la mirada sobre Europa a través de la fotografía que contempla, piensa y refleja nuestra diversidad.

El curso esta abierto a todos aquellos que quieran participar hasta completar el aforo.

VIERNES 1 de octubre

16 h - Conferencia Presentación del Curso a cargo de Rafael Doctor Roncero (Director Fundación Santander 2016) y Agnès de Gouvion Saint-Cyr (Directora I Encuentro Europeo de Fotografía Santander 2016)

17 h - Gilles Mora

18 h - Harry Gruyaert
SÁBADO 2 de octubre

11 h - Inese Baranovska

12 h - Klavdij Sluban

13 h - Sergio Belinchón

16 h - Presentación del trabajo de Miguel Ángel García, Jorge Represa y Asociación Espacio Imagen

18 h - Raed Bawayah

19 h - Jordi Bernadó

Victoria Civera: intensidades trémulas

2010-09-03T17:53:00.000+02:00

Sotileza | El Diario Montañés

La galería Robayera exhibe sus primeras obras neoyorquinas.

«Sin duda, el rechazo, la reclusión de un imaginario femenino sitúa a la mujer en un lugar donde se experimenta a sí misma de un modo sólo fragmentario. Se trata de una experiencia de los restos o del exceso en los márgenes apenas estructurados de una ideología dominante; es en este espejo donde el «sujeto» (masculino) ha de reflejarse y doblarse.»

Irigaray, 'El sexo que no es uno'.

La obra de Vicky Civera dio un paso importante en una dirección nueva cuando decidió no preocuparse más por los modelos pictóricos dominantes para hacer, ni más ni menos, lo que ella quisiera. El problema de muchos pintores, y desde luego no sólo de los pintores, es que no saben lo que quieren hacer. Hasta en nuestra propia vida tendemos a la imitación. Creo que Civera está empezando a hacer lo que quiere haciéndolo. Es un proceso vacilante, de tanteo, que intenta descubrir los cambios de escala, la ampliación de la gama de materiales utilizados, la concentración en su lenguaje. Y dicho proceso implica un acercamiento a la transparencia, la ambigüedad, la simplificación: la rendición ante lo sensual, ante lo intuitivo y ante sensaciones y afirmaciones articuladas sólo parcialmente. En resumen, se mueve hacia adentro, hacia un yo íntimo, hacia lo que podría denominarse (y uso el término con mucho cuidado y precaución) una zona femenina. Sus imágenes cartografían aquello que se siente intensamente pero que, en cambio, se reconoce sólo en parte. Son «frases» mínimas, mezcla de oscuros murmullos, aguadas claridades y silencios blancos. Civera trata de explorar esas tensiones cotidianas que parecen manifestarse en forma de nudos en la garganta, en forma de sensaciones que están ahí, aunque no sepamos su nombre real. Pueden ser tan sucintas como una frase de Wittgenstein, tan sentimentales como una producción de Hollywood o tan sugerentes o intrigantes como un susurro. Nos sirven para registrar impulsos o intuiciones, para reunir signos poéticos y para afirmar la absoluta contigüidad de lo audaz y lo vulnerable, de lo transparente y lo opaco, de lo protegido y lo desamparado, de lo simple y lo complejo. Civera ofrece las huellas de un yo ambiguo, de heridas y afirmaciones, de las ficciones de iniciación y acción compleja. Parafraseando a H.D., son, literalmente, «definiciones herméticas», sus propias interpretaciones de la imagen de la poetisa americana de la «rosa más roja» que ha de aprender a desplegarse frente al lamento ahogado de las voces circundantes y a afirmar su necesidad para convertir las emociones, a la vez efímeras y poderosas, en formas duraderas: tenemos la sensación de ir montados en la más conmovedora de estas imágenes hacia donde ella inexorablemente pertenece, a evocaciones de sentimientos humanos. Es como si fuese en el momento en que se dice algo inaudible, en el instante en que aparecen las ruinas en la arena, cuando por fin llegamos a saber algo. Y lo que llegamos a saber es lo que Bataille llama 'werte', la permisividad de la muerte y la carencia:

allí, como aquí, la ruina abre

la tumba, el templo; entra,

allí, como aquí, no hay puertas.

Civera desea que estas imágenes se sientan bien, y con eso se refiere, no tanto a la sensación de equilibrio, armonía y perfección, como a cierta sensación de tensión, a una especie de molestia psicológica o retiniana, a un dolor punzante en el ojo y en la mente. Son imágenes que revolotean alrededor del centro pero que nunca lo ocupan. Prefieren el temblor de la luz que rodea el cuerpo. Creo que en este caso es tan obligado como peligroso hablar de un lenguaje femenino. Lo peligroso es, evidentemente, caer en clichés sociales o sexuales, pero al mismo tiempo nadie puede refutar ni la necesidad de ni la evidencia cada vez mayor de una nueva sintaxis. Como asegura la teórica francesa Hélène Cixous, crea un nuevo lenguaje, una especie de vocabulario devastador, un 'ente' que apunta contra un dueño sin nombre. Estamos entrando en una situación nueva en la que este 'ente' se manifiesta en varios ámbitos. «(El ente) escribe... sueña... inventa mundos nuevos». Igualmente, Civera juega con la paradoja, afirma tanto lo que sospecha como lo que está palpablemente ausente.

Me gustaría ahora abordar esta cuestión de un contenido implícitamente femenino desde otro punto de vista. Sherry Ortner, en su conocido artículo '¿Es lo femenino a lo masculino lo que la naturaleza a la cultura?', comenta que por mucho que se pueda equiparar a la mujer como producción de signos con la sociedad humana, sus funciones reproductivas la identifica con el cuerpo animal, y, por tanto, se le percibe universalmente como «más próxima a la naturaleza que a los hombres». Así, la mujer representa algo intermedio entre la cultura y la naturaleza, por debajo del hombre en la escala de la trascendencia. Sitúa continuamente a la mujer en la periferia de la cultura y explica cómo llega a funcionar simbólicamente tanto como fuerza subversiva (bruja, mal de ojo, madre castradora) como trascendental (diosa-madre que ofrece salvación). No quiero decir que Civera adopta alguno de estos papeles simbólicos, pero sí que parece cada vez más interesada por explorar esa zona virgen que está en los márgenes de la cultura, para afirmar así categóricamente un continente de placer femenino que no es ni oscuro ni carente, como diría el discurso falo-logocéntrico.

El 'otro' en ella

Civera se deleita con la multiplicidad, con la diferencia, sintiendo al 'otro' dentro de sí misma. Dice cosas tan simples que están a punto de desaparecer, pero que, en la más modesta de las afirmaciones, han pasado a ser indelebles. No quiero decir en absoluto que las imágenes de Civera conformen un arte feminista, entre otras cosas porque carecen de un programa ideológico. Pero sí subrayará su condición femenina, su deseo de adoptar una sensibilidad particular. Le preocupa sobre todo la búsqueda de un lenguaje capaz de cambiar las cosas, una forma activa de escribir su propia historia. Avanza mediante la acumulación fragmentaria de percepciones e intuiciones. Está comprometida con la búsqueda de la epifanía y con un intento de organizar las sensaciones a medida que se van asentando. Se fija en lo diminuto, en los acontecimientos discretos, en los reconocimientos trémulos.

Todos tenemos nuestras debilidades, nuestros rincones obscenos, nuestra monumental mediocridad. Pero en nuestra vida cotidiana también hay momentos de generosidad, de claridad y de dolorosa intensidad. Son estos complejos de emoción -de alegría, de miedo, de ansiedad, de incertidumbre, satisfacción y deseo- lo que conforma la esencia de esas imágenes. Intentan abandonar la retórica, dialogar simple y directamente. Abrigan envoltorios de protección y no pretenden nada. Las mejores son tan limpias y autosuficientes como una frase musical, reverberan como acordes. Su tema no es el conocimiento: es casi como si nos advirtieran que el conocimiento se ha convertido peligrosamente en una moda. La sutil curiosidad de Civera juega con todo que le llega a las manos. Puede ser al mismo tiempo deliciosamente sensual y delicadamente persistente. Ubica su mundo en función de sus propios tonos y matices, transparencias y texturas, sombras y afirmaciones.

Utiliza polyester, acrílicos y pinturas industriales. Mezcla los tonos a partir de una base de vinilo, en busca de una manera de afirmar con precisión sus propios pequeños reconocimientos, confiriéndoles carácter y especificidad. Esta preocupación por la delicada precisión explica en parte su fascinación por una serie de materiales (yeso, algodón, lino, seda, terciopelo, tejidos sintéticos, fórmica, etc.). Estos materiales ofrecen, con sus cualidades táctiles y visuales, la definición de la imagen. Son esenciales a lo que se está diciendo. Recuerdo que Civera me decía que su atracción por estos materiales se debía posiblemente a recuerdos de la infancia, al olor a cerrado en la tienda de su abuela, con los estantes llenos de telas y su peculiar silencio. Por una parte, las imágenes la devuelven a los olores, a un mundo femenino. Pero, en el fondo, la memoria y la nostalgia son presencias totalmente secundarias y efímeras. Las imágenes insisten en su naturaleza compuesta: intensidades, cartografías, metáforas del cuerpo. Creo que están eternamente amenazadas por la disolución, y en este sentido me acuerdo del severo pronunciamiento de Foucault en 'Vigilar y castigar' sobre el destino del cuerpo en la cultura contemporánea: «El cuerpo es la superficie en la que se inscriben los acontecimientos, trazado por el lenguaje y disuelto por las ideas, el locus de un yo diseminado que adopta la ilusión de una unidad sustancial -un volumen en desintegración».

Oscuridad

Hay una frase taoísta que nos dice que el ser y el no ser surgen de un fondo único, y no se diferencian sino por sus nombres. Ese fondo único se llama Oscuridad. Oscurecer esa oscuridad, he ahí la puerta de toda maravilla. Paradójicamente, el reductivismo de Civera, su insistencia en lo mínimo, su rechazo del exceso, se convierte en un medio para oscurecer la Oscuridad y abrir la puerta a la sorpresa.Es, acaso conscientemente, un tipo de pensamiento provisional que abraza la contradicción y evita toda racionalidad totalitaria. No busca autoridad, sino que aspira a una condición musical capaz de aprehender lo innombrable. Elige la constante modulación de la ansiedad como preparación o acceso al estado de emoción auténtica. Es una actitud que no está de moda en una época en la que todos dicen haber vivido experiencias auténticas. Sin embargo, jamás podemos dudar de la existencia de esa emoción auténtica y del deseo de volver a vivirla.

Debajo de la piel

Sabemos que no hay formas verdaderas de decir las cosas, de ver las cosas, de pintar las cosas. Y lo sabemos porque, al escuchar las palabras de los demás, al ver las imágenes de los otros, sabemos que las nuestras serían distintas. Las imágenes de Civera, por muy transitorias o efímeras que parezcan, habitan en la mente y debajo de la piel. Civera no intenta glosar lo que ve, sino que acepta abiertamente el numen. Es un acto poético que permite que surja el misterio en medio de un flujo continuo de emociones. Civera marca sus propios límites y trabaja modestamente dentro de ellos, y, como he hecho constantes referencias a esta humildad, quiero aclarar que no entiendo ese término como una virtud sino como un eficaz principio ético. En esta obra ubica los armónicos mínimos de su discurso, las notaciones de una peculiar y aguda sensibilidad.

La artista cuida sus tesoros personales sobre todo ahora que se ha dado cuenta de lo distinto que son de los nuestros. Nos encontramos en la antítesis, y lo único que necesitamos es hacer caso de los demás.

La fotografía saca brillo a la naturaleza con el ZOOM

2010-09-03T17:32:00.000+02:00

Las instantáneas de Mabel Elorza muestran la humedad que sostienen las 'Redes de agua', en la exposición que se inaugura en la fotogalería de Santander

M. San Miguel | El Diario Montañés

Las imágenes muestran las increíbles arquitecturas que tejen las arañas en los campos.Las paredes de la galería Zoom están húmedas, llenas de gotas de agua que brillan en las fotografías de Mabel Elorza. Su trabajo vertebra la propuesta expositiva desde hoy, viernes, y hasta el 3 de octubre en el espacio expositivo que dirige Pedro Palazuelos. 'Redes de agua' se abrirá al público esta tarde a las 19.30 horas en la sala de la calle Juan de Herrera de Santander.

En esta muestra la naturaleza es la protagonista y también el punto de vista adoptado. El objetivo de Elorza se acerca de forma indiscreta a las increíbles arquitecturas que tejen las arañas en los campos. Las telas, sin embargo, sólo se intuyen, desaparecidas por las gotas de agua que tras la lluvia se posan, atrapadas en sus redes.

Los dibujos que forman y la ilusión que generan los diferentes niveles de zoom hacen que las imágenes obtenidas contengan grados progresivos en la pérdida del motivo, adquiriendo más plasticidad y abstracción a medida que se acerca más a lo fotografiado.

Las instantáneas de la naturaleza, a menudo desdeñada por la fotografía con mayúsculas, invita siempre a la contemplación de nuestro entorno más primitivo, cargado de belleza y sabiduría original. «En la naturaleza se presiente un equilibrio entre orden y caos que resulta valiosísimo al urbanita estresado», según explica la crítica de arte Lidia Gil. En ella se explican mucha cosas esenciales que olvidamos cada día». Cualquier detalle de un espacio natural sirve de ejemplo para comprender, como unas redes de agua sostenidas en el vacío por una poderosa tela invisible: ingeniería, diseño, magia y pura poesía. Las mismas estructuras se repiten hasta el infinito en este mundo fractal del que formamos parte. Cada punto de vista aporta un grado más de consciencia y de disfrute estético, como es el caso de la propuesta que firma Mabel Elorza, que con la exposición que inaugura esta tarde en la sala de Juan de Herrera suma su primera propuesta individual en la galería Zoom, donde ya participó en una colectiva.

Inauguración en Arnuero

El Observatorio del Arte de Arnuero aborda esta tarde, a las 20 horas, la recta final con la inauguración de la exposición de la artista santanderina Arancha Goyeneche, que cerrará la presente temporada expositiva del Observatorio del Arte con 'Is not easy to be green, hasta el 16 de octubre .

Organizada por la Concejalía de Cultura, la última muestra de esta temporada en el Observatorio que ha contado con la mujer como eje dominante, incluirá en la jornada inaugural la actuación del grupo Jazz Stop. Al trío formado por Enzo Pesce, Ito Luna y Adolfo se ha sumado como vocalista Coco Cisneros.

Las creaciones de Goyeneche poseen presencia escultórica y fotográfica, huellas de nuevas tecnologías, potencia visual, mixtura de instalación e intervención, sentido espacial y arquitectónico. Aunque la pintura no tiene presencia directa, siempre hay una reivindicación de lo pictórico a través de herramientas alternativas: tiras de vinilo, plásticos, fluorescentes o proyecciones que conforman las escenografías de Goyeneche (Santander, 1967). Actualmente confiesa su querencia por crear piezas efímeras, de grandes dimensiones, destinadas específicamente a los espacios expositivos, caso de Arnuero.

Nueve meses, todo un parto

2010-09-03T14:09:00.001+02:00

Regresamos de nuevo tras unas largas vacaciones, con más fuerza y contenidos que nunca, y en espera de la deseable colaboracion de aquellos a los que les interese el arte y la creatividad en Santander. Ya han pasado 9 meses desde que iniciamos la busqueda y observación de todos y cada uno de los contrenidos plásticos que esta ciudad requiere y usa a diario. Para ello, seguiremos activos desde este mismo blog, y en facebook o twiter, recopilando información desde internet, prensa, correo electrónico o el boca a boca, para teneros puntualmente informados, de cuanto sucede en esta inquietante ciudad llena de cosas. Os saludo cordialmente con un abrazo sincero para todos los que nos seguis y para los nuevos, recibid una cordial bienvenida.

Tercera edición de Arte sonoro de Santander

2010-06-29T11:46:00.001+02:00

La Tercera edición de Arte sonoro de Santander se durante los días 1, 2 y 3 de Julio.

Para acceder a toda la informacion:

http://www.santandersonoro.org/

Este año la programación contará con artistas tan diversos como:

ANGARAHD DAVIES : Experimenta todos los sonidos posibles haciendo sonar las partes más inesperadas del cuerpo del violín. Angaradh acaricia, araña y percute sobre el instrumento brindándonos una experiencia única. Improvisadora e interprete reconocida tanto de música clásica como de compositores contemporáneos.

OREN AMBARCHI : El delicado universo sonoro que es capaz de producir una guitarra debidamente procesada, permite a Oren Ambarchi utilizarla para conseguir sonidos hipnóticos, luminosos, etéreos, constantes...una fuente sonora inmolaste de gran belleza. Su álbum "Triste" fue ganador de una mención honorífica en Prix Ars Electrónica 2003, en la categoría de música digital.

MOHAMMAD : Trio compuesto por Nikos Veliotis (violonchelo), Coti (contrabajo) e ILIOS (osciladores de ondas ). Cada uno con una larga trayectoria en el campo del arte sonoro y la música experimental, se han unido para estudiar los principios de la intermodulación. Su primer disco ¨Roto Vildblomma¨ha sido acogido con gran entusiasmo por los críticos y el público.

METAMKINE : Sus actuaciones combinan las proyecciones de 16 mm y la música electrónica en directo.

Músicos y cineastas están en el escenario frente al público desarrollando un juego entre la imagen y el sonido, el proyector de cine es un instrumento parecido a la grabadora, por ejemplo.

"Cine para los oídos... música para los ojos".

ALESSANDRA ROMBOLA : Los objetos de cerámica "suenan" en manos de esta artista, que desarrolla un personalísimo universo sonoro mediante su trabajo con distintas flautas. Especializada en las “técnicas extendidas” y en la interpretación de partituras gráficas (Cage, Cardew, Runswick). Colabora con los mas destacados músicos de la escena europea: Michel Doneda, Xavier Charles, Ingar Zach, Wade Matthews, Rhodri Davies ente otros.

Fiestas de verano en la céntrica calle del Sol durante todo el fin de semana

2010-06-25T11:05:00.002+02:00

Con la interpretación de madrigales ingleses, en la iglesia de Los Carmelitas, y concierto de campanas en la calle dieron comienzo ayer en la calle del Sol las fiestas de bienvenida al verano en las que habrá música de todo tipo, desde clásica a flamenco, pasando por la percusión africana, exhibición de campaneros, danza, teatro, fotografía, poesía, un tradicional concurso de tortillas y casetas gastronómicas en la calle.

Hoy se ofrece concierto de órgano en Los Carmelitas, apertura de casetas en la calle, elaboración de cerámica, música de rock y proyección de película 'Tiempos modernos', a las 23.30 horas, con sillas que deberán bajar los vecinos desde sus casas. Las actividades se celebran también en los numerosos locales de la zona y las fotografías que se realizarán de los actos se irán exponiendo en los escaparates de los locales.

El sábado desde las 10.00 horas se desarrollarán casi treinta actividades. Taller de fotografía en la galería Roales, un concurso de pintura rápida, taichi, juegos tradicionales, bailes de salón, taller de esgrima, representación teatral, interpretación poética a cargo de Isidro Ayestarán y música en los locales. El homenaje a 'Cioli' será a las 21.45 horas en el escenario de la calle.

Y el domingo, desde las doce de la mañana, habrá taller de percusión africana, mercadillo, bailes regionales, música, montaje La Cámara Hiperbárica en el Garaje Sol, actuaciones de circo y de acrobacias y degustación de pizzas.

No acaban aquí las actividades ya que en las salas de exposiciones y en los locales de copas se celebran exhibiciones artísticas. La calle ha sido engalanada para que sea aun más atractiva.

Programa eventos:

VIERNES 25 JUNIO--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

16:00 RAKU. Técnica tradicional oriental de elaboración de cerámica
19:00 Apertura de casetas.
20.00 RAQUEL SCHEFER. Inauguración Demolden
20:15 CONCIERTO DE ÓRGANO. JAIME GALLO TERÁN y ZORITSA ZOHOSHEVYCH. Iglesia de los Carmelitas
20:30 EL GUIRI GABACHO. Rubicón
22:00 NOCHE DE CINE. Bokeh
22:30 EL ROCK EN LOS 70-80. Proyección audiovisual. Zapa
22:15 CHICKTONES. Escenario
22:30 LONE ARK. Moondog
22:30 DAKO-DAJA-WU. Factory
22:30 Dj DUNKER Y Dj KANG. Metropole
22:30 PROYECCIÓN REGGAE 2009-10. Cool
22:45 DANTE PLACE. Metropole
23:30 "A MANDÍBULA BATIENTE”. Monólogos.Urban Classics
23:30 TIEMPOS MODERNOS. Cine. Dolmen
SABADO 26 JUNIO----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
10:00 MONTAÑA DE CONOCIMIENTO. Taller de Fotografía Roales
10:00 CONCURSO DE PINTURA RÁPIDA. Inscripción en Espacio Espiral
11:00 TAI CHI. Dirigido por el maestro Francisco Puig. Calle Sol.
11:00 CONCURSO DE TORTILLAS. Límite de entrega 12.3oh.
12:00 Apertura de las casetas. Pinchos de Restaurante Sixtina
12:00 JUEGOS TRADICIONALES.
12:00 BAILES DE SALÓN.
12:00 Taller de MUNDANALRÜIDO.
13:30 Juan Silió LOS CASTOS.
14:30 FALLO CONCURSOS de Tortillas y Pintura Rápida
15:00 COMERCIO JUSTO.
16:30 TALLER DE ESGRIMA.Agrupación Deportiva de Esgrima Cántabra
17:00 THE SPANISH PEASANT. Rubicón
20:00 FOTOGRAFÍA EN MOVIMIENTO: PABLO HOJAS
20:30 LA CÁMARA HIPERBÁRICA. Centro Cultural Europeo Eureka
21:00 CONTACT-URBAN IMPROVISATION.A cargo de Espacio Espiral
21:45 HOMENAJE AL CIOLI. Escenario
21:45 RETRATO COLECTIVO. Foto asistentes, en la calle
22:00 THE CREAMS.Escenario
22:00 Dj-Vj. LIVE. Tomillo y Mario Quesada. Cool
22:00 THE PUZZLES. Bokeh
22:00 FIESTA MUSHROOM PILLOW RECORDS con Plastic Adict Djs. Metropole
22:00 JAVI BOTANZ. Dolmen
22:00 “DECADENCIA: POESÍA URBANA” de Isidro R. Ayestarán. Urban Classics
22:00 ISAÍAS LAZY. Factory
DOMINGO 27 JUNIO-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
10:00 MONTAÑA DE CONOCIMIENTO. Taller de Fotografía Roales
12:00 Apertura de casetas. LAS GILDAS.
12:00 TALLER DE PERCUSIÓN AFRICANA. Con Dani Peña. Zapa.
12:00 MERCADILLO.
12:00 Taller de MUNDANALRÜIDO.
12.30 Juan Silió LA PELÍA.
12:30 Bailes Regionales
13:00 LA CÁMARA HIPERBÁRICA.Garaje Sol
14:00 QUINTETO LÁSTIMA.Casa de los Cantera
15:00 COMERCIO JUSTO: Gira por el desarrollo
17:00 CIRCO DE LO INSÓLITO.
18:00 GRUPO ACROBÁTICO PERIPÉCIAS.
18:00 “Un día de verano” CASETA SOL CULTURAL.
18:00 Pizzas elaboradas por Pizzería Pinocho
19:00 JIMI CAN & THE PATO BAND. Casa de los Cantera
19:00 QUASAR TEATRO. "Esto no es una manzana" DelSolSt
20:30 AFROSOUNDSYSTEM. Grupo de percusión. Colilla
20:30 PASACALLES DEL ORGULLO GAY. Gran Nogara, Oky, Farruca, Brava, Nene, Kinny, Pepe Aro. Colilla
21:00 Cub djs. Meropole
21:30 TROPIC Escenario.
21:30 DJ STONER. Factory
21:30 KAS Y MEÑO. Flamenco. Dolmen.
21:30 NAZIM ZÁRATE. Niagara
21:30 POTAJE FLAMENCO. Cool
21:30 CHEMA DELIA. Urban Classics
EXPOSICIONES---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
JAVIER LAMELA. “A través de mi Argus” DelSolSt.
FRANCISCO SUÁREZ. “La casa del mediodía” Juan Silió
“PINTURA MURAL”Dos artistas llevarán a cabo una intervención mural que acercará al público el método creativo.
Colar...te
SANTIAGO POLO. “Límites” DelSolSt.
TORI Dolmen, Rubicón, Urban Classics y Zapa
BRUNO OCHAITA La caverna de la luz
RAQUEL SCHEFER Demolden
PROYECCIÓN DE IMÁGENES En distintos puntos de la calle
Exposición fotográfica Metropole
I concurso de fotografía de las Fiestas de la Calle del Sol Bokeh
TALLERES-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
I TALLER-CONCURSO DE PINTURA RÁPIDA “CALLE DEL SOL”
Sábado 26, 1o.oo-14.ooh.
I TALLER CONTACT-URBAN IMPROVISATION CONVOCATORIA
Creación de acciones físicas en el espacio urbano. Destinado a actores profesionales y en formación, bailarines, acróbatas y performers. 21, 22, 23 (de 18 a 2o h.) 24 y 25 (de 18 a 21 h.)
TALLER DE FOTOGRAFÍA EN MOVIMIENTO Coordinan: PABLO HOJAS y RAUL LUCIO
LABORATORIO DE ARTE Y EXPERIMENTACIÓN Por MUNDANALRÜiDO

Sianoja celebra diez años de diálogo con arte

2010-06-25T10:32:00.001+02:00

Ana Cobo | El Diario Montañés
Creadores de Marruecos, España, Japón o Estados Unidos trabajan desde ayer en sus obras en el Simposio Internacional de Artes Plásticas en el Palacio de Albaicín.Doce artistas de cuatro países participan en una edición que suma música y cine a su programa.
El próximo 3 de julio se expondrán las obras en el Palacio de Albaicín, tras la clausura del encuentro.El Palacio del Marqués del Albaicín, en Noja, se convertirá durante los próximos diez días en epicentro artístico para doce creadores procedentes de siete países. Los protagonistas de la décima edición del Simposio Internacional de Artes Plásticas, Sianoja, llegaron a la villa el pasado martes dispuestos a 'aparcar' la soledad en la que habitualmente dan vida a sus creaciones y compartir sus experiencias, trabajos y conocimientos con otros compañeros de disciplinas y estilos diferentes.

Esta apuesta por el arte en convivencia arrancó ayer con los primeros bocetos, pinceladas y piezas de las obras que crearán ante la mirada del público hasta el próximo 3 de julio y que, tras la clausura, se expondrán en el Palacio de Albaicín. A esta cita han acudido cántabros como Rafael Leonado Setién, natural de Laredo, y la pintora santanderina Cuca Nelles. La representación española se amplía al pintor murciano, Manuel Pérez López y los escultores Fernando Suárez Requera, de Oviedo, y Adriana Veyrat, de Madrid. Además, en esta edición el artista seleccionado de los cursos de Máster de la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid ha sido Pablo Tardáguila del Castillo.

La nómina la completan artistas extranjeros como la alemana Erika Klos, con su pintura y grabado, y los pintores y escultores Willy Ramos, de Colombia, y Gayle Tustin, de Estados Unidos, así como los pintores Stefano Cattaneo, de Italia; Yoko Watanabe, de Japón, y Khalid el Bekay, de Marruecos. Todos ellos integran el babel de culturas de esta décima edición, cuyo comisario es Manuel Sáenz Messía.

Ayer fue el primer día de trabajo. Y mientras algunos estaban aún decidiendo su obra, otros como Fernando Suárez Reguera ya habían ocupado la carpa instalada en los jardines del Palacio. Fernando detiene su proceso de creación para contar que, anteriormente, ya ha participado en un encuentro de estas características «Estoy encantado de acudir ya que me permite contrastar muchos pareceres y formas de trabajar con personas de otros países», afirma.

Para esta ocasión va a elaborar una escultura arquitectónica en hierro denominada 'Palacetes'. Aún es pronto para imaginarse su forma final, pero enseña el boceto que refleja unas construcciones primitivas. «Trabajo en hierro y bronce que son los materiales con los que más cómodo me encuentro y luego incorporo plásticos o resinas». Para este artista las piezas claves de este evento son «la convivencia, el dialogo y el espacio. El Palacio de Albaicín es un sitio fabuloso», añade.

Para el profesor de la facultad de Bellas Artes en Bilbao, Rafael Leonardo Setién, la participación en un simposio tampoco es una novedad. La experiencia que va vivir en Noja le retrotrae a su participación en la muestra de Arte Joven que realizó el Ministerio de Cultura en Gijón donde, dice, estuvo «cinco días trabajando».

Pero aquí llega con nuevas fuerzas, aunque confiesa que todavía no tiene claro en que consistirá su obra. «En estos primero días trabajaré en papel para tomar contacto y más adelante me enfrentaré al lienzo». Leonardo Setién explica que su trabajo se inspirará «en el hombre representado con el símbolo de las cabezas» y que incluirá también animales marinos. Este laredano, que conocía el simposio de Noja desde hace años, reconoce que le apetecía «mucho» ser uno de sus protagonistas.

Padre e hija

En este décimo aniversario también dejará su huella la familia Incera. La pasada edición contó con la participación del pintor santanderino, Puchi Incera, y, en esta ocasión, es su hija Cuca Nelles quien mostrará sus dotes artísticas. Cuca explica que su padre le dijo que tras su paso «quedó encantado» por lo que no dudó un momento en «aceptar la invitación del comisario y venir a disfrutar de esta oportunidad de convivir con gente extranjera y aprender de su modo de trabajar».

Por el momento no desvela detalles de su pintura pero asegura que seguirá en la misma linea de trabajo: «Diez días es poco tiempo para investigar». La creadora cántabra se ha tomado este tiempo como una vuelta a la época de la facultad, «cuando trabajaba con mis compañeros. Acostumbrada a hacerlo sola esta experiencia va a resultar muy grata». Otro de los que ayer inició su trabajo es el marroquí Khalid el Bekay, que va comenzar en Noja una nueva etapa en su obra. Explica que su pintura se sitúa dentro de lo «figurativo contemporáneo» y que opta por colores potentes inspirados en el mediterráneo.

Los motores de esta maquinaria artística arrancaron ayer pero por delante aún quedan diez días de trabajo. Todas las personas que lo de deseen pueden acercarse hasta el Palacio y conocer el proceso de creación de estos artistas en horario de 12.30 a 14.00 h, y de 18.00 a 20.30 h.

Como complemento a este encuentro se ha preparado una serie de actividades paralelas que se iniciaron ayer, a las 19.30 horas, con la presentación de Gabriel Díez de su serie fotográfica 'Los Caminos de Santiago', en la Ermita San Román de Escalante.

PROGRAMA

Sábado 26. 19.00 horas. El profesor Carlos Nieto ofrecerá la conferencia 'Arte y Ciencia' en el Palacio de Albaicín.
Lunes, 28. 13.00 horas. Conferencia multimedia 'Evocaciones del campo' a cargo del crítico de arte invitado Fernando Zamanillo, licenciado en Historia del Arte, ex director del Museo de Bellas Artes de Santander y galerista. 19.30 horas: Inauguración de la exposición 'Cercanías' del artista cántabro Eloy Velázquez en la Sala Municipal de Exposiciones José Hierro.
Martes, 29. 19.00 horas. Presentación de las películas documentales La Casa Melnikova' 58 minutos, año: 2007 (subtítulos en castellano) y 'Le Cabanon par Le Corbusier', 59 minutos, año 2010 (subtítulos en inglés) de Rax Rinnekangas
Miércoles 30. 19.30 horas. Performance 'Arte aspirado' de Pelayo Fernández Arrizabalaga, artista visual, músico y profesor de arte en Suiza, que cuenta con la colaboración de Eli Gras, instrumentista y música experimental.
Jueves I. 19.30 horas. Concierto de música experimental de Pelayo Fernández Arrizabalaga y Eli Gras.
Sábado, 3. 12.30 horas. Concierto de Jimmy Barnatán (Blues-Rock&Roll) con Rafa Santana (piano) y Krzysztof Sandecki (saxo alto).Posteriormente, clausura del Simposio e inauguración de la exposición Sianoja 2010, que permanecerá abierta hasta el día 21 de julio, con acto oficial de entrega de diplomas y documentos de cesión.

Pablo Maojo se incorpora a la temporada de Robayera 2010

2010-06-25T10:24:00.000+02:00

Guillermo Balbona | El Diario Montañés

'Oscura luz' reúne desde mañana en la galería de Miengo, por vez primera en Cantabria, las esculturas del artista asturiano

«Cuando acabo una escultura, y tiene algo, muchas veces no sé lo qué es, estoy intrigado con ella, y casualmente le ocurre lo mismo a los demás. Eso es lo que a mí me sorprende». El artista asturiano Pablo Maojo, que expone desde mañana en Cantabria por primera vez, es el segundo protagonista de la temporada de la galería municipal de Miengo, Robayera, cuya programación arrancó el pasado mes de mayo.

El espacio de las antiguas escuelas de Cudón exhibirá la creación de Maojo, cuya trayectoria se ha conformado a través de numerosas exposiciones individuales y colectivas tanto en España como en otros países, y ha estado presente en algunas de las ferias más importantes del circuito internacional de arte contemporáneo (Basilea, Arco), y en Bienales europeas. Es notoria también su presencia en importantes premios y certámenes de pintura y escultura del circuito nacional.El multipremiado artista asturiano de Villaviciosa ha participado en varias ediciones de ARCO, con la galería asturiana Cornión, y sus obras se encuentran en diferentes museos y colecciones públicas de nuestro país. De su creación se dice que apasionada. «Su pasión es jugar con los relieves, lo que se acrecienta a medida que aparece el color en la obra para resaltar o descubrir aspectos ocultos que sólo el espectador atento puede desentrañar. Se establece una relación de emociones que seducen, cautivan, y hasta enamoran, relegadas a fin de cuenta a la sensibilidad que tenga o despierta el observador».

Bajo el epígrafe de 'Oscura luz' presentará desde mañana (inauguración a las 19.30), una veintena de piezas representativas de su concepto escultórico: «cuanto más afina su destreza como escultor, más se produce el desbordamiento de lo puramente escultórico hacia otras artes, otros lenguajes».

Maojo (San Pedro de Ambas-Villaviciosa, 1961), posee un universo iconográfico que mantiene una tensión entre lo racional y analítico y un grafismo primitivista donde vibra el color en formas elementales.

La vitalidad del geometrismo, pero también de la pluralidad de expresiones y estrategias marcan su obra, que está representada en numerosas colecciones particulares, instituciones y museos, entre ellas el de la Fundación La Caixa (Barcelona), Bellas Artes de Asturias, E.P. Alto Lindoso (Portugal), Fundación San Benito de Alcántara, Cajastur, Fundación Evaristo Valle.

La madera como materia dominante ofrece un rico mundo de sugerencias escultóricas mediante «intervenciones directas, cortes elementales, cuya aparente rudeza no excluye, junto a sugestiones de la naturaleza, una notable belleza plástica, subrayada en ocasiones por los colores, rojo y azul principalmente, muy saturados».

Junto a obras monumentales, Maojo es autor de un gran número de creaciones, tanto escultóricas como pictóricas, de notable «capacidad inventiva y encanto formal» que denotan su gusto por la libertad creativa. En su trayectoria, de formación autodidacta, ha experimentado con todo tipo de técnicas: pintura, dibujo, grabado y, sobre todo, escultura. «Hay gente que pasa por ser artista, cuyo fin es vivir del arte, pero yo creo que la expresión artística es algo intrínseco e inevitable de la persona», dice Maojo.

Mercado de Miranda un ESPACIO para la IMAGEN

2010-06-18T10:56:00.006+02:00

Ayer quedó inaugurada la sede de la asociación Espacio-imagen en el antiguo Mercado de Miranda.. Foto: David Hojas Cuevas
Comentando con Teresa, una componente de la asociación Espacio imagen, hablabamos de la metodología que conlleva un trabajo fotográfico y la diferencia con otras actividades artísticas. Convenimos en que es una de las artes donde el autor tiene que ser metódico, cuidadoso, vigilante de los tiempos, la luz, el espacio, las personas, los elementos del entorno, etc. Los procesos de creación, sin ser necesariamente más lentos, deben estar perfectamente depurados, cronometrados y dejando pocas cosas al azar. De ahí, que los trabajadores de la imagen, fotógrafos, videocreadores, iluminadores, eléctricos, montadores, etc. sin menospreciar a nadie, puesto que yo tampoco me encuentro entre ellos, sean gente con un espiritu de trabajo y sacrificio diferente del resto de las artes. El caso es que gracias a este tesón, se está logrando formar un equipo bastante importante, con gente de diferente calado, especialidad y origen, para lo que se ha venido a llamar la asociación Espacio imagen.
Con un futuro muy prometedor, ilusión y proyectos en la mano, cuentan desde ayer y gracias al Ayuntamiento de Santander, con un local reformado y moderno, en el recien renovado Mercado de Miranda. Un lugar donde reunirse, trabajar y hacer de nexo para todos los interesados, que son muchos, y con un empuje que solo gente que trabaja en silencio sabe hacer.

Dispone de un hall con techos altos que podría servir de plató y sala de conferencias, dos muros para hacer exposiciones, un plasma para exhibir videocreaciones, dos almacenes para guardar material, lavabos, etc. y sobre todo mucha luz y encanto, ya que se trata de un edificio antiguo histórico con forjados, columnas de hierro y vigas de madera.

En cuanto a la agenda de proyectos de la asociación, al tratarse de algo en lo que se lleva muy poco tiempo, hay muchas ideas y asuntos aún en el aire. Pero comienzan a andar con el concurso del logotipo, la creación de los carnés de asociados, las cuotas, y los primeros esbozos de proyecto, con dos trabajos de campo antes de septiembre, cuando ya tengan la agenda completada para el año restante y siguiente.
Les deseamos mucha suerte y éxitos.

Motores del cosmos ruso

2010-06-18T09:32:00.000+02:00

Sotileza | El Diario Montañés

El 24 de abril de 1927, transcurrida una década desde la revolución bolchevique, se inauguró una inusual exposición en el nº 68 de la calle Tverskaia, en el centro de Moscú . Era la 'Primera Exposición Universal de proyectos y modelos de aparatos, mecanismos, dispositivos y materiales históricos interplanetarios'. «Un extraordinario homenaje al viejo sueño de conquistar el espacio y llegar a los planetas de nuestro sistema solar», a juicio de los comisarios de la muestra santanderina John E. Bowlt, Nicoletta Misler y Maria Tsantsanoglou. La tecnología que convertiría en realidad el sueño de volar permanecía distante y quizá era éste el motivo de que las apreciaciones del vuelo fueran tan delirantes y libres. «Al menos en Rusia, algunos de los primeros constructores de aeroplanos, los implacables soñadores y los artistas parecían a menudo estar viviendo en otro estado, rocambolesco e infantil».

Este contexto histórico y la tendencia a intentar representar lo 'irrepresentable', que descansa sobre la base de las composiciones abstractas de Kandinsky, composiciones que también expresaban la inquietud del ser humano ante el cosmos, constituyen el fundamento de la exposición que copará la atención artística del verano desde Santander.

Un objetivo primordial de 'El cosmos de la vanguardia rusa: arte y exploración espacial, 1900-1930' consiste, por ejemplo, en la manipulación de las vocales simples realizada por Kruchenykh para producir un 'Lenguaje Universal' en su poema de 1913 Vysoty [Las alturas]; o el impulso más espiritual del grupo Vía Láctea,41 que enfatizaron la 'mentalidad aérea' de la vanguardia.

En opinión de los organizadores, la ambición rusa por conquistar el espacio «se debía tanto a excéntricos filósofos y artistas radicales, como a rigurosos científicos e ingenieros. Para los artistas más sensibles de aquella época, el cosmos se convirtió incluso en una temática alternativa, no adulterada por la trivialidad de la vida material». Además de incluir piezas de centros museísticos europeos muy diversos, cuenta con la aportación del State Museum of Contemporary Art y de la Aliki Costakis Collection y los prestamos de importantes instituciones rusas.

La institución editará este verano un completo catálogo en español e inglés en el que, además de la reproducción y catalogación de las obras, se incluyen textos de seis importantes especialistas, además de una bibliografía especializada.

Viaje espacial a través de la vanguardia rusa

2010-06-18T09:23:00.000+02:00

La Fundación Marcelino Botín explora, analiza y exhibe la estrecha relación entre el arte y la ciencia antes y después de la Revolución de 1917, en su nueva apuesta expositiva internacional del verano.

Visionarios, imaginativos, oníricos, revolucionarios? El arte y la vida en un combate de fronteras inasibles, sueños imposibles y viajes sin límites. Vanguardia rusa, innovación e interpretación. Mostrar el modo en el que los artistas innovadores respondían a los progresos tecnológicos entre las décadas de 1910 y 1930; retratar cómo los vanguardistas rusos se anticiparon a la era espacial y se inspiraron en la búsqueda de otros mundos y en el cosmos son los fundamentos y esencias de una de las exposiciones más singulares y ambiciosas de los últimos años: 'El cosmos de la vanguardia rusa: Arte y Exploración espacial, 1900-1930' que, como ya se avanzó, se exhibirá en la sala de la Fundación Botín en Santander desde el próximo día 24 de junio al 19 de septiembre.

La cita expositiva de producción propia y sello internacional, que supone una de las propuestas más importantes de la institución santanderina en su proyección cultural europea, se puede considerar una iniciativa exclusiva, y en cierto modo pionera en sus planteamientos, y no sólo por la inclusión de piezas inéditas.

Hasta ahora, como reza la filosofía del proyecto, «habían sido varias las exposiciones y publicaciones dedicadas a determinados aspectos englobados en esta temática, especialmente en la última década, pero parece ser que ésta sería la primera en centrar su atención en las aportaciones modernas rusas».

Como subrayan los comisarios de esta ambiciosa apuesta, John E. Bowlt, de la Universidad del Sur de California, Los Ángeles; Nicoletta Misler, profesor de la Universidad de Nápoles 'L'Orientale', y Maria Tsantsanoglou, del Museo Estatal de Arte Contemporáneo de Tesalónica, Grecia, 'El cosmos de la vanguardia rusa' «no sólo revela interés por las interpretaciones artísticas del espacio sideral o por los proyectos visionarios de los científicos, sino que recoge expresamente la confluencia entre el arte plástico y la cosmonáutica». De ahí que al margen de la pintura propiamente dicha, la muestra reunirá tanto vehículos reales que «propulsaron los primeros intentos de exploración espacial, como las apreciaciones estéticas que acompañaron y realzaron dicha exploración, especialmente el arte de vanguardia». La institución santanderina, que el pasado año ya hizo historia al producir y organizar una exposición de arte africano que se ha exhibido en el British Museum y llevará a EE UU - la muestra de piezas del Reino de Ife, de Nigeria, que recorrerá en 2011 cuatro museos norteamericanos- se detiene ahora en enseñar y reinterpretar el contexto artístico, histórico y social en el que los vanguardistas rusos se anticiparon a la era espacial.

'El cosmos...' muestra así en realidad cómo Kandinsky, Malévich, Tattlin y otros representantes de la vanguardia rusa se inspiraron en la búsqueda de otros mundos y en el cosmos, anticipándose a la era espacial que comenzaría con el lanzamiento del Sputnik en 1957. «El hecho de que los vuelos, incluidos los espaciales, despertaban un interés directo en los artistas de la vanguardia, queda claro en muchos de los títulos, temáticas y declaraciones que pueden asociarse a sus actividades y producciones».

Tras el alunizaje del hombre en la Luna y la exploración robótica de Marte, tras la construcción de las estaciones espaciales internacionales y el envío de sondas espaciales a Mercurio, Venus, Júpiter, Saturno y más allá, esta exposición se concibe como un «homenaje a los valerosos esfuerzos por conquistar el espacio». En sus itinerarios plásticos, además, «no sólo muestra interés por las interpretaciones artísticas del espacio sideral o por los proyectos visionarios de los científicos, sino que recoge expresamente la confluencia entre el arte plástico y la cosmonáutica».

Más de un centenar de obras -las salas sitas en Marcelino Sanz de Sautuola 3 reunirán pinturas, dibujos, pósters, fotografías de época y primeras ediciones de libros y álbumes- subrayarán la percepción sobre el espacio que tenían los artistas rusos de los años 1910 y 1920: Kandinsky, Malévich (ambos representados con obras claves para entender la ruptura que supuso la vanguardia rusa de aquellos años, como El Circulo Negro, óleo de 1929 de Kazimir Malevich, y varias Composiciones musicales de W. Kandinsky) o las obras de Aleksandr Rodchenko y Vladímir Tattlin.

Junto a ellos, la nómina alude a otros genios menos conocidos en occidente, pero igualmente relevantes parala historia del arte ruso como Pavel Filonov, Petr Foteev, Georgii Krutikov, Mikhail Matiushin o Pavel Mansurov.

La exposición se completará con objetos relacionados con las primeras investigaciones espaciales: el modelo de 1913 de Konstantin Tsiolkovsky; los componentes del planeador llamado Letatlin de Vladimir Tatlin (1929-32); o las máquinas visionarias de Ari Abramovich Shternfeld (Ary Sternfeld, 1905-1980) y de Fridrikh Tsander (1924).

Como señala el catálogo, «sin los esfuerzos de Tsander, Korolev y Sternfeld, en particular, habría resultado inconcebible el triunfo del programa espacial ruso», un éxito que culminó con el lanzamiento delcitado primer cohete artificial de 1957. En la cita expositiva se mostrará así una reproducción del Sputnik realizada para esta ocasión.

Las señas de identidad de la apuesta de la Fundación Botín revelan que frente a esas otras exposiciones del pasado, «no menos importantes, en las que también se hacía referencia a esa encrucijada, como, por ejemplo, 'Cosmos : du romantisme à l'avant-garde', en Montreal y en el Centro Cultural Canadiense de Barcelona, y 'La conquête de l'air : une aventure dans l'art du XX-ème siècle/The Conquest of the Air: An Adventure in 20th Century Art', en el Musée d'art moderne Les Abattoirs de Toulouse', «su objeto y alcance eran algo diferentes, es decir, ilustraban sus temáticas aérea y cósmica con obras de arte, pero no con obras de la aviación o de la cosmonáutica»

Libro taurino y homenaje a Julio de Pablo en el primer aniversario de su muerte.

2010-06-18T09:02:00.001+02:00

D.R. | El Diario Montañés

El periodista salmantino Francisco Cañamero presentará esta tarde en la peña taurina Félix Rodríguez de Santander su último libro, que lleva por título 'Alfonso Navalón: Escribir y torear'. El acto tendrá lugar a partir de las 20.30 horas. Paco Cañamero ha desarrollado su labor periodística en el Adelanto de Salamanca o Tribuna de Salamanca. Es, además, habitual colaborador de Interviú y ABC, entre otros, y autor de una decena de libros entre los que destaca 'El Viti, el toreo eterno'. Por su parte, la peña taurina Pablo Hermoso de Mendoza celebrará esta tarde, a partir de las 19.00 horas, en la ermita de San Roque, en El Sardinero, una misa en memoria del pintor Julio de Pablo, de cuyo fallecimiento se cumple un año. Julio de Pablo fue socio de honor de esta peña que preside Vicente Ruiz.

Exposición "El cosmos de la vanguardia rusa"

2010-06-17T17:50:00.002+02:00

Antes de que la era espacial comenzara con el lanzamiento del Sputnik en 1957, el sueño ya se había hecho realidad a través de las ideas de artistas visionarios. Kandinsky, Malévich, Tattlin y otros representantes de la vanguardia rusa, se inspiraron en la búsqueda de otros mundos y en el cosmos, por lo que sus obras ya en las primeras décadas del siglo XX reflejaban, con sus vocabularios abstractos, el vuelo de los primeros aviones y los primeros experimentos espaciales que tendrían lugar años después.

Estas obras han sido reunidas en la exposición “El cosmos de la vanguardia rusa: Arte y Exploración espacial, 1900-1930", que analiza la estrecha relación entre el arte y la ciencia rusa antes y después de la Revolución de octubre de 1917.

Esta exposición ha sido organizada íntegramente por la Fundación Botín, que la mostrará en su sala de Santander entre el 24 de junio y el 19 de septiembre de 2010.

Cuando los soviéticos, adelantándose a los estadounidenses, lanzaron el Sputnik (satélite artificial con forma de pelota de fútbol ya que pretendían obtener la sede del campeonato mundial de fútbol de 1958), en las obras de sus grandes artistas, años antes, ya se adivinaba esa nueva era.

Imágenes de 1920 de Ivan Kudriashev y Mikhail Plaksin evocan espectros de gases, su liberación y su combustión. Malevich representa también la sensación de vuelo en sus pinturas abstractas mientras que los poetas describían horizontes ocultos y atmósferas enrarecidas.A veces los artistas perseguían incluso realizar/desempeñar profesiones en paralelo, como el arquitecto Georgii Krutikov que diseñó ciudades voladoras o el pintor Nikritin, imaginando zeppelines y ovnis.

La exposición reunirá obras de los artistas rusos más significativos y relevantes que trabajaron en la época anterior y posterior a la Revolución de octubre de 1917, como Kandinsky o Malévich, y pondrá de relieve la relación entre sus creaciones y la investigación astrofísica y cosmonáutica de principios del siglo XX en Rusia. Además de obras maestras de la pintura o del dibujo, fotografías y posters originales de época, la muestra incluirá planos y modelos originales de las primeras maquetas de cohetes y aviones procedentes de veinte colecciones extranjeras.

En 2009, la muestra estrella de la programación de la Fundación Botín fue sobre arte Ife, con obras valiosas y únicas de los siglos IX al XV procedentes de Nigeria que, tras verse en Madrid, se exponen ahora en el British Museum de Londres, antes de empezar su itinerancia americana. En el verano de 2010, la exposición de relevancia que organiza la Fundación Botín en Santander mostrará la relación entre el arte y la ciencia, siendo su motivo de inspiración las visiones del cosmos y las primeras investigaciones sobre los viajes espaciales a principios del siglo XX en Rusia.

Cuenta con la aportación del State Museum of Contemporary Art y de la Aliki Costakis Collection, ambos de Tesalónica (Grecia) y presentes en la muestra con 56 obras de sus colecciones. Además de préstamos de las instituciones rusas más importantes, incluirá piezas del Centro Georges Pompidou de París, el Muzeum Sztuki Lodz de Polonia, el Museu Te Papa de Nueva Zelanda o la Galeria Lorenzelli de Milán.

Contenido de la exposición

Más de un centenar de obras - pinturas, dibujos, pósters, fotografías de época y primeras ediciones de libros y álbumes- ponen de relieve la percepción sobre el espacio que tenían los artistas rusos de los años 1910 y 1920: Kandinsky, Malévich (ambos representados con obras claves para entender la ruptura que supuso la vanguardia rusa de aquellos años, como El Circulo Negro, óleo de 1929 de Kazimir Malevich, y varias Composiciones musicales de W. Kandinsky) o las obras de Aleksandr Rodchenko y Vladímir Tattlin.

Junto a ellos, otros genios menos conocidos en occidente, pero igualmente relevantes para la historia del arte ruso como Pavel Filonov, Petr Foteev, Georgii Krutikov, Mikhail Matiushin o Pavel Mansurov.

La exposición se completa con objetos relacionados con las primeras investigaciones espaciales: el modelo de 1913 de Konstantin Tsiolkovsky, los componentes del aeroplano Letatlin de V. Tatlin (1929-32), las máquinas visionarias de Ari Shternfeld y de Fridrikh Tsander (1924), y una reproducción del Sputnik (1957) realizada para esta ocasión.

Procedencia de las obras

Organizada íntegramente por la Fundación Marcelino Botín, “El cosmos de la vanguardia rusa: Arte y Exploración Espacial, 1900-1930" cuenta con la aportación del State Museum of Contemporary Art y de la Aliki Costakis Collection, ambos de Tesalónica (Grecia) y presentes en la muestra con 56 obras de sus colecciones.

Se unen a los prestamos de otras importantes instituciones rusas como: Central Museum of the Armed Forces, Moscu; Memorial Space Museum, Moscu; Muzei Architecture Shchuseva; National Library of Russia; Regional Art Museum Samara; Regional Art Museum, Krasnodar; Rosizo State Museum and Exhibition Center, Moscú; State Art Museum, Ekaterinburg; State Russian Museum Sant Petersburg; State Tretiakov Gallery, Moscu; Tula Museum of Visual Arts y Tver’ Regional Picture Gallery.

Además, incluirá piezas del Centro Georges Pompidou de París, el Muzeum Sztuki Lodz de Polonia, el Museu Te Papa de Nueva Zelanda o la Galeria Lorenzelli de Milán.

Catálogo

Se editará un completo catálogo en español e inglés en el que además de la reproducción fotográfica y catalogación de las obras presentes en la exposición, se incluyen 6 textos de importantes especialistas que ofrecerán un enriquecedor panorama del arte y las exploraciones espaciales en la Rusia de principios del siglo XX, además de una bibliografía especializada.

Los comisarios son John E. Bowlt (Universidad del Sur de California, Los Ángeles, EE.UU.), Nicoletta Misler (Universidad de Nápoles "L'Orientale", Nápoles, Italia) y Maria Tsantsanoglou (Museo Estatal de Arte Contemporáneo de Tesalónica, Grecia) .

Actividades complementarias

En junio y coordinado por Richard Peña (Director del Programa del Film Society of Lincoln Center y Profesor en Columbia University), en el salón de actos de la Fundación en su sede de Pedrueca de Santander, se proyectará el ciclo de cine, en versión original, Cosmos: La frontera cinematográfica del cine ruso.

Se proyectarán en versión original:

 AELITA, LA REINA DE MARTE/AELITA. Yakov Protazanov, URSS, 1924.

 EL HOMBRE CON LA CÁMARA/ CHELOKEK S KINOAPPARATOM. Dziga Vertov, URSS, 1929.

 REVOLUCIÓN INTERPLANETARIA/ MEZHPLANETNAYA REVOLUTSIYA. Z. Komissarenko, U. Merkulov and N. Hodataev, USSR, 1924

 EL VIAJE COSMICO/ KOSMICHESKIY REIS. Vasili Zhuravlev, URSS, 1936

 LA LLAMADA DE LOS CIELOS/ NEBO ZOVET . Mikhail Karyukov y Aleksandr Kozyr, URSS, 1959

 ES DIFICIL VIAJAR A LAS GALAXIAS/ CHEREZ TERNII K ZVEZDAM . Richard Viktorov, URSS, 1981/2001

 PRIMEROS EN LA LUNA/ PERVYE NA LUNE. Alexei Fedorchenko, Rusia, 2005

Estan previstas también conferencias y, en julio y agosto, la actividad para niños Descubramos..…El cosmos

EXPOSICIÓN

“El cosmos de la vanguardia rusa: Arte y Exploración Espacial, 1900-1930"

Lugar: sala de exposiciones de la Fundación Botín, en la calle Marcelino Sanz de Sautuola 3 de Santander.

Inauguración restringida: 23 de junio de 2010

Fechas apertura público: del 24 de junio al 19 de septiembre de 2010.

Horario diario: de 12 a 14 y de 17 a 21,30 horas. Entrada libre.

http://www.fundacionmbotin.org/

La Fundación Botín falla la XVIII Convocatoria de Becas 2010-2011

2010-06-17T17:23:00.000+02:00

Argentina, México, Austria y España son las nacionalidades de los ocho nuevos Becarios de Arte de la Fundación para el periodo 2010-2011.

Los becarios son: Eva Fabregas (Barcelona, 1988); Jota Izquierdo (José Manuel G. Izquierdo, Castellón 1972); Irene Kopelman (Córdoba, Argentina, 1971), Juan Linares (Tarragona, 1972) y Erika Arzs (Scheibbs, Austria, 1969), Carme Nogueira (Vigo, Pontevedra, 1970), Jorge Mendez Blake (Guadalajara, México, 1974), Mabel Palacin (Barcelona, 1964) y Francesc Ruiz (Barcelona, 1971).

Se presentaron 738 solicitudes, más de la mitad de España y el resto de 48 países, entre los que destacan México, Colombia, Chile, Estados Unidos y Cuba. (El número es menor que el de 2009, pero sin embargo hay más calidad)

El jurado de la XVIII Convocatoria, formado por Jordi Colomer, Joâo Fernandes, Agustín Pérez Rubio, Soledad Sevilla y un representante de la Fundación, destacó la abundancia, diversidad y calidad de propuestas y el éxito de la convocatoria en Iberoamérica. El fallo tuvo lugar el 10 de junio de 2010 en Santander.

EVA FABREGAS (Barcelona, 1988). Proyecto en torno a Sunila en Finlandia, colonia industrial diseñada por Alvar Aalto en la década de 1930 y cuyo resultado se formalizará en dos películas de 16 mm.

JOTA IZQUIERDO. José Manuel G. Izquierdo. (Castellón 1972). Se trasladará al MA Studio, Art Garden Hegezhuang, en Beijing (China) para hacer un proyecto personal sobre jardines bajo el título Capitalismo amarillo: Marco Polo de Tepito en el que busca explorar el fenómeno de la migración desde la condición misma de mercancía y sus formas de producción y comercio global.

IRENE KOPELMAN (Córdoba, Argentina, 1971). Trabajo de campo y estudio sobre la biodiversidad de la papa andina en Perú. El trabajo implica viajes de campo, realización de dibujos, entrevistas y la edición del material en una publicación.

JUAN LINARES y ERIKA ARZS (Tarragona, 1972) y (Scheibbs, Austria, 1969)

Residen en Berlín donde realizarán su proyecto TO NEW HORIZON en el que exploran la idea de lugar como proceso en constante transformación.

CARME NOGUEIRA (Vigo, Pontevedra, 1970). Proyecto BEWEGT CENTRUM en el que investiga sobre la idea de centro (no físico, sino político, social…) a través de su estancia en Berlín.

JORGE MENDEZ BLAKE (Guadalajara, México, 1974). Sin cambio de residencia. Desarrollará a través de dibujos, murales y escultura la idea de “biblioteca abierta”, una biblioteca al aire libre que propone sacar los libros de la biblioteca tradicional y llevarlos al exterior. Un proyecto para democratizar la cultura.

MABEL PALACIN (Barcelona, 1964). Se desplaza a Milán a realizar su proyecto personal HOMELAND, sobre la relación que mantenemos con las imágenes y la mediación que éstas suponen con la realidad. La imagen se expande, rompe la naturaleza y ordena los fragmentos.

FRANCESC RUIZ (Barcelona, 1971). Se traslada a Gasworks en Londres donde ha sido invitado a realizar una exposición individual y un periodo de residencia. Durante su estancia producirá un conjunto de nuevos trabajos que profundizarán en los vínculos posibles que entre el comic y la realidad se pueden construir.

Javier Lamela “A través de mi Argus” en del Sol St. mañana viernes

2010-06-17T14:00:00.000+02:00

Nueva muestra de Javier Lamela en Del Sol St. Esta vez nos mostrará un pequeña parte de lo que exhibió exitosamentre a través de Foconorte en Santoña.

Recortes de nobles ciudades, restos de ruta, cachos de cielo compañero, rincones de habitación de hotel, fábricas y edificios, fragmentos de vías o funiculares detenidos en un tiempo eterno... Así es el tiempo del que están hechos los viajes, como el tiempo de los sueños, dilatado en su presente y extrañamente eterno luego. Los viajes y los sueños nos acompañan para siempre y se vuelven parte de nosotros porque cambiamos con ellos.

Las imágenes de esta muestra nos permiten realizar un doble viaje. El primero es por Europa, por ciudades que él mismo recorrió el pasado año con su cámara, como Portugal, Suiza, Alemania o Francia. El segundo viaje es a esa extraña dimensión que tiene que ver con el tiempo del recuerdo. Para ayudarnos, Lamela se inventó un truco: las fotos están tomadas con dos cámaras, una analógica y otra digital. Por un lado la vieja Argus, cuyo visor determina esos curiosos encuandres, el formato cuadrado y esa textura irrecuperable hoy sin hacer retoques a posteriori. La imagen que aparece en el visor al enfocar es tomada después con la cámara digital, guardando los bordes y las impurezas que pueda traer el azar. La imagen resultante es la imagen final (recortando el formato cuadrado), sin retoques posteriores en Photoshop. Así consigue ese aspecto evocador, emisario del pasado que llama a la nostalgia del viajero. Luis Cernuda habla en su libro Ocnos de una dolencia terrible: “la dolencia que consiste en un afán de ver mundo, de mirar cuanto se nos antoja necesario, o simplemente placentero, para la formación o satisfacción de nuestro espíritu”. Esta exposición supone el encuentro de dos sistemas (metáfora de dos paradigmas), el analógico y el digital, en una misma disciplina, la fotografía. Equiparando el viaje a la disyuntiva de sistemas nos sirven las palabras de Cernuda al recordar el dicho “quien corre allende los mares muda de cielo, pero no muda de corazón”: analógico o digital, el alma de la fotografía, es sólo una, parece decirnos Javi Lamela.

Texto: Lidia Gil

Galería Del Sol St.

c/ Sol 47

Del 18.06.2010 al 10.07.2010

Sala B.

No begining-No end de Jaybo & Reimi/Rough en Nuble

2010-06-17T13:52:00.000+02:00

En la galería Nuble tendrá lugar esta tarde a las 20:00h un happening con la presencia de los pintores Jaybo & Riemi/Roug que realizarán una acción pictórica e inaugurarán la muestra de sus últimas obras. La exposición se podrá visitar de martes a sabado de 16:00 a 21:00 h.

Chernogirl desde el 25 junio en el Espacio Creativo Alexandra

2010-06-17T13:11:00.000+02:00

El próximo día 25 de junio, (viernes 20:00h), tendrá lugar la inauguración de la nueva muestra del Espacio Creativo Alexandra, donde se mostrarán trabajos del colectivo CHERNOGIRL. Formado por Javier Amigo y Leila Bensghaiyar, surge en el año 2009 con el objetivo de formular, a través de un espacio común, un discurso en el que confuyen sus distintas visiones de la sociedad en la que estamos inmersos. Su obra se mueve entre los límites del diseño gráfico y lo puramente artístico, allí donde termina la comunicación y empiezan las preguntas. Se sitúa en un territorio de investigación, lleno de lugares comunes, dobles significados y postulados críticos e irónicos.

El imaginario de los diseñadores gráficos, la condición humana, el mundo que nos rodea y los juegos de palabras se complementan para dar lugar a una mezcolanza de impactos visuales difíciles de clasificar estrictamente en una disciplina.

La realidad es tan dúctil y maleable como la plastilina. Fácil de deformar y de manipular, utilizada como materia prima con la que construir mundos propios e intrincados rompecabezas donde todo encaja a la perfección. Redefinir la realidad se convierte para este colectivo en una de sus máximas.

Con esta intención y valiéndose del humor y la ironía, el colectivo artístico CHERNOGIRL propone al espectador un recorrido por su pequeño universo. Un microcosmos donde los juegos de palabras, el diseño gráfico llevado al terreno del arte y lo absurdo, convergen en un espacio donde nada es lo que parece.

La mirada urbana de Tamargo se exhibe en Santiago Casar

2010-06-16T15:09:00.000+02:00

Redacción | El Diario Montañés

El artista asturiano Marcos Tamargo exhibe su singular pintura de motivos arquitectónicos urbanos en la galería santanderina Santiago Casar. El espacio confronta en realidad una doble cita paisajística: la de Tamargo y la de Javier Ordóñez. Una muestra de treinta obras, quince de cada autor, que estará expuesta hasta finales de este mes. Tamargo es un artista de Gijón (1982) que reside en Nueva York y retrata paisajes urbanos al más puro estilo expresionista. Por su parte, Ordóñez es un pintor vasco de raíces cántabras, que plasma paisajes y figuras en sus lienzos.

Una muestra audiovisual recorre cinco ediciones de Polientes Foto

2010-06-16T15:05:00.000+02:00

Guillermo Balbona | El Diario Montañés

Caja Cantabria proyecta el sábado en el Centro de Educación Ambiental imágenes del Taller de fotografía que dirige Pablo Hojas

La fotografía sigue impregnando desde la diversidad creativa y la pluralidad de convocatorias la actividad cultural en la comunidad. Tras Foconorte y citas presentes como la exposición en el puerto de Bernard Plossu, Caja Cantabria exhibirá este fin de semana en Valderredible una selección de imágenes obtenidas en las cinco ediciones de Polientes Foto, uno de los foros más importantes y que más ha influido en el auge que ha ido adquiriendo el ámbito de la imagen, tanto en lo formativo como en lo expositivo.

La Obra Social de Caja Cantabria proyectará el sábado, a las 19 horas, en el Centro de Educación Ambiental de la entidad una selección en formato audiovisual de las imágenes obtenidas en estas cinco ediciones del Taller de fotografía que dirige Pablo Hojas.

Cerca de un centenar de fotógrafos han participado en este periodo en una iniciativa singular con la imagen como protagonista y que, tal y como es posible comprobar en la selección que ahora se exhibe, ha contribuido a crear un patrimonio artístico en torno al paisaje, a la luz y la forma de vida de un enclave singular de Cantabria como es Valderredible.

El valle ha quedado plasmado en miles de instantáneas obtenidas, seleccionadas y tratadas por los alumnos de Hojas, responsable de la formación impartida en un proyecto especial en sus características, que supone la convivencia en Polientes durante una semana de invierno, y en cuanto a sus planteamientos «ya que se ha propuesto objetivos tan dispares como fotografiar el frío o la luz o la vida cotidiana de los habitantes de una comarca caracterizada por la riqueza de su diversidad ambiental».

La exhibición va a mostrar el día a día de los creadores reunidos en el Centro de Caja Cantabria así como el proceso creativo que desemboca en la obtención de las imágenes expuestas.

La elección del espacio expositivo, en Polientes, tiene como objetivo «facilitar el acceso a los habitantes del entorno que han colaborado de forma activa en la realización de las ediciones de Polientes Foto». Caja Cantabria busca además con esta iniciativa «vincular la labor artística y medioambiental que mantiene en este enclave».

El faro de Ajo ya no brillará sólo

2010-06-16T12:55:00.000+02:00

Mario Cerro | El Diario Montañés

Será el eje central del futuro Parque de Esculturas.

El Ayuntamiento de Bareyo promueve la actuación que ha sido proyectada por el escultor Juanjo Novella.

Soledad, tristeza, silencio, pero también esperanza, tranquilidad. Luz. El faro de Ajo es algo más que una torre con un foco que se ilumina tres veces cada 16 segundos. Como el resto de faros, simboliza otras muchas cosas. Pero el de Ajo será diferente y nunca caminará sólo. Brillará en compañía. Será el elemento central del gran Parque de Esculturas que el Ayuntamiento de Bareyo, presidido por su alcalde José de la Hoz, promueve en ese lugar.

El escultor Juanjo Novella ya ha elaborado un anteproyecto en el que traza las líneas generales de la idea. El futuro Parque de Esculturas ocupará una superficie aproximada de 17 hectáreas en el acantilado en donde se aloja el faro de Ajo. A falta de un estudio más completo, el nivel de ocupación será bajo, con 1,5 esculturas /instalaciones por hectárea. Esto garantiza un tratamiento adecuado y elegante, con «silencios» suficientes entre piezas, de forma que como máximo se intuya el impacto de la siguiente actuación desde cualquier momento del recorrido.

El espacio expositivo tendrá al propio faro como protagonista y habrá también un itinerario de esculturas y otro espacio de atención al público (entrada, tienda, salón de conferencias, área de docencia, espacio multidisciplinar y aparcamiento).

El faro como hito singular y simbólico que es, requiere de una actuación sobre él a fin de no dejarle exento y ajeno a la actuación. «El parque no puede enajenar de su sentido al paraje obviando la figura del faro, por ello se pretende crear de éste la principal figura del lugar», señala Novella en su propuesta.

De ahí que se proponga la creación de una «camisa» que a manera de hiedra colonice su perímetro ofreciendo una percepción especial e integrante del elemento. Para ello, se adecuará su actual fisonomía y la intervención obedecerá al criterio de complementación. También se prevé que una escultura de evocación coralina recubra el fuste del faro en línea con los dos voladizos, con una clara intención de contundencia visual y significación del elemento.

Nada en el entorno permanecerá ajeno. Las características orográficas del paraje servirán para vincular y ordenar cada obra escultórica. Cada depresión, sima, grieta, formación rocosa...servirá de puesta en valor de la actuación artística siendo ésta la que posibilite una atención y percepción singular del lugar.

Rocas mágicas, huevos 'primigenios' o geometrías puras de acero lacado tomarán coherencia en estos emplazamientos. «El escenario es una necesidad espiritual y metafísica del hombre», asegura.Y es que todos los elementos escultóricos servirán para abrir vías de reflexiones y sensaciones.

Urbanización

La actuación será objeto de tratamiento blando y toda la urbanización del ámbito se limitará a una calle que, perfectamente integrada en el circuito, permita una visita cómoda a todo el ámbito con libre acceso «pisando hierba». Algunas esculturas, por su naturaleza habitable, tendrán acceso directo desde el camino practicado. En un principio y a falta de informe técnico se estima que el 90% del trazado será de acceso cómodo, incluso a discapacitados.

La zona de servicios observará un tratamiento más duro que garantice perdurabilidad y confort, aunque todo ello será estudiado junto con el edificio que recepcionará el parque. No obstante, el mobiliario y cualquier elemento del parque será de diseño singular y totalmente integrado en la actuación general.

La configuración del parque respetará su estado natural actual y tan sólo se practicarán las obras de anclaje necesarias para las esculturas, con posterior restitución de terreno a su estado anterior. Y es que es de vital importancia, ya que no se pretende con la actuación «domesticar» el paraje que, en su estado actual, ofrece un potencial muy significativo. Tampoco se entiende el ámbito como mero espacio soporte para la colocación de una colección de esculturas, sino que se pretende que estas esculturas sensibilicen el espacio produciendo un estímulo en el paisaje en la idea de la búsqueda de un todo coherente y singular, de un espacio único.

Los objetos artísticos que se alojarán en el lugar estarán fuertemente vinculados con la naturaleza del mar y la del hombre, ofreciendo incluso transparencia aquellas que se confrontan con el horizonte, en una clara intención de respeto por el paisaje y significación del mismo. De ahí que las densidades, masas y tamaños serán estudiados en base a una adecuación con el lugar y con el impacto emocional.

Las instalaciones, todas ellas habitables, escaparán a una única lectura contemplativa y facultan otra, mucho más perdurable e intensa, de lugares experimentados y vividos, con lo que se garantiza un recuerdo imborrable en los visitantes.

También se estudiará el itinerario para ofrecer una lectura sinfónica del parque. Por eso, todas las actuaciones irán fundamentadas en la puesta en valor del parque y del paisaje y no en el mero lucimiento estético de las diferentes unidades.

Recorrido

La duración del recorrido del Parque de Esculturas del Faro de Ajo se estima desde dos a unas tres o cuatro horas, lógicamente dependiendo de la motivación del visitante, que obtendrá una experiencia única de arte y naturaleza. El itinerario tendrá además el valor añadido de la galería, espacio multidisciplinar, donde el visitante encontrará una exposición de calidad. El calendario expositivo de la galería estará marcado por los requerimientos culturales de Cantabria, aunque también se podría orientar la vocación de la sala en la especialización de la obra referente al land=art, earth=arte y arte público en general. El visitante podrá disponer también de un pequeño espacio donde se proyecten vídeos y material documental del proyecto del parque y de cada una de sus obras. La vocación del proyecto es claramente mundial por lo que se habilitarán recursos de documentación en los principales idiomas.

También se ha proyectado una tienda que ofrecerá material de calidad. La naturaleza de estos objetos puede ser obra gráfica, libros, símil de diseños del parque, así como una escogida muestra de las singularidades culturales de Cantabria.

La recepción del parque servirá como oficina de turismo local previa formación de sus trabajadores. El Parque de Esculturas del Faro de Ajo contarán también con un aula de docencia para inculcar el amor por el arte y la naturaleza.

«El hecho artístico ayuda a no caer en el desaliento»

2010-06-15T12:37:00.000+02:00

Guillermo Balbona | El Diario Montañés

Una instalación, que profundiza en su poesía visual y su reflexión creativa, abre la temporada del Observatorio del Arte

De secretos, tacto, lágrimas y escamas está hecha la paciente arquitectura plástica y poética de Yolanda Novoa. Su creación es una de la referencias artísticas más sólidas, reflexivas, sensitivas y maduras que revela el arte cántabro del presente. Con pasos necesarios y pausas ajustadas, se rodea de las atmósferas e imágenes que le dictan un trabajo laborioso y una estética cargada de conocimiento.

Sus 'Secretos en el ático del alma' habitan ya en el Observatorio del Arte, en el Ecoparque de Arnuero, en una muestra que abre la temporada más femenina del espacio expositivo. Novoa, riguorosa y coherente, suma su miscelánea de pasión y fragilidad a una trayectoria que en los últimos cinco años ha crecido en dimensión creativa y en comunicación estética.

Tras aportar su hallazgo a la reciente exposición colectiva sobre el libro de La Vidriera, la artista firma esta instalación inaugural que, en palabras del también pintor y agitador cultural Jesús Alberto Pérez Castaños, «la construyen creaciones edificadas tras una elaboración ardua y paciente, dispuestas para investigar la pureza original del acto artístico».

-¿Cómo define esta obra para Arnuero, la cual plantea ya de antemano bajo un concepto de instalación?

-Desde el primer momento concebí la sala del Observatorio del Arte de Arnuero para plantear una exposición unitaria, con un sentido global. Es un lugar adecuado para jugar con el espacio, para elaborar una obra singular marcada por el entorno: desde el encuentro con la naturaleza hasta la injerencia de las campanas de la Iglesia de la Asunción.

-Es clara la evolución y el cambio de los últimos años en su obra. La mutación ¿reside en el vínculo con los materiales, o es fruto de un proceso de búsqueda constante?

-El material te regala las posibilidades, abre caminos, se elige en función de su idoneidad en un momento dado. En estos últimos años es la transparencia, la relación, superposición e interrelación entre las formas. Mañana puede ser piedra o aire. Pero aunque el material ayuda, no puede crear en sí mismo, sin un proceso de constante trabajo y de búsqueda. Al principio solo empleaba la pintura y el lienzo pero con el paso del tiempo, las nuevas experiencias y el conocimiento de otras disciplinas, introduzco en las obras pequeños elementos, a modo de collage, que se van ampliando hasta salirse del soporte tradicional para llegar a abrazar el espacio.

-A veces da la sensación de que el arte ha perdido territorio íntimo, secreto, de que todo roza el exhibicionismo banal.

-Realmente existe mucho exhibicionismo en el mundo del arte pero no más que en el resto de cualquier actividad social. Por otra parte, sin embargo, durante los últimos años venimos asistiendo a un desarrollo cada vez más interesante del territorio íntimo, que tiene lugar sobre todo a partir de la autoría femenina. Creo que la aportación de la mujer es fundamental en este sentido, ya que ha superado el prejuicio a la hora de descubrir esa sensibilidad inherente al género que tradicionalmente venía siendo reprimida.

-En sus creaciones hay un afán de escritura poética. ¿Considera el hallazgo estético un certificado de personalidad artística?

- Al igual que la poesía, mis obras requieren en principio un mínimo esfuerzo por parte del espectador para disfrutar de todos los matices puramente plásticos. Pero, más allá de la impresión visual, intento llegar a la reflexión a través de los sentimientos.

-Pintura, imágenes digitalizadas, collage.Utiliza medios de hoy pero sobre todo guiños clásicos, alusiones al arte como terreno imperecedero. ¿Cómo es el proceso de trabajo, y hasta qué punto los materiales la conducen a la expresión de lo que pretendía, o la experimentación con ellos permite el camino a la inversa?

- Utilizo la imagen digitalizada de esculturas neoclásicas porque encuentro en ellas y en todo ese movimiento artístico una belleza contenida a la vez que muy contundente, muy cercana a la perfección. También porque la mayoría hacen referencia a la mitología clásica, es decir, a las raíces del arte europeo. Considero que este tipo de imagen, de alguna manera, me ayuda a concretar algunos de los matices del alma que quiero expresar en la obra; los pequeños secretos son una parte de ese laberinto tan complejo.

-Se sitúa en el 'Observatorio del Arte', y ¿qué ve?

- Un espacio íntimo, femenino y delicado. Un sueño hecho realidad.

-Jugando con uno de sus títulos como referencia, ¿el arte es el 'jardín de sus delicias'?

- Sin lugar a dudas. Me considero una privilegiada por tener la oportunidad de amar, conocer y poder transmitir el arte. En una sociedad tan injusta, intolerante y descarnada, el hecho artístico me ayuda a no caer en el desaliento.

-¿Qué radiografía traza del panorama artístico en Cantabria?

-La región tiene un amplio abanico de autores de primera fila, a nivel local e internacional. Históricamente, el artista ha sobrevivido gracias a los mecenas y a los reyes; actualmente vive (o debería hacerlo) gracias a las galerías y a las instituciones. En el primer caso, en Cantabria, existen una serie de galerías que cumplen su función; en el segundo, se puede criticar la política de ayudas y promoción, en unos casos por su escasez y en otros por sus planteamientos acomodaticios.

-¿Qué lugar reclama para el arte en la sociedad actual?

-El que le ha correspondido siempre. Es la huella que verdaderamente autentifica la esencia de la humanidad.

Paisajes urbanos en el CC Dr Madrazo

2010-06-15T12:21:00.001+02:00

El Centro Cultural Doctor Madrazo, ubicado en la calle Casimiro Sainz, acoge durante el mes de junio la obra de la pintora cántabra María Alvarado Fontecha (Santander, 1981). La muestra está formada por treinta obras en las que Santander ha servido de inspiración para la mayoría de ellas. Podemos ver una gran variedad de marinas (La Bahía, Playas del Sardinero, Cabo Mayor.), y paisajes urbanos (Mercado de la Esperanza, Plaza Mayor de Reinosa.) en las que la artista nos muestra su dominio del color tanto en acuarela, como en óleo o acrílico. Esta es la primera exosición individual de la santanderina

Algo está sucediendo en Santander

2010-06-14T17:11:00.000+02:00

Hace tan solo cinco años solamente había 6 o 7 galerías que se erigían en pioneras de la vanguardia incipiente, luchaban contra una ciudad adormecida que enviaba a sus creadores lejos y donde el progreso venía también de fuera como algo que se muestra a través de cajas de cristal llenas de mágia o como ensoñaciones nocturnas.

Algo de todo eso parece que está cambiando, desde el día que me topé con una serie de frases, sin pretensiones, pero muy agudas unas, otras más ácidas y otras románticas. Frases como "la belleza está en tu cabeza" o "deja que tu cuerpo se acostumbre a mi calor", etc. escritas a tiza para no estropear la propiedad. Desde que se crearon espacios para generar ideas, centros de interpretación, lugares para exposición, gente que interviene la calle para comunicarse y sobre todo, que esta labor no se quede en el anonimato, por medio de becas, ayudas y subvenciones. Pero lo más importante es el núcleo de individuos a los que les interesa vivir en esta bella ciudad que besa el mar tranquila , donde no todo el mundo tiene prisa, para hacer de ella un lugar para la cultura y la participación ciudadana.

En esto estaba yo el pasado jueves configurando una parrilla de horarios con los que poder acudir las diferentes citas que se habían conformado el mismo día en la ciudad, y claro, me resultó imposible acudir a todas, porque la variedad era tal, que hubiera necesitado dos o tres cuerpos para presentarme en todas. Las fiestas de San Antón en el Rio de la Pila, con 4 o 5 conciertos dispuestos en los distintos locales de la calle, la Tienduca, Living Room, Pila, el 1900, etc. La inauguración de la muestra de Enrique Gambarte en el Barolo, la inauguración de Santiago Casar, La caverna de la luz con Bruno Ochaita, el teatro de los sueños de Isidro Ayestarán en Zeppelin e intervenciones diversas en el Retros, Rokambole, La expo de vinilos curiosos, la presentación del San Miguel in festival, etc. El fin de semana no fué mucho menos con las inauguraciones en De Sol St., Juan Silió y La pared azul, aparte de otros multiples eventos y conciertos. El caso, es que cada vez son más los puntos de encuentro donde la cultura fluye y se aparece; con más de 30 muestras por mes, más de 50 conciertos, espectaculos, teatro o intervenciones de mayor o menor calado también por mes y la creación de múltiples asociaciones culturales como Sol cultural, El rio suena, Espacio imagen, Desvelarte, etc. Creo que estamos en disposición de decir que algo está sucediendo en Santander, y es bueno.

Fotografía de Jorge Cembranos en La Pared Azul. Domingo

2010-06-11T19:28:00.000+02:00

El próximo domingo, 13 de junio, se inaugura la cuarta entrega de La Pared Azul. Después del paso por este espacio fotográfico alternativo de Pablo Hojas, Araceli Gedack y Majo García Polanco (en este caso, incluida dentro del festival Foconorte), le toca el turno ahora al fotógrafo Jorge Cembranos (León, 1973), residente en Cantabria desde el año 1995.

De formación autodidacta, sus comienzos en el mundo de la fotografía tienen lugar a finales de los años noventa de la mano del fotógrafo Pablo Hojas, con quien colabora en diversos talleres y seminarios en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (2004, 2008 y 2009), así como en las cinco ediciones de Polientes Foto (2006-2010). Entre 2004 y 2008 mantiene un estudio en Torrelavega e inicia su actividad profesional, especializándose en fotografía industrial y publicitaria. En 2008 crea en Santander, junto a Pablo Hojas, la Escuela de Fotografía Studio’27, donde actualmente imparte cursos de fotografía digital y tratamiento de la imagen.

Entre sus últimas exposiciones individuales cabe citar “S/T. Serie Luz” en la Sala Bretón de Astillero (2007), “Emparedados” en el Taller de Fotografía Roales de Santander (2008) y “Ciudades” en Del Sol St. Art Gallery de Santander (2010). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en galerías y centros de arte de Santander y Cantabria, y en proyectos como Photolatente en el Centro Nacional de Fotografía de Torrelavega (2006) y en los Fotoencuentros de Murcia (2008); en varias ediciones del Festival de Fotografía y Vídeo Foconorte, o en las ferias internacionales de arte contemporáneo ArteSantander (2007), ForoSur de Cáceres y Arte Lisboa (2008 y 2009) con Del Sol St. Art Gallery. Además, durante los meses de junio y julio de 2007 y 2008 documentó, junto al fotógrafo Ángel Colina, la expedición de la Ruta Quetzal.

Su obra forma parte de los fondos de la Colección Norte del Gobierno de Cantabria, así como de varias colecciones privadas y ha mostrado su trabajo en diversas publicaciones de ámbito regional y nacional. Entre 2006 y 2007 ejerció como director de fotografía de la revista Zona Vip.

Para esta ocasión, presenta una pieza cuadrada (de 40 x 40 cm, impresión Lambda siliconada bajo metacrilato) que forma parte de una de sus más recientes series: “De Dentro” (2009). Enmarcada dentro del género de naturaleza muerta o bodegón, se trata de una impactante imagen de impecable factura técnica, llena de connotaciones, simbologías y riqueza de significados.

La Pared Azul es un proyecto de difusión de la fotografía contemporánea que se desarrolla en la ciudad de Santander y que intenta ser un lugar de encuentro entre fotógrafos de diferentes generaciones, donde tengan cabida tanto fotógrafos consagrados como artistas emergentes que estén echando a andar sus primeros proyectos.

Las personas interesadas en participar en el proyecto o en recabar más información al respecto pueden escribir a laparedazul@gmail.com o navegar por la web http://www.raul-lucio.es/.

La Pared Azul se encuentra en el restaurante Sal y Pimienta de Santander (Guevara, 26), junto al Río de la Pila. La inauguración de la muestra será a las 13:00 h. Se podrá visitar durante los meses de junio y julio, de jueves a domingo en horario de tarde.

La asociación Espacio-imagen ya tiene sede

2010-06-11T19:18:00.001+02:00

¡Estamos de enhorabuena! Ya hay sede oficial para Espacio Imagen. Como habíamos adelantado, se trata del Mercado de Miranda, en el Paseo de Canalejas, que amablemente nos cede el Ayuntamiento de Santander; un edificio recién rehabilitado, amplio y luminoso, donde se podrá desarrollar gran parte de las actividades de la asociación. Estamos encantados con el sitio y queremos que lo conozcáis. La presentación en sociedad de la nueva sede será el próximo jueves, 17 de junio, a las 20:00 horas. Allí hablaremos de los nuevos proyectos y os haremos algunas propuestas concretas para invitaros a participar intensamente en Espacio Imagen

Espacio Imagen.

Asociación Cultural de Fotografía y Vídeo de Santander

Paseo de Canalejas, 85

Santander

espacio_imagen@hotmail.com

Taller de fotografía en Movimiento los próximos 24, 25 y 26 de junio. Sol Cultural

2010-06-11T19:13:00.000+02:00

"La casa del mediodía" de Francisco Suárez en Juan Silió

2010-06-11T18:51:00.001+02:00

Francisco Suárez (León, 1965) vuelve a mostrar su trabajo en la Galería Juan Silió, bajo el título “La casa del mediodía”. Este artista, cuya obra ya ha sido expuesta en la galería en los años 2005 y 2007, nos presenta en esta ocasión sus últimas pinturas, todas fechadas en el presente año, en las que sin duda se observa un giro en su trayectoria.

En primer lugar, resulta muy evidente que hay un regreso al color y a la luz, que habían sido arrinconados en los últimos años. Ha dado por terminada una etapa introspectiva, silenciosa y nocturna y ahora se entrega sin reservas a la luminosidad, a los contrastes violentos y a la brillantez del color. Hay en estas obras una energía vital puesta en el acto de pintar que contagia al espectador.

Además, si las pinturas anteriores se caracterizaban por estar construidas de un modo riguroso, mediante líneas verticales y horizontales, en éstas que ahora presenta hay una libertad mucho mayor en la construcción y se incorporan al cuadro toda clase de elementos, líneas diagonales, curvas, campos de color e, incluso, formas con claras connotaciones figurativas.

Pero hay otro cambio significativo. En estas obras reaparece la huella del artista, el trazo, la pincelada si se quiere. Y esto supone ciertamente una novedad porque en su trabajo anterior -durante la última década, incluso- existía un verdadero empeño en conseguir que la mano, la gestualidad, desapareciese de la superficie del cuadro, es decir, que pareciese que la obra se hacía sin la intervención directa del artista. Éste permanecía siempre oculto tras la geometría y el azar, que eran quienes en última instancia determinaban la apariencia final de la imagen.

Por el contrario, en esta nueva etapa ese distanciamiento ya no existe. El autor reaparece en la obra y lo hace como un pintor en el sentido más tradicional –por qué no decirlo-, construyendo la pintura, distribuyendo el color, creando tensiones, texturas, y en fin, disfrutando de la pintura para hacer disfrutar de la pintura.

En cualquier caso, no debemos pensar en una ruptura radical ya que, a pesar de todas estas novedades, se sigue apreciando el sello inconfundible de este artista. Muchos de los elementos característicos de su pintura siguen presentes, pero en estos lienzos se les suman otros con una libertad, una fuerza y una alegría que seguramente eran desconocidas hasta ahora en su trabajo.

Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, Francisco Suárez se ha convertido en asiduo de certámenes como la Mostra Unión FENOSA, el Certamen de Pintura de la UNED, la Bienal de Zamora y los Premios Bancaixa (2001, 2002 y 2004). Premio L’Oreal en 2004, ha participado en ferias como ARCO, ArteSantander o ArtSalamanca y fue uno de los participantes en el Taller de Pintura organizado por la Fundación Botín en la finca Villa Iris y dirigido en 2004 por Juan Uslé. Su obra se encuentra presente en el Museo del Grabado Español Contemporáneo y en las colecciones de Arte Contemporáneo de la Universidad de Salamanca, la UNED en Madrid, la Diputación de León y las Caja España y Caja Duero. Recientemente su obra se ha incorporado a la prestigiosa Colección Arte Contemporáneo, que alberga el Museo Patio Herreriano de Valladolid y en 2008 el Instituto Leonés de Cultura le dedicó una amplia exposición en la que se recogía su trayectoria de los últimos años.

FRANCISCO SUÁREZ

León, 1965.

Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca.

Exposiciones individuales

2010 La casa del mediodía. Galería Juan Silió, Santander.

2008 Pinturas 2001 / 2008. Sala Provincia, León. Enmudecer. Galería Vértice, Oviedo. Confidencias. Escuela de Arte de Mérida.
2007 Viaje a las flores. Galería Juan Silió, Santander.
2005 Galería de Arte Fernando Silió, Santander.
2003 Centro de Cultura Antiguo Instituto, Gijón.
1999 Endecha para la Trinidad. Auditorio Carmelo Gómez, Sahagún. Las estancias. Junta de Castilla y León, León.
1997 Palacio de Garci-Grande, Salamanca.
1994 No hay escondites. Casa de las Conchas, Salamanca.
Exposiciones colectivas
2009 Art Salamanca'09, Galería Juan Silió. Arte Lisboa, Galería Vértice. Enlaces + Cuatro. Museo Patio Herreriano, Valladolid. ArteSantander, Galería Juan Silió. Art Madrid, Galería Vértice.
2008 Arte Lisboa, Galería Vértice. Arte Lisboa, Galería Juan Silió. Galería Vértice, Oviedo. ArteSantander, Galería Juan Silió.
2007 Galería Vértice, Oviedo. ArteSantander, Galería Juan Silió. Aspace. Galería de Arte Fernando Silió, Santander.
2006 ArteSantander, Galería de Arte Fernando Silió. Galería Vértice, Oviedo. Art Salamanca'06, Galería de Arte Fernando Silió.
2005 Galería Vértice, Oviedo. ArteSantander, Galería de Arte Fernando Silió.
2004 En el rayo verde. Espacio Zuloa, Vitoria. VIII Mostra Unión Fenosa. MACUF, A Coruña. Galería Vértice, Oviedo. XIV Certamen de Artes Plásticas de la UNED. Casa de Velázquez, Madrid. XXXI Premio Bancaixa. IVAM Centre Julio González, Valencia. ARCO’04, Galería La Nave, Madrid. VI Bienal de Estella-Lizarra. Museo Gustavo de Maeztu, Estella-Lizarra.
2003 V Premios Ángel de Pintura. Alcázar de los Reyes Cristianos, Córdoba. XX Certamen de Pintura Concello de Cambre, A Coruña. Galería La Nave, Valencia. Galería Vértice, Oviedo. XIII Certamen de Artes Plásticas de la UNED. Casa de Velázquez, Madrid.
2002 Galería La Nave, Valencia. XVIII Premio L’Oréal. Centro Cultural Conde Duque, Madrid. Galería Vértice, Oviedo. XII Certamen de Pintura de la UNED. Casa de Velázquez, Madrid. XXIX Premio Bancaixa. IVAM Centre Julio González, Valencia
III Bienal “Rafael Botí”, Palacio de la Merced, Córdoba.
2001 Galería Vértice, Oviedo. VII Mostra Unión Fenosa. Estación Marítima, A Coruña. XXVIII Premio Bancaixa. IVAM Centre Julio González, Valencia. XI Certamen de Pintura de la UNED. Casa de Velázquez, Madrid. XV Bienal de Zamora.
2000 XVII Certamen de Pintura Concello de Cambre, A Coruña. Galería Vértice, Oviedo.X Certamen de Pintura de la UNED. Casa de Velázquez, Madrid.
1999 VI Mostra Unión Fenosa. Estación Marítima, A Coruña. IX Certamen de Pintura de la UNED. Casa de Velázquez, Madrid
1998 XIV Bienal de Zamora.
1996 Museo del Grabado Español Contemporáneo, Marbella.
1995 Grabado Leonés Contemporáneo. Sala Provincia, León. Caja España, León. Itinerante con Félix de Agüero.
1994 Reencuentro. Sala Provincia, León.
1990 Obra Gráfica. Casa Lis, Salamanca.
1989 II Bienal de Amberes.
1986 VII Bienal Provincia de León. Tootaal. Edificio Pallarés, León.
Colecciones
Colección Arte Contemporáneo. Museo Patio Herreriano, Valladolid.
UNED, Madrid.
Universidad de Salamanca.
Diputación de León.
Caja España.
Caja Duero.
FREMAP, Madrid

Abanicos, piezas únicas en galería 10 de Torrelavega

2010-06-11T18:25:00.001+02:00

Del 11 de Junio al 15 de Julio la galería 10 ofrece la muestra de abanicos pintados a mano por diferentes artístas de la región como Vanesa Amutio - Paco Díaz - Fran Herreros - Teresa Pineda - Paula Sanpelayo.
G A L E R Í A R Í O 1 0
T o r r e l a v e g a ( C / P i n t o r M o h i no s 4)
Horario de 19:00 a 21:00 de Lunes a Sábado

Límites de Santiago Polo en Del Sol St. hoy viernes 11 junio

2010-06-11T16:35:00.000+02:00

En numerosas ocasiones se ha hablado del tiempo ―o, incluso, de los diferentes tiempos― que la pintura genera y posee. Al igual que el hecho pictórico tomado en sí mismo ―y ello en función de las técnicas, procesos y materiales concretos empleados en cada caso― reclama un tiempo propio de ejecución que no puede ser vulnerado si es que no se desea actuar en contra de su fisicidad, la lectura de cada obra también desencadena una temporalidad determinada. De este modo, si el hacer de la pintura ―es decir, si su pensar― se ajusta a un tiempo concreto, la observación de la misma también propicia la aparición de temporalidades diversas que surgen en relación con la duración de la mirada, una duración que ―convertida en diálogo de intensidades― afecta al tiempo en tanto que lo vulnera. La mirada, por consiguiente, se desentiende del tiempo desde el instante en que se sitúa no fuera, sino al margen del mismo, es decir, desde el instante en el que el hecho de mirar suscita una temporalidad autónoma que no se desarrolla linealmente, sino como expansión multivectorial.

Ahora bien, cuando aludimos a la temporalidad de las pinturas de Santiago Polo no sólo nos estamos refiriendo a estas cuestiones. La especificidad temporal que aquí se nos revela responde a una peculiaridad derivada del propio soporte translúcido utilizado para la pintura. En este sentido, el vidrio sobre el que se van superponiendo las distintas capas pictóricas que integran las obras, permite una lectura secuencial de cada una de las caligrafías que configuran la escritura de estas piezas. En todas estas pinturas podemos, por ello, seguir el paso de su crecimiento y desarrollo, es decir, leer ―de manera casi arqueológica, sedimento por sedimento― la disposición temporal seguida en cada signo y en cada frase. Una disposición mediante la cual la pintura se define como escritura de un desarrollo temporal que entrelaza su propio tempo con el transcurrir en intensidad del nuestro.

Desde esta perspectiva, la pintura muestra el despliegue de sus superposiciones y el registro de su propia escritura. De ahí que veamos en su resultado los diversos momentos que integran el proceso seguido. Un proceso que supone la constatación de un lenguaje cuyo texto surge simultáneamente como aportación sincrónica ―la pintura que observamos― y como presencia diacrónica ―la obra como documento de una trayectoria discursiva a la que accedemos―. Pintar, tal y como venimos repitiendo, conlleva un pensar que, en el presente caso, deja al descubierto sus requiebros y meandros. Con todo, habitar ese pensar supone hablar y escuchar desde un ámbito específico: el mismo que posibilita que el tiempo tropiece ―aunque sólo sea débil y fugazmente― con la intensidad.

Exposición audiovisual del V Polientes Foto

2010-06-11T15:37:00.000+02:00

100 Fotografos muestran sus obras gracias a la obra social Caja Cantabria, en el Centro de Educación Ambiental de Polientes pertenecientes al taller Polientes Foto 2010 que tuvo lugar el pasado mes de febrero con padrinazgo de Pablo Hojas.

Victoria Civera Atando el cielo en el Centro de Arte Contemporaneo de Malaga

2010-06-10T02:24:00.000+02:00

Joaquín Besoy exhibe en Torrelavega su visión lebaniega del arte

2010-06-08T16:10:00.000+02:00

J.S. Torrelavega | El Diario Montañés

El pintor lebaniego Joaquín 'Quino' Besoy inauguró ayer tarde una nueva exposición de su obra en la Casa de Cultura de Torrelavega, que se prolongará hasta el día 18 de junio, en horario de 19 a 21 horas.

La exposición está formada por 24 obras, en su mayoría paisajes de Liébana y de los Picos de Europa, aunque también figuran algunas marinas y lugares emblemáticos de Santander.

Quino Besoy, un paisajista puro, ajenos a las modas, plasma en sus lienzos su profundo conocimiento de la belleza natural de Liébana y de los Picos, a los que él permanentemente se acerca en todas las estaciones del año para tomar apuntes o proyectar sus cuadros en los que se conjugan los colores, las luces y la niebla por donde se asoman mágicamente los rasgos de las altas montañas de piedra caliza o de los pequeños pueblos diseminados por los valles.

El viaje pictórico hacia el 'sí mismo'

2010-06-08T16:03:00.001+02:00

M. San Miguel | El Diario Montañés
La Galería Espiral de Meruelo expone hasta el 17 de julio la propuesta del pintor cántabro, que experimenta con el dinamismo de los gestos .Ricardo González reinventa los rostros en 'Psicorretratos robot'.La representación de un 'sí mismo', inmiscuido por la tela como espejo del autor, es el viaje que el pintor cántabro Ricardo González plantea al espectador de las obras que componen su última exposición, 'Psicorretratos robot'. La Galería Espiral de Meruelo propone hasta el 17 de julio esta retrospección en la que la obra del joven creador cántabro apuesta por la tensión entre identidad y alteridad.

Este juego, «acaba convirtiendo la relación en un ente abstracto que se presenta adoptando nuevas formas y soluciones en cada pintura». Para conseguirlo recurre a ese espacio interfacial, que ya comentara Peter Sloterdijk en su libro 'Esferas', donde las soluciones plásticas de un género tan desatendido como es el retrato actual «deben venir no tanto de la factura que responde al parecido, sino mas bien de los recursos que atienden a aspectos psicológicos-fisonómicos, lo que nos lleva a la inaccesibilidad fiel de la representación abriéndose, en cambio, el extenso campo experimental de la transmisión aurática».

El rostro, según la aceleración a la que se expone, e incrementa cada vez mas en nuestra época postmoderna, no es algo fijo, de esto ya se dió cuenta Francis Bacon, pues va cambiando, se deforma, se esfuma...»Una imagen fija no puede darnos la idea del todo, de ahí la incompletitud que se muestra como reflejo de dicho fenómeno, fisuras por donde establecer conexiones que nos posibiliten un revelado de orden psicológico que nos transporte al mundo de la intangibilidad de las sensaciones».

Desde esta óptica conceptual, Ricardo González plantea un desarrollo técnico riguroso, cuidando la extensión de cada capa, para recordar en estas superposiciones, que la pintura actual es hija de su tiempo y por ello puede colaborar conjuntamente a esas nuevas tecnologías que nos rodean en nuestra vida diaria. Un término entre lo orgánico y lo digital, entre el caos y el orden, que le lleva a la creación de unos personajes sobrehumanos que, abandonando su naturaleza inicial, se van acercando poco a poco a una postura autómata inquietante.

Ricardo González García (Santander, 1976), es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y doctorado por la UCM. En la actualidad desarrolla su actividad desde su estudio en Reinosa. Desde 1999 ha participado en varias exposiciones individuales (Madrid, Zaragoza, Murcia,..) y colectivas. Sus siguientes proyectos pasan por la sala municipal José Hierro de Noja, donde expondrá este verano.

Además, estará presente en ArteSantander, con un stand individual en la sección Cotauno de la feria a final de julio, también con la Galería Espiral de Meruelo

Pintura comprometida en el Gran Casino Sardinero

2010-06-08T15:56:00.000+02:00

Las catástrofes naturales, la inmigración o la violencia de género son los ejes temáticos sobre los que pivota la propuesta pictórica de la artista cántabra Carmen Peláez Quevedo, que muestra la reflexión sobre estas cuestiones en la sala de exposiciones del Gran Casino Sardinero hasta el 17 de junio, en horario de 14 a 24 horas. Carmen Peláez ha recorrido una larga trayectoria en la que ha alternado el óleo y la acuarela, y ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Cantabria así como en diversas ciudades españolas.

'Dark Shadow', de Pablo Burgos, en la sala Mauro Muriedas

2010-06-07T11:52:00.001+02:00

El torrelaveguense Pablo Burgos expone sus últimas creaciones sobre el universo del sexo masculino en la sala Mauro Muriedas de su cuidad natal. Bajo el nombre de 'Dark Shadow', este joven artista exhibe su creación, fruto de sus años dedicado al estudio de la masculinioad gay. En su investigación como estudiante de doctorado en la Facultad de Bellas Artes del País Vasco revisó los diversos tipos de imágenes usados a lo largo de la historia para representar el cuerpo masculino. Hoy exhibe en la sala Mauro Muriedas sus propias ensoñaciones.
'Dark Shadow', su visión del sexo anónimo en sitios públicos. El autor, nacido en Torrelavega, explora el fenómeno del cruising, con obras de distinto formato, composición y procedimiento, así como una videoinstalación. La figura masculina es la protagonista de esta exposición, yuxtapuesta con retazos de paisaje con dunas, bosques, pasarelas ..., pero también de manera más metafórica con esquemáticos dibujos de laberintos que se solapan en la construcción de las escenas y problemas de geometría plana -ejercicios de tangentes- donde la recta, no se sabe si por necesidad o quizá por azar, consigue tocar al círculo.

La exposición, patrocinada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Torrelavega, presenta hasta el 27 de junio esta reflexión que «hace referencia a la soledad en la era de la información, a la vulnerabilidad de lo corpóreo o a la fragilidad de los sentimientos», asegura Pablo Burgos. «No pretendo hacer un discurso moral sobre la evidente soledad de la práctica sino que es una simple observación y lo que en realidad evoca»
«Los dibujos y pinturas de esta muestra reflejan esa preocupación por los principios físicos que nos rigen, que condicionan, si no determinan, nuestros comportamientos», dice al respecto Rita Sixto, profesora de la UPV/EHU, directora de la Tesis doctoral de Pablo Burgos y autora de la introducción al catálogo de la exposición. Burgos lleva años dedicado al estudio de la imagen de la masculinidad gay. En su investigación como estudiante de doctorado en la Facultad de Bellas Artes pudo revisar los diferentes tipos de imágenes que han tenido lugar a lo largo de la historia para representar el cuerpo masculino.

Santander recibe la mirada lúcida sobre Europa del fotógrafo francés Bernard Plossu

2010-06-07T11:47:00.000+02:00

El Palacete del Embarcadero muestra 50 imágenes en blanco y negro tomadas durante cuatro décadas en sus viajes por el viejo continente

Mario Cerro | El Diario Montañés

Una selección de medio centenar de imágenes en blanco y negro, tomadas por un icono de la fotografía europea, el francés Bernard Plossu (Vietnam, 1945), se inaugura esta tarde, a las 19.00 horas, en el Palacete del Embarcadero de Santander, donde permanecerá expuesta al público hasta el 4 de julio. Gracias a la Fundación Santander 2016, la muestra ofrece la particular visión sobre Europa de este fotógrafo a lo largo de cuatro décadas de incansables viajes por el viejo continente.

Su curiosidad extrema y permanente le ha llevado a fotografiar todos aquellos lugares por los que uno pasa y mira, pero no ve. No hay truco en las imágenes de Plossu: están tomadas con una sola cámara, con un objetivo de 50 milímetros y con película de sensibilidad 400 ASA, ingredientes que le permitieron capturar la imagen de forma similar a como lo hace el ojo humano. La vida que palpita en grandes ciudades como Berlín, Madrid o Lisboa, pero también la desolación de parajes perdidos por el continente europeo quedan recogidas en el libro y en la exposición, para los que ha realizado expresamente algunas fotografías de Santander, ciudad que aspira en 2016 a convertirse en Capital Europea de la Cultura.

En el libro que se ha editado para la ocasión, el fotógrafo demuestra las similitudes y las diferencias que existen en cada latitud, aunque convencido de que hoy, en sus propias palabras, «Europa es una nación sin fronteras. Viajo mucho por Europa por trabajo, de Polonia a Portugal, de Austria a Sicilia. Todo es muy diferente pero hay algo que me encanta enseñar a mis hijos, y es que todo este continente es su país ahora», dice el fotógrafo, afincado en Marsella tras una larguísima estancia en el Oeste de Estados Unidos.

«En fotografía estoy alerta todo el tiempo, de Czestechowa a Valencia, de Bruselas a Santander; me gusta hacer estas fotos que enseñan el mundo de hoy, de nuestra época. Mostrar las diferencias, claro, y las similitudes. Aquí somos por fin todos europeos, con la esperanza de que no haya guerras. Este es el gran cambio para las nuevas generaciones».

Premiado

Bernard Plossu fue galardonado con el Premio Nacional de Fotografía en 1998. Ese mismo año, el Centro Georges Pompidou de París le dedicó una retrospectiva, que también fue acogida por el IVAM en Valencia. Paco Salinas dice que si hay un fotógrafo viajero por excelencia, ese es Plossu: «Su espíritu nómada le ha llevado desde hace décadas a deambular por el planeta con el espíritu abierto y el ojo presto». Su formación es básicamente un viaje constante por el mundo y por diferentes culturas: de padres franceses, nace en Vietnam en 1945, estudia en París, y en 1958 viaja al Sahara con su padre donde toma sus primeras fotografías con una Brownie Flash.

En 1965, se marchó a México en compañía de una expedición inglesa para fotografiar la jungla de Chiapas hasta 1966. Realiza numerosos reportajes de los indios mayas, y en California recorrió todo el oeste americano, Nevada y el Medio Oeste. Su primer libro importante, El Viaje Mexicano, se publica en 1966. En 1970 realizó un trabajo sobre la India. En 1975 viaja a Níger, y desde entonces no hace más que fotografías en blanco y negro. De 1977 a 1985 vivió en México y de 1989 a 1992 en Andalucía.

La candidatura de Santander pretende ofrecer la particular visión sobre Europa de uno de los grandes maestros de la fotografía. La Fundación promueve también la publicación de un volumen con fotografías de otro gran maestro de la cámara, el español Jordi Bernardó.

Un centenario informatizado

2010-06-07T11:20:00.000+02:00

Juan C. Flores-Gispert | El Diario Montañés

Se han programado cursos de creación de imágenes con teléfono móvil, animación gráfica y escritura creativa y habrá exposiciones. El Mercado de Miranda se convierte en centro de nuevas tecnologías. Para los vecinos siempre fue 'la plazuca', el lugar donde se hacía la compra. «Había frutería, pescadería, carnicería... yo venía aquí con mi madre...lo recuerdo muy bien y eso que soy muy mayor. Estamos felices de que el edificio haya sido recuperado y sirva para uso del barrio y de los jóvenes» dijo ayer Ángel San José, presidente de la asociación Amigos de Miranda, cuyo fin es mantener viva la memoria de este barrio, camino de El Sardinero. San José participó ayer en la inauguración del restaurado mercado, junto con los jóvenes de la ciudad, que ofrecieron una performance, teatro, recitales de poesía y música.

El Mercado de Puertochico vuelve a la vida casi cien años después de su construcción, ahora recuperado por los jóvenes alumnos de las escuelas taller municipales, en una labor que ha consumido más de seis años, con sus correspondientes interrupciones entre curso y curso. Hoy luce mejor que el primer día. Los perecederos han sido sustituidos por mesas con ordenadores en los que los jóvenes podrán trabajar con las nuevas tecnologías. Además, según explicó el presidente de los Amigos de Miranda, en la sala se montará una exposición con obras de Eduardo Sanz, Enrique Fernández Criach y Roberto Orallo entre otros artistas que nacieron en este barrio.

Del antiguo mercado se conservan las cuatro paredes y las columna de hierro fundido y se le ha añadido una entreplanta que ha conseguido que puedan disponerse de 150 metros de superficie para la celebración de diversas actividades relacionadas con la creatividad y las nuevas tecnologías artísticas, según manifestaron el alcalde, Íñigo de la Serna, y el concejal de Juventud, Samuel Ruiz, en la inaugauración ayer de las nuevas instalaciones municipales. Con esta actuación el Ayuntamiento pretende poner a disposición de los jóvenes un nuevo espacio para el encuentro y la convivencia.

El mercado cuenta en la planta baja con una zona polivalente en la que se pueden montar desde muestras de fotografía y pintura hasta celebrar actuaciones musicales. En la planta superior se han instalado 24 puntos informáticos con accesso gratuito a Internet.

Ya se han programado dos cursos para las próximas semanas, uno sobre vídeo con teléfono móvil y otro sobre animaciones mediante imágenes. De cara al tercer trimestre habrá más cursos: audiovisual básico, diarios filmados, creación de maquetas, taller de escritura creativa y de animación gráfica.

Las instalaciones, cuyo horario de apertura es de 9.00 a 14.00 horas y de 16.00 a 21.00 horas, también se aprovecharán para hacer cursos de informática, Internet, etc.

El Mercado de Miranda será gestionado por Espacio Imagen-Asociación Cultural de Fotografía y Video de Santander (que dirige el fotógrafo Pablo Hojas) en colaboración con el Ayuntamiento. Su rehabilitación también ha supuesto la recuperación patrimonial de un espacio arquitectónico característico» de la ciudad.

En el mercado se han invertido 150.000 euros en dotaciones de empresas externas y el material y trabajo de la Escuela Taller. El mercado fue promovido por Ernesto Hervás en 1912, y el proyecto fue del arquitecto Emilio de la Torriente.

El extraño garaje en Siboney

2010-06-03T12:27:00.001+02:00

El próximo viernes 4 de junio tendrá lugar la inauguración de la muestra 'El Extraño garaje' en la santanderina galería Siboney. con obras de Arturo Prins, José Luís Serzo y Santiago Talavera.

http://www.galeriasiboney.com/primera.htm

Noticia de Marta San Miguel en el Diario Montañés

Tres de los artistas emergentes más singulares del panorama del arte contemporáneo firman una colectiva que se inaugura mañana viernes en Santander. Arturo Prins, José Luis Serzo y Santiago Talavera toman la galería de Castelar Siboney abre la puerta de su extraño garaje, mañana viernes, a partir de las 20.00 horas. Ese espacio que configura la visión políedrica y visceral de tres de los artistas emergentes más singulares en el panorama del arte contemporáneo español. Dos españoles, José Luis Serzo y Santiago Talavera, junto al argentino Arturo Prins, vuelven a unir sus talentos tras haber participado en varias exposiciones de grupo junto, en una especie de extensión creativa que emana del estudio que comparten: en mitad de la calle Manuel, en el corazón de Madrid, a pocos metros de la Gran Vía y la Plaza de España, encontramos el portón de un amplio garaje reciclado en la actualidad como estudio artístico por Prins, Serzo y Talavera.

En esa traducción sin espinas que hace inteligible su concepto artístico al público que visite desde mañana la galería de la calle Castelar de Santander, la exposición bien pudiera llamarse 'El extraño estudio'. Pero la singularidad de ese estudio, en el que ya desde el arranque de la rampa en curva que hay que bajar para llegar al espacio de trabajo propiamente dicho, el local aparece saturado de cuadros y papeles enmarcados vueltos de cara a la pared, bastidores y telas todavía sin empezar, y algún otro objeto de lo más variado. Es en este espacio de tránsito, que ellos utilizan de almacén, donde con frecuencia se encuentran algunas de sus mejores y más ambiciosas piezas, esperando pacientemente que vengan a buscarlas para su exposición o definitivo traslado en alguna colección privada.

El extraño Garaje, reúne trabajos recientes (Circo Prins, Cómo llegar a ser océano, Jugando con fuego...) de los tres artistas, con una clara vocación de transmitir sensaciones muy próximas a las anteriormente descritas. En el escrito de Óscar Alonso Molina para presentar la exposición, se alude al título inicial de la muestra. «Pensé que era un buen arranque para abordar cierto estrato común a la obra de estos tres artistas, reunidos por el destino en un céntrico garaje madrileño para desarrollar sus respectivos proyectos(...) Pero ahora, reconozco humildemente que en tan extraño estudio, el crítico, en última instancia y casi inevitablemente, no es más que el extraño en el estudio. Les dejo allí dentro y me retiro», concluye.

Guillermo Oyágüez en la galería 'Estela Docal'

2010-05-31T12:03:00.000+02:00

Guillermo Oyágüez Montero (Málaga 1970) vuelve a Santander. Esta exposición es la cuarta individual que realiza en la Galería Estela Docal, en la calle Peña Herbosa número 11. Su pintura se define como nueva figuración y expresa con intensidad el color de la naturaleza, alternando paisaje y mar dentro de un informalismo amable y a la vez extremo. «Su percepción visual puede ser muy analítica y pormenorizada, pero también esquemática», según la ha descrito el crítico González Cuasante.

Manuel Ortega presenta sus dos últimos cortos en la calle del Sol

2010-05-28T11:52:00.002+02:00

Todo lo que sucede en la calle del Sol es inverosimil. La cita, una premiere con los dos últimos cortos de Manuel Ortega Lasaga. El formato de presentación al más puro estilo circense, que solo en esta calle se prodría desarrollar. Con un fotocol con el Dolmen de fondo publicitario (precioso guiño al varias veces premiado director de El Legado, Julián Díaz que también visionamos anoche) y un entarimado de cajas de cerveza adecentadas con una tela adamasquinada. En el atril, el maestro de ceremonias Javier Collantes recomienda al joven autor y critica, que es su oficio, las bonanzas de lo que a continuación vamos a ver. A su lado, el lozano creador echa unas risas y llama a los 'actores' por medio de anecdotas, mientras los allí presentes jalean las aventuras del rodaje.

Joe en el Facebook

Graciosísima sátira acerca de las bonanzas y miserias de las tan populares redes sociales, donde todo es glamour de pastiche y falsas apariencias. Con estilo de monólogo de un solo plano medio corto, apenas segado por algunas imágenes sueltas, retrata perfectamente las frustraciones y ambiciones de un neofito 'facebookista', que proyecta sus fracasos sociales y la falta de contacto humano en la reina de los conectores de internet, facebook. Creo que Lasaga debería darle una vuelta más a esta perfecta pantomima, que le puede dar muchos frutos con mejoras técnicas, puesto que la idea es muy buena.

Still shot in Vietnam

Cortísima se nos hizo la siguiente cinta, más ambiciosa que la anterior y muy bien trabajada de luces y ambientación. Narra una anecdota de tantas en las guerras, donde unos soldados americanos tratan de obtener información sobre el paradero de las armas a un Vietcong. Excelente la elección de actores, aunque no podría llamarlos así, porque no lo son. Con buena presencia en cámara y muy buenas voces. La abientación y vestuario están muy logrados __imagino que no es sencillo llevar Vietnam a Selaya__ en palabras del própio autor. Con esa luz amarilla agobiante de la selva tan lograda, que recuerda clásicos del género como Platoon o La colina de la Hamburguesa, lo mejor de todo, la melodía del chico del banjo aportando surrealismo a la escena.

Las ciudades de Manuel Asensio en la sala del Casino

2010-05-27T12:51:00.001+02:00

Redacción | El Diario Montañés

El Casino de Santander acoge una muestra fotográfica de Manuel Asensio configurada por las principales series de sus ciudades. En Nueva York el creador salmantino, muy ligado a Cantabria, retrata un escenario que convierte en ejercicio reflexivo sobre el individuo y sus conductas. Las luces que visten las calles y edificios de Tokio, son protagonistas en movimiento, de una ciudad moderna en constante agitación. En el caso de La Habana, Asensio refleja a los habaneros que «tienen escasez material y tiempo de sobra para la imaginacición, para ver pasar la vida en sencillos escenarios de uso olvidado.
Hasta el 26 de Junio de 2010
Gran Casino del Sardinero

El 6 de Junio se presenta El Cuadrado mágico.

2010-05-25T15:21:00.004+02:00

El próximo 6 de junio y con motivo de los primeros 6 meses de andadura del blog SantanderArte os invitamos a asistir a la inauguración de un nuevo espacio expositivo en Santander.

“El Cuadrado mágico” Un lugar para la muestra de diferentes soportes, ya sean pinturas, grabados, collages, fotografía, etc. Dispuesto en un lugar único en Santander, el pub Stop en castelar, frente a Puertochico. El caracter informal de este nuevo recinto, lo hace especialmente interesante para todo tipo de propuestas, donde se valorará el interés de jovenes artistas de nuestra región, con menor capacidad para preparar una gran muestra en galerías profesionales, aunque el caracter sea completamente abierto a propuestas de otros lugares.

La primera exposición correrá a cargo de Tatto Cabrero con sus últimas obras en técnica mixta sobre tela, que nos acerca a un neoexpresionismo abstracto, colorísta y sin complejos.

El horario de visita se prolongará durante todo el mes de junio desde las 17:00h hasta las 3:00h.

La inauguaración tendrá lugar el próximo domingo día 6 de junio a las 19:00 h. Esperamos vuestra visita a la que estáis todos invitados.

La hija de Pablo Gargallo evoca al artista en la Fundación

2010-05-25T10:48:00.003+02:00

Guillermo Balbona | El Diario Montañés

La obra dibujística del escultor Pablo Gargallo es el eje de la singular evocación que ha convocado hoy la Fundación Marcelino Botín. Pierrette Gargallo, hija del artista, que viaja desde París para esta cita, y María José Salazar, comisaria de la exposición, protagonizan un recorrido muy personal y una visita guiada muy especial a la muestra de dibujos a través de las explicaciones de la comisaria, junto con los recuerdos y comentarios de la hija del artista sobre el proceso creativo de su padre. Además,será presentado el catálogo razonado con la investigación de Salazar sobre los dibujos de Gargallo.
Pierrette, hija del artista, que viaja desde París para esta ocasión, sumará recuerdos y comentarios sobre el proceso creativo de su padre, sus obras...El encuentro se convoca junto a los dibujos del artista que cuelgan en la sala de la Fundación santanderina. Una selección que puede verse hasta el 30 de mayo y que sirve de marco para presentar el catálogo razonado tras la investigación de Salazar. Desde 2007, ha recopilado, catalogado y comparado toda la faceta dibujística del genial escultor, lo que ha dado lugar al tercer catálogo razonado de Maestros del dibujo español que la Fundación Botín desarrolla bajo la dirección de Alfonso Pérez Sánchez. El catálogo razonado, de 1.160 páginas, incluye el escrito 'Miradas unidas por la escultura', de Jean Anguera Gargallo, nieto del artista; y el texto 'El dibujo como imagen íntima de la estética', de Salazar. Además se incluye la ficha de 461 dibujos, una síntesis biográfica, la relación de exposiciones de Gargallo, más su presencia en museos y colecciones y una selección bibliográfica. Los dos volúmenes estarán a la venta a finales de mayo en las dos sedes de la institución en las calles Pedrueca y Marcelino Sanz de Sautuola.
Fundación Botín C/ Pedrueca nº 1 20:00 h.

El CAC de Málaga revisará la trayectoria de Victoria Civera

2010-05-25T10:39:00.000+02:00

Guillermo Balbona | El Diario Montañés

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC) acoge desde esta semana y hasta bien entrado el verano una gran exposición dedicada a la creación de la artista cántabra Victoria Civera. La cita se celebrará desde este viernes, día 28, al próximo 29 de agosto. Lo racional y lo irracional es el tema central de la obra de la artista, compañera del pintor santanderino Juan Uslé.

El ámbito del trabajo escultórico de la artista es amplio e incluye todo tipo de materiales; zapatos, vestidos, todo un conjunto de piezas y objetos específicamente femeninos con los que la artista «reflexiona acerca del papel de las mujeres en las sociedades contemporáneas».

Civera (Puerto de Sagunto, 1955) ha logrado mantener, a lo largo de su ya prolija actividad, la expectación que rodea sus siempre fecundas exploraciones creativas. «Sin abandonar la pintura, o mejor haciéndola extensiva a otros soportes, se introdujo en el espacio tridimensional para magnetizarlo de colores y formas, de ideas e imágenes». La muestra del CAC subrayará la atención que la artista presta a los materiales y su potencialidad constructiva, capaz de proyectar todo tipo de inquietudes, más allá de la propia materialización de la obra.

Como pulsaciones, las obras de Civera se detienen momentáneamente en la pared, se esparcen por el suelo o crecen en el espacio, «sujetas a un desarrollo orgánico que sigue activo, trascendiendo sus formas». Telas, maderas, metales y plásticos, nobles y pobres acaban simultaneando sus posibilidades constructivas para dar vida a una imagen que tan pronto arranca de la infancia más perdida como proviene de una impresión última.

La creación de Civera, que ha experimentado con la fotografía, el fotomontaje y el happening, forma parte de la Colección Norte, como puede contemplarse en la muestra inaugurada ahora en la Biblioteca Central. Hace dos años una de sus obras fue destinada al cartel del Festival Internacional de Santander.

Las obras pictóricas y sus esculturas-objeto reflejan la continua búsqueda por parte de la artista de una poética diferenciada, que manifiesta su «conciencia femenina», como proyección de sí misma en cuanto a su condición de mujer. Entre la pintura y la escultura, Civera combina los «dos mundos» de su conciencia: el figurativo y el abstracto. Afincada en Saro, con estancias temporales en Nueva York, tiene en el círculo al elemento recurrente de su obra: Una «metáfora de lo que todos llevamos dentro», un «espejo en el que te reflejas, pero no te reconoces del todo», forma que asusta y seduce a la vez. Este símbolo además de su repetida representación gráfica, inspira el formato elegido para varias de sus obras. Tras sus inicios neoexpresionistas, Civera se pasó a la pintura de gran formato y comenzó a introducir elementos abstractos. Su pintura evoluciona hacia un plano más íntimo y a partir de los 90 se concentra en la escultura y las instalaciones.

Punsola acerca la huella de Blanchard en 'Alucinaciones'

2010-05-25T10:35:00.001+02:00

Guillermo Balbona | El Diario Montañés
Adolfo Fernández Punsola profundiza hoy en la iconografía de la pintora cántabra María Blanchard en la nueva entrega del ciclo 'Alucinaciones' del Museo de Bellas Artes de Santander. El encuentro, que tendrá lugar en la pinacoteca a las 19.30, está organizado conjuntamente por el Ayuntamiento de Santander y la Consejería de Cultura. 'Alucinaciones' está destinado a que diferentes personas del mundo cultural aborden una disertación sobre un tema que habitualmente nada tiene que ver con el artista y la obra elegida. La mirada de Punsola, su cultura y conocimiento, aproximan una visión e interpretación inéditas de Blanchard y su obra, en concreto de 'La comulgante'. Fernández Punsola, historiador del arte, modisto, diseñador y comisario de exposiciones (Cabezón, 1954), trabajó en el estudio de diseño de Miró y montó su propio taller en Cabezón. Ha colaborado con las más prestigiosas revistas de moda.

Ha expuesto sus creaciones e instalaciones en el Museo (1983), Cámara de Comercio (1990), Galería Índice (1993), caso de la gran instalación Cooperación, Mundo y Utopía (1999) en el Palacete del Embarcadero, y en la Galería El Cantil (2001), donde ofreció un montaje que simbolizó su despedida del mundo de la moda. Como comisario de exposiciones destacan las que dedicó a las fotos de Arnold Newman de Marilyn Monroe y Carl Sandburg (2002), la del fotógrafo César Lucas con imágenes de Ché Guevara en Madrid (2003) y Rommy Schneider (2006), y la más reciente Ocaña y los del Norte (Zoom, en Foconorte).

Blanchard realizó dos versiones de La comulgante, una en 1914, obra que alcanzó un éxito sin precedentes cuando se exhibió en el Salón des Indépendents, y otra la que se puede contemplar en el Museo santanderino del año 1923, lienzo que fue rescatado por el Museo hace dos años para que formara parte de la importante exposición monográfica que le dedicó a la pintora y sobre la que versará la intervención de Punsola.

Percebeland de Ana Álvarez Ribalaygua en Madrid desde el 27

2010-05-22T13:04:00.000+02:00

El próximo 27 se inaugura en Madrid una muestra de la artísta multidisciplinar Ana Álvarez. La santanderina ofrece contenidos multimedia y fotografías en una instalación bajo el título Percebeland.

Ana Álvarez aborda desde un amplio prisma multimedia el extenso mundo creatrivo en torno al percebe (Pollicipes). Homenajea, como ya lo hiciera Darwing, a una de las más emblemáticas y prehistóricas especies destacando su natural belleza. Todo un abanico de intervencciones creativas que incorporan la taxidermia y el video, a través no solo de de medios cásicos como la fotografía, la pintura y la escultura, para crear joyas, artefactos, auténticos perfiormances y sugerentes montajes. Toda una insólita instalación de este original mundo.

La inauguración tendrá lugar el próximo jueves 27 de mayo en la delegación del Principado de Asturias en Madrid a las 19,30 h. La muestra se prolongara durante el siguiente mes y hasta el día 27 de junio.

Para obtener más información sobre la artísta Santanderina, ver sus trabajos multimedia y saber más acerca de su obra podeis visitar el sitio web:

P E R C E B E L A N D

La muestra 'Al Norte' reúne a 17 ceramistas cántabros junto a autores asturianos

2010-05-22T02:24:00.003+02:00

La exposición 'Al Norte' reunirá desde el próximo martes a ceramistas de Cantabria y Asturias en Lugones.En la muestra expondrán sus trabajos y creaciones diecisiete ceramistas de ambas comunidades. De ellos, nueve serán talleres asturianos y ocho cántabros. La Agrupación Ceramistas de Asturias y el Colectivo de Ceramistas de Cantabria expondrán una selección de piezas de autor de ambas comunidades en la Casa de Cultura de Lugones. La muestra podrá visitarse hasta el 8 de junio. Podrán contemplarse más de una treintena de obras de cerámica de autor, muchas de ellas combinadas con otros materiales como hierro, vidrio, gres, cobre, cobalto, esmaltes metálicos, porcelana y madera.

Por parte de Cantabria se desplazarán a esta cita María José Aja (Somo), Rocío Blanco (Mogro), Amparo M. Godoy (Arce), Werner Hoehn (Oruña), Luisa Lizárraga y Alberto G. Rayón (Ruiloba), Manuel Fernández y Zani Fermart (Boo de Guarnizo), Jesús Fernández(Torrelavega) y Rafael Blanco (Torrelavega). Ambos colectivos aspiran a dar continuidad a esta iniciativa y no descartan que puedan sumarse otras agrupaciones de ceramistas de la zona norte.

La santanderina Demolden Video Project participa en la Feria LOOP de Barcelona

2010-05-22T02:23:00.000+02:00

La galería santanderina Demolden Video Project, por su dedicación en exclusiva al videoarte, y porque se muestra como un espacio expositivo que apuesta por el audiovisual y pretende mostrar formas de mirar distintas a las habituales, está presente este fin de semana en la Feria LOOP de Barcelona.

Desde su creación en 2003, LOOP se ha consolidado como un importante punto de encuentro internacional especializado en videoarte que atrae a Barcelona a un gran número de profesionales del arte contemporáneo. Una selección de vídeos de artistas de la galería de la calle Del Sol, bajo comisariado de Luis Bezeta, constituyen su tarjeta de presentación.

El espacio santanderino fue también elegido para participar en la Bienal de Cine Español de Annecy, Francia, que ha tenido lugar el pasado mes de marzo.

Además, dentro del programa Off Loop, se proyecta el vídeo 'Walking to de sol'», del binomio {vivimos del aire} = Bezeta + Plisotic', que han expuesto recientemente en la Galería Del Sol St.

DeMolden

Europa según Plossu

2010-05-22T02:13:00.003+02:00

Guillermo Balbona | El Diario Montañés

Una foto puede parecer hermosa y si tiene fuerza también ser muy poética, pero cuando está hecha con emoción, cada fotografía poderosa es una muestra de rebelión. Creo que no hay arte sin rebelión». El pensamiento del fotógrafo Bernard Plossu atravesará el arranque iconográfico del verano al protagonizar uno de los referentes del programa de la Fundación Santander 2016.

La vida como un viaje y la fotografía por la fotografía, las imágenes poéticas, el retrato de lo cotidiano invisible constituyen el itinerario trazado por la mirada de Plossu: un mosaico de rincones inadvertidos de Europa. Curiosidad, inquietud, viajes, cotidianidad se aúnan en este recorrido plasmado en una muestra y un libro.

En realidad un reencuentro con la obra de Plossu, que protagonizó hace más de tres años una exposición en Santander, en el Centro Cultural de Caja Cantabria, dentro del festival Foconorte. En su regreso se revela más personal, un reflejo de vivencias y periplos, tras ser invitado por la Fundación que dirige Rafael Doctor a revisar su archivo en busca de su particular visión sobre Europa.
El nuevo acercamiento a una creación nacida durante una de las trayectorias más intensas y atractivas de la fotografía en el mundo, se plantea en una doble propuesta: Santander 2016 publicará el libro que acompañará la muestra destinada al Palacete del Embarcadero, el espacio de la Autoridad Portuaria que cumple 25 años de actividad cultural. La Fundación, encargada de la candidatura de Santander a Capital Europea de la Cultura, ha invitado al maestro Plossu (1945, Vietnam) a revisitar su inmenso archivo de imágenes, captadas en sus viajes por todo el Viejo Continente durante los últimos cuarenta años. El fruto esencial de este trabajo de selección es el libro 'Europa', que verá la luz a través de Santander 2016 en colaboración con La Fábrica, «una mirada lúcida e inesperada a los rincones inadvertidos de la realidad europea a través de 248 fotografías en blanco y negro». La candidatura de Santander 2016 pretende con esta iniciativa ofrecer la particular visión sobre Europa de uno de los grandes maestros de la fotografía. A través de Plossu, uno de los creadores contemporáneos más importantes del lenguaje de la imagen y referente gráfico por la personalidad de su mirada, asoma siempre «su forma de ver la vida». Las fotografías de Plossu presentan un conjunto de miradas que se pasean por detalles poéticos y reflejos de viajes por la vida y el mundo en un itinerario por lo cotidiano absolutamente personal.

El fotógrafo de origen vietnamita, que antepone el ojo, el corazón y la mente a la cámara, asegura que «si una foto es atractiva, fuerte e inteligente, no puede ser convencional». Una obra que se traduce en ese viaje constante, «certificando una visión de los lugares elegidos por su mirada destinada a entender la vida y trazar una concepción del mundo». Emoción y calidad humanas, intensidad, intimidad de un creador en el que el mayor peso de su obra reside en los encargos de las editoriales y localidades que iba visitando y que le iban pidiendo fotografías sobre su visión personal de los sitios por los que pasaba. Fotógrafo viajero por excelencia, su itinerario visual reúne una cartografía de espejos del mundo. Misterio, profundidad y verdad, sus imágenes buscan siempre un fluido diálogo con el espectador que no puede sustraerse a su reconfortante influjo. La visión poética de la realidad de Plossu crea una emoción profunda e íntima y revela que todo tiene un sentido positivo y vitalista, que «a pesar de los momentos de desolación y soledad siempre hay un motivo para la esperanza, aunque aparentemente sea un momento sin importancia».

De su trayectoria y estilo se destaca cómo ha sabido ampliar la mirada poética visual «hasta el punto de lograr convertir cada imagen en un pequeño verso que suele vivir con la misma intensidad tanto en la copia que se cuelga como en la que se reproduce en las páginas de sus libros». El propio autor define la naturaleza de su trabajo como «realismo poético». Plossu, que a los 13 años descubrió el desierto en un viaje con su padre por el Sáhara, notó que el viaje mismo es la dimensión mayor de la fotografía: «cuanto más lejos se va, se encuentran más lugares a donde ir aún más lejos». Rafael Doctor considera que la grandeza de su trabajo reside en su simplicidad, «en su simpleza incluso, en ser capaz de lograr plenitud en una pequeña piedra, en una callejuela, en un rostro anónimo, en las sombras, en esa nada que normalmente no nos hace detenernos. Fotografía que trasciende y que nos hace valorar y apreciar el instante de toda situación». Desde las primeras y ya intuitivas tomas realizadas a finales de los cincuenta a la sombra de la cámara de su padre, «su precursor visual y uno de esos miles de fotógrafos sin nombre, pero gran fotógrafo», hasta las últimas fotografías, se suceden en su mirada: restos de viajes, escenas que nunca fueron mostradas, espacios íntimos, cosas y situaciones ya difíciles de recordar, pero que han resistido y que se ofrecen como nuevas».

Luchar para ver y ver para entender

Bernard Plossu «entiende una foto como una forma de posicionarse en el mundo». La visión de sus fotografías «es el pálpito de estar viviendo en ese momento, en esas circunstancias». Plossu ha sabido ampliar la mirada poética hasta el punto de saber convertir cada imagen en un pequeño verso que suele vivir con la misma intensidad en la copia que en los libros.

Nacido el 26 de febrero de 1945 en Vietnam Sur, Bernard Plossu se educó en París y vivió en México, Nuevo México (EE UU) y Almería.Las exposiciones más importantes vinculadas a su obra son la retrospectiva que le dedicó el Centro Pompidou, Musée National d´Art Moderne de París; 'The African Desert', en el National Museum of African Arts, de Washington en 1989; o las celebradas en San Diego, California, y en la sede de la Fundación Gulbenkian, de Lisboa, en 1993. En España la citas más notoria corresponden a la retrospectiva del IVAM de Valencia.
Su fotografía es hija del cine de la Nouvelle Vague de los 50 y los 60: «una manera de caminar con una cámara a la espalda y donde nadie sabe dónde está la magia, porque una foto es una foto y no hay truco». Siempre ha confesado que «la idea no es ser reconocido, sino luchar para ver y ver para entender». Un creador que descubrió desde muy joven, en sus años americanos y reflexionando sobre la obra de Corot, que «frente a una geografía sin límites sólo cabía hacer fotografías pequeñas».

El proyecto 'Espacio Imagen' logra un amplio respaldo y busca una sede permanente

2010-05-22T01:58:00.000+02:00

Guillermo Balbona | El Diario Montañés

La demanda reiterada de un centro de la imagen para Santander; la necesidad de aglutinar inquietudes creativas comunes de un amplio y muy diverso colectivo de creadores vinculados a la fotografía y el cine, especialmente; y el desarrollo de un proyecto conjunto en el que la creación, la formación y la exhibición se constituyan en pilares de futuro ya tiene su cauce: La nueva propuesta, bautizada como 'Espacio-Imagen, Asociación cultural de fotografía y vídeo de Santander'.

El amplio respaldo al proyecto de la agrupación, que convocó una reunión en el Casyc, convirtió una mera toma de contacto en una masiva respuesta de aficionados y profesionales relacionados con ámbitos muy diferentes del mundo de la imagen. El fin esencial: «favorecer la creación activa y la participación de la fotografía y de todos los demás campos artísticos en los que existan inquietudes». La búsqueda de una sede permanente, un centro que canalice los diversos proyectos formativos y expositivos, es el objetivo inmediato para lo cual el colectivo ya ha mantenido conversaciones con el Ayuntamiento de Santander.

Más de cien personas acudieron a la presentación de credenciales de una propuesta, cuya declaración de intenciones está presidida por la intención prioritaria de «crear un espacio de encuentro para todos los interesados en la fotografía, el vídeo, el diseño, la moda, los efectos especiales, empresas de carpas, sonido, estilismo, entre otros terrenos y elementos».

Fotógrafos, diseñadores, directores de cine, creadores del mundo del videoarte, profesionales de medios de comunicación, entre otros colectivos profesionales, asistieron a una velada que puso de manifiesto la existencia de un importante e inquieto movimiento tendente a plasmar un espacio estable de encuentros de la imagen y una asociación para el desarrollo de proyectos en común, exposiciones, producciones de foto y vídeo, charlas....

La nueva Asociación, como ya se avanzó, que ultima el desarrollo de su configuración administrativa y jurídica, está gestionada y representada por una Junta directiva, presidida por Juan Carlos Quintana de la Fuente,e integrada por Raúl Lucio, vicepresidente; como secretario, Álvaro Ramiro; y Rosario Ruiz Dávila, María Angeles Cayón Eguren, Jesús Sánchez Fernández, Álvaro Oliva y Gema Martínez Rodrigo. Los artífices de esta propuesta, que agradecieron la colaboración de la Concejalía de Cultura y de Caja Cantabria, impulsarán en las próximas semanas los proyectos principales de un colectivo amplio que contempla desde la organización de cursos, conferencias, proyecciones, exposiciones, fotoexcursiones, a prácticas de laboratorio e investigación de la técnica fotográfica, más edición de libros y catálogos, amén de la creación de un fondo documental y el intercambio con otras asociaciones.

Un bucle de tiempo para el Espacio MeBAS

2010-05-21T19:26:00.000+02:00

El Museo de Bellas Artes de Santander acoge hasta el 4 de julio la primera individual, basada en la imagen y las nuevas tecnologías, del joven asturiano Adrián Cuervo

Guillermo Balbona | El Diario Montañés
El mundo audiovisual, el vídeo y las nuevas tecnologías configuran el paisaje de primavera del Espacio MeBas: el cruce y la miscelánea de soportes, imágenes, vídeos y sonidos que integran la instalación, bajo el epígrafe 'la imagen-velocidad', reflexionan en realidad sobre contrastes humanos, el tiempo y el espacio, las paradojas de un modo de vida, el bucle espacio-temporal que envuelve nuestras vidas y su latido. El joven creador asturiano Adrián Cuervo, uno de esos artistas que piensa más en su obra como lenguaje que en la proyección mediática de su obra, compone en el espacio del Museo de Bellas Artes santanderino su primera muestra individual: una invitación envolvente, sensorial, secuencial, estructurada a su vez en dimensiones y parcelas diferentes, que están habitadas por diálogos, propuestas enfrentadas, combinaciones y percepciones, que remiten a la experiencia de cada individuo y su entorno, y que apelan a la propia relación entre espectador y obra.

El Museo inauguró ayer la nueva propuesta expositiva individual en su EspacioMeBAS, en este caso dedicada a Adrián Cuervo, proyecto producido por el Ayuntamiento de Santander y la Consejería de Cultura, bajo el comisariado de Salvador Carretero.

EspacioMeBAS, estrenado el pasado año, está destinado a exposiciones y proyectos de investigación y ensayo, tanto de arte contemporáneo y actual, como emergente y alternativo, que acoge muestras tanto nacionales como internacionales.

En el caso de la obra de Adrián Cuervo se enmarca dentro de las «propuestas del arte emergente español, con obra fundamentada en las nuevas tecnologías». La muestra se desarrolla entre trabajos videográficos, cajas de luz, trabajos informáticos y una especial obra sonora, a modo de cámara oscura que ironiza sobre la relación máquina-hombre.

Juego visual

Cada obra de Cuervo se considera «una disculpa estética, un pequeño juego visual o sonoro que hace llegar al público un mensaje. No son grandes revelaciones, solo discretas realidades cotidianas, ésas a las que nos acabamos habituando». Empleando para ello los sistemas audiovisuales, los nuevos medios o la fotografía, engloba todo en una estética del «hazlo tú mismo» y del reciclaje.

La obra de Cuervo diluye las fronteras entre los distintos soportes y medios creativos, «combinando en una suerte de relaciones las imaginerías específicamente basadas en su esencia visual y gráfica, junto a conceptos más o menos graves como pueden ser la conformsación de la obra, las relaciones sujeto-objeto o la especificidad de materias y tiempos, dejando tras de sí un poso que podemos definir no exento de la poética más clásica de la conformación artística».

En paralelo a esta cita de Santander el Centro LABoral de Gijón acoge la obra de Cuervo, 'El mar cotidiano'.

Ambos espacios comparten así su creación de contenido narrativo en la que se incide en la relación entre la persona y el mar. Su protagonista en pantalla «enumera mediante subtítulos las grandes maravillas oceánicas que no ha visto, y probablemente jamás conocerá más que por documentales de televisión, viendo realzadas sus características».Otra pantalla alude a las características plásticas de un mar Cantábrico que le es próximo y cercano.

Esta pieza de vídeo busca indagar en las relaciones cuerpo-mar y las formas de percepción de éste. Las cualidades escultóricas y plásticas del mar, más allá de la fascinación que puedan proporcionar las maravillas zoológicas y turísticas de los múltiples mares de nuestro planeta, asoman en su significado.

En palabras del artista, su obra «habla de un mar íntimo, próximo, de la capacidad de embelesamiento de los lugares comunes, de una mirada comprensiva y no tanto descubridora, de paisajes por encontrar la abstracción en lo cotidiano».

Encuentros sobre coleccionismo en Juan Silió. Sábado 22 de mayo a las 18:00h

2010-05-21T19:05:00.001+02:00

El próximo sábado 22 de mayo a las 18:00 h. tendrá lugar en la Galería Juan Silió el II Encuentro sobre coleccionismo bajo el lema “Coleccionando fotografía, de lo privado a lo público” . Los participantes en esta ocasión serán:

D. Jaime Sordo ( Colección Los bragales)

D. Enrique Ordóñez ( Colección Ordóñez- Falcón)

D. Javier González de Durana ( Director del Tenerife Espacio de las Artes- TEA)

“Coleccionando Fotografía, de lo privado a lo público”

Los II encuentros sobre coleccionismo, dedicados esta vez a la fotografía, están planteados para dar a conocer a un amplio grupo de jóvenes profesionales que están comenzando a comprar arte, que todas las grandes colecciones han comenzado poco a poco, con dificultades y con criterios muy diferentes.

Los nuevos coleccionistas no son conscientes de que pueden estar siguiendo los mismos pasos que los coleccionistas más conocidos. Facilidades de pago, escasa capacidad adquisitiva, falta de una línea clara a la hora de pensar en su propia colección son características que les hacen sentirse lejos de lo que ellos pueden considerar “grandes coleccionistas”.

Se pretende presentar estas colecciones de referencia desde el punto de vista de la pasión por el arte y la dificultad con la que se han ido adquiriendo las obras. Se quiere también incidir en la generosidad de los coleccionistas, quienes, lejos de buscar una rentabilidad económica a cada una de las obras que poseen, su principal objetivo es que las obras sean disfrutadas por el mayor número de personas posibles. La generosidad es algo implícito al coleccionista de arte.

Históricamente, la mayoría de los Museos o Centros de Arte, sobre todo en Estados Unidos, han basado gran parte de su éxito en su capacidad para dotar a la institución de recursos económicos y materiales (obras independientes o colecciones completas) provenientes del ámbito privado.

Así pues, la labor del Museo o Centro de Arte es de gran importancia para el coleccionista ya que éste analiza, reconstruye y aporta nuevas lecturas a la colección, actuando de esta forma como difusor de estas obras hacia el gran público por medio de exposiciones.

En un momento como el actual, en el que los presupuestos para la adquisición de obra se están reduciendo drásticamente, es vital poder mantener la capacidad de incorporar obra nueva a los Museos por medio de acuerdos con coleccionistas privados.

Javier González de Durana Isusi (Bilbao, 1951) es doctor en Filosfía y Letras y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Desde marzo de 2001 hasta agosto de 2008 fue el director de la Fundación Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo. Fue también director de la Sala de Exposiciones Rekalde entre 1992 y 2001 y es autor de numerosos trabajos sobre las vanguardias artísticas bilbaínas de principios de siglo XX, como Ideologías artísticas en el País Vasco de 1900, Arte y política en los orígenes de la modernidad (1992) y El Coitao. Mal llamao (1995). Es autor también de la novela El jardín de Marte y de Relatos y arrebatos.

Ha sido miembro, además, de la Comisión Asesora de Compras de la Colección Artística para el Museo Guggenheim Bilbao, y de su consejo de administración, entre 1993-98. También ha participado como miembro del comité de Honor de ARCO en sus ediciones 1997 a 2006.

Desde agosto de 2008, dirige el Tenerife espacio de las Artes (TEA). Este centro, abierto al público a finales de ese año alberga de manera temporal las dos colecciones que han sido presentadas esta tarde. Llega a este puesto gracias al proyecto presentado ante un importante jurado internacional del mundo del arte en un concurso junto con otros 14 finalistas.Este nuevo espacio acoge el Instituto Oscar Domínguez, la Biblioteca Insular y el Centro de Fotografía de Tenerife.

D. Enrique Ordóñez junto con su mujer Isabel Falcón son los propietarios de la, Colección Ordóñez Falcón de Fotografía COFF, una de las más importantes y prestigiosas colecciones de la actualidad, demandada por los principales comisarios y Centros de Arte de todo el mundo.

La fotografía y el vídeo reflejan como ningún otro lenguaje el arte contemporáneo del siglo XXI. Eso creyeron Enrique Ordóñez e Isabel Falcón, ya en los años setenta. Iniciaron entonces una colección que permite revisar la historia de la fotografía. La obra más antigua data de 1847 y está firmada por el inglés William Henry Fox Talbot, uno de los pioneros de la fotografía. Los vídeos constituyen la parte más moderna de una colección que supera ya las 2.000 piezas. Pero a su dueño no le interesan los números, sino la calidad. "Nuestro objetivo desde el principio fue atesorar piezas maestras".

Tras varias cesiones parciales de la colección en importantes lugares como Macba, Artium, IVAM, CGAC o Centro Huarte, finalmente se ha llegado a un acuerdo con el TEA de Tenerife por el cual se depositará allí por un período de 10 años.

Enrique ha sido el creador de la Feria DFoto de San Sebastián, que pese a su corta existencia convirtió a la ciudad de San Sebastián en el centro de referencia de la fotografía y el vídeo; la feria fue un referente para el mercado de la fotografía en Europa. También ha dirigido el Centro de Arte Contemporáneo Huarte de Pamplona.

Enrique Ordóñez proviene del mundo del diseño y la publicidad, el cual, según sus palabras, siempre le ayudó a poder ver la imágenes con las que se trabaja de una manera distinta.

Jaime Sordo, conocido empresario cántabro, es Socio Fundador y Director General de la empresa Airconfort, recientemente incorporada al Grupo Dalkia Entre sus méritos profesionales hay que destacar su nombramiento como Socio de Mérito e Insignia de Oro de la Unión de Asociaciones de Ingenieros Técnicos Industriales de España en 2004; Premio Climatización 2007 por las distintas asociaciones que componen el sector de la climatización, miembros del Comité organizador y la dirección de la Feria (IFEMA) 2007; y Socio de Honor e Insignia de Oro de ATECYR en diciembre de 2009, de la que fue presidente en dos ocasiones.

Es una de las personas más vinculadas al mundo cultural de nuestra región en muchos de sus campos entre los que destaca el mundo de la música, siendo Patrocinador del Concurso de Piano Paloma O’shea y de Encuentros de Música y Academia; Amigo del Festival Internacional de Santander y Socio de Amigos del Festival. En el mundo del Arte pertenece al grupo de Amigos de Arco y del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Su actividad como coleccionista se centra a partir de los años 90, momento en el cual, bien guiado por el Galerista Manuel Arce, comienza a adquirir obras de la Escuela de París, Escuela de Madrid y los principales artistas internacionales de los años 70. A partir de 1994 comienza a coleccionar pintura de los años 80 y 90 de la mano de Miguel Marcos; en 1998 compra su primera fotografía y en 2002 incorpora el primer vídeo a su colección, convirtiéndose en coleccionista de referencia de videoartistas como el santanderino Manu Arregui.

En 2009 decide darle el nombre de Los Bragales a su colección. Durante estos años, las obras han sido solicitadas en 22 exposiciones y sólo en el 2010 se han podido ver 62 de ellas en el TEA de Tenerife, 59 pinturas en el Palacio de Sástago de Zaragoza, 11 en Ejea de los Caballeros (Aragón) y 18 en el Monasterio de Sta. María de Veruela, también en Aragón.

La Colección Norte genera la creación de tres nuevos espacios expositivos

2010-05-20T11:45:00.004+02:00

Guillermo Balbona, M. San Miguel | El Diario Montañes

El comisario Francisco Calvo Serraller apuesta por una selección de 86 obras «relevante y significativa de lo que está pasando hoy»
La Colección Norte de Arte Contemporáneo camina hacia su decimoquinto cumpleaños sin que el proyecto museístico al que están destinados sus fondos se encuentre encauzado de forma definitiva. Paradójicamente, la exposición temporal «selectiva y representativa» de la colección, inaugurada ayer en la nueva Biblioteca Central y Archivo Histórico de Cantabria, ha generado la creación de un nuevo triple espacio expositivo que desde ahora acogerá regularmente muestras de diferente dimensión y, de manera paralela, otras actividades, en una superficie que supera los mil quinientos metros cuadrados: el patio central del edificio y las salas polivalentes de la Biblioteca y el Archivo que lo flanquean. Precisamente el consejero de Cultura, Javier López Marcano, anunció que este espacio acogerá el próximo otoño otra muestra titulada 'Cántabros en la Colección Norte', que viajará después por distintos lugares de la región.

«Una colección pública no puede responder sólo a un juicio especializado, sino que éste debe encardinarse en una realidad social específica, a la que debe servir». El crítico, ensayista y catedrático Francisco Calvo Serraller considera que la Colección Norte responde a este espíritu. Un proyecto «en crecimiento», nacido en 1996, en el que, al contrario que muchas otras iniciativas de coleccionismo público, «ha primado el contenido sobre el contenedor» y destaca por «una calidad media de notable interés», precisó Calvo Serraller. A su juicio, la colección «toca perfectamente todo lo que tiene que tocar una colección de arte contemporáneo hoy en día». El ex director del Prado, como comisario de esta muestra de los fondos de arte contemporáneo del Gobierno de Cantabria, subrayó que la Colección cumple, en su opinión, con las tres grandes determinaciones que cabe exigir a una iniciativa pública: «Nutrirse de artistas cántabros, nacionales e internacionales que están muy imbricados; mantener un vínculo en el tiempo con galerías y galeristas cántabros y atender al arte emergente, en el sentido de dar cabida a los nuevos medios».

Tras la presentación matinal de la muestra, el presidente del Gobierno regional, Miguel Angel Revilla, inauguró en la Biblioteca la exposición de la Colección de Arte Contemporáneo.

Ochenta y seis obras, entre pintura, escultura y fotografía, conforman la muestra selectiva a modo de «antología representativa» de la Colección Norte, que puede verse hasta el 25 de julio en la Biblioteca Central. Calvo Serraller destacó que la opción elegida se traduce en una clara representatividad de la identidad de la colección pública cántabra, y, al tiempo, en una respuesta ajustada a su espacio de exhibición. A juicio del comisario, la calidad de los fondos de la Colección hubiera permitido haber seleccionado 200 obras igualmente representativas.

El académico destacó que el visitante encontrará una selección «relevante y significativa de lo que está pasando hoy». De Juan Uslé a Dis Berlin, de Luis Gordillo a Pierre Gonnord, de Candida Höfer a Antoni Tapies, de Darío Urzay a Chema Madoz, entre otros, el itinerario selectivo conformado por 82 artistas sintetiza, según el comisario, la identidad de la colección cuya distinción reside en intentar reflejar el presente del arte actual. En la nómina, de Juan Navarro Baldeweg a Eduardo Gruber, de Esteban de la Foz a Ciuco Gutiérrez, se incluyen quince cántabros.

A su juicio, su rasgo internacional y pluralidad se revelan en que esta muestra «tiene interés no sólo para el público cántabro, sino para cualquiera a quien le guste el arte contemporáneo».

Las obras expuestas en el complejo de la calle Ruiz de Alda suponen aproximadamente un 8% de la cifra de piezas que integran la colección. Calvo Serraller incidió en que la muestra abierta ayer «es representativa, cumple con el fin de dar visibilidad significativa a la Colección y se ajusta a las condiciones arquitectónicas del espacio, tras el trabajo museográfico desarrollado por el arquitecto Juan Ariño. El comisario considera que la Colección, hasta su destino final en el museo, permite organizar «muestras temáticas o crear módulos de exposiciones», dada su diversidad. Calvo Serraller defendió el modelo seguido por Cultura, es decir, apostar por un proyecto de crecimiento para después plantearse un edificio para acogerlas. A su juicio, «nos hallamos ante la fase inicial de un proyecto cuyo conjunto actual no puede ser calificado nada más que como un horizonte». El comisario especificó que la Colección «toca todo lo que debe tocar una colección de arte actual, en cuanto a que atiende las necesidades de su entorno social, y cuenta con una representación de lo mejor del arte de Cantabria, no desde una visión localista o provinciana, sino puesta en relación con lo que se está haciendo a nivel internacional».

Apuntó, asimismo, como rasgo distintivo de la Colección el que, como en el caso del IVAM, «se ha empezado por adquirir obras y darse un tiempo antes de construir un edificio que las albergue, lo que es lo más sensato». Lo mejor, recalcó, es «hacer primero la necesidad de un museo, empezar por la sustancia y luego crear la carcasa, como se ha hecho en Cantabria».
El Mirador
1573 m2 para exponer en el nuevo espacio
Marcano admite que el proyecto de ampliación del museo «va muy lento»
Galería de fotos de el Diario Montañés

Cantabria, Norte de la Colección

2010-05-20T01:35:00.000+02:00

Guillermo Balbona | El Diario Montañés

En 1996 tuvo lugar la colocación de la 'primera piedra' de lo que hoy se conoce como 'Colección Norte de Arte Contemporáneo del Gobierno de Cantabria'. Casi quince años después Cultura inaugura una exposición que pretende oficializar su apuesta, marcar un antes y un después, presentar en sociedad unos fondos que superan ya el millar de obras y que cuenta con centenares de creaciones y piezas de artistas cántabros.

El patio de la Biblioteca Central y Archivo Histórico de Cantabria acogerá desde hoy esta exposición determinada por el espacio donde se va a exhibir, tras una intervención del especialista Juan Ariño, con la intención de convertirse «en la sala de exposiciones que hasta ahora no contaba la ciudad». El comisariado de esta cita especial es del critico, catedrático y escritor, ex director del Prado, Francisco Calvo Serraller, uno de los grandes especialistas en arte de vanguardia, que ha estudiado en profundidad las piezas que integran la colección.

El acto de apertura se celebrará hoy, a las ocho de la tarde, en el complejo bibliotecario, con acceso por Ruiz de Alda, antigua Tabacalera. El presidente regional, Miguel Ángel Revilla, inaugurará la muestra. El consejero de Cultura Javier López Marcano y el comisario presentarán las señas de identidad de esta propuesta.

La exhibición de la Colección, no obstante, ha vivido una importante demora, ya que en principio estaba previsto que se abriera al público el pasado mes de diciembre, paralelamente a la inauguración de la Biblioteca. Finalmente, la opción se descartó con el fin de adaptar el espacio elegido a las condiciones del montaje. Además del atrio central de la Biblioteca, otros dos espacios albergan esta muestra de los fondos.

Obras de Juan Uslé, Julian Schnabel, Candida Höffer, José María Sicilia, Jaume Plensa, Juan Navarro Baldeweg, Cristina García Rodero, Antoni Tàpies y José Manuel Broto forman parte de la selección final, configurada por un centenar de piezas que se exhibirán desde hoy en el patio central de la Biblioteca Central y Archivo Histórico de Cantabria.

Amén de procurar su crecimiento como reflejo de los lenguajes artísticos contemporáneos, el Gobierno regional busca consolidar la Colección Norte como un ejemplo de coleccionismo público, y en estos quince años de andadura se postula, a jucio de los responsables de Cultura, como «un instrumento muy útil de apoyo no sólo a nuestros artistas, tanto los consagrados como los emergentes, sino también a nuestros galeristas con una política de adquisiciones rigurosa y que busca la calidad».

A juicio del titular de Cultura, la Colección Norte conforma «una extensa trama laboriosamente urdida y cada obra, en su individualidad, simboliza una pequeña pieza dentro de la maquinaria de la industria cultural». Durante años la polémica ha asomado en ocasiones a la Colección por la política de adquisiciones o por la falta de su destino claro. Marcano confirmó recientemente que los fondos se incorporarán al renovado Museo de Bellas Artes, cuando esté finalizado el proyecto de la nave anexa a este edificio (antigua imprenta J. Martínez), adquirida por este departamento en 2007. Mientras, la colección «seguirá cumpliendo su vocación viajera e itinerante». La Colección Norte, que se ha desarrollado con mayor impulso en los últimos años, ha sido protagonista cultural durante la década que ahora concluye, bien por las adquisiciones regulares que iban sumándose a ella, bien por la convocatoria de exposiciones temporales. La muestra y el catálogo, que se presentan ahora, reflejarán de manera selectiva, desde hoy, «un testimonio público más sobre la importancia de los fondos, a modo de repaso por algunos de los nombres más significativos presentes en la colección». Las Casas del Águila y la Parra de Santillana, que en su día se llegaron a plantear como sede permanente de la colección, acogieron en 2007 la exposición más completa hasta hoy de estos fondos, aunque otras citas parciales han servido durante varias ediciones de ARCO como contenido del pabellón institucional en la feria internacional. La colección Norte siempre se ha definido bajo estas premisas: «dinámica y, por tanto, en continuo proceso de construcción; contemporánea al centrarse en el arte actual; plural, pues en ella tienen cabida artistas regionales, nacionales e internacionales; abierta a todas las tendencias».

Una muestra representativa que supone una nueva puesta de largo del contenedor que la alberga.

Treinta nuevas obras de Emilio González Sainz abren la temporada 2010 de Robayera

2010-05-19T17:30:00.000+02:00

La actividad regular de Robayera, pionera en la descentralización cultural de la región y bien conocida en el mundo artístico nacional, regresa este fin de semana con su nueva temporada. Al cumplirse veintitrés años de andadura, el proyecto municipal artístico de Miengo emprende un nuevo calendario expositivo que abre el próximo sábado la muestra configurada por una treintena de nuevas obras de Emilio González Sainz, óleos y acuarelas, que supone un nuevo acercamiento a uno de los representantes del arte cántabro con mayor proyección, amén de haber sido galardonado en varias ocasiones a lo largo de la presente década. La sala Robayera, que dirige el también pintor Juan Manuel Puente, nació en 1988 cuando propuso al ayuntamiento de Miengo utilizar unos locales de la casa consistorial para mostrar sus obras.

De aquella primera exposición, materializada de manera estable al año siguiente, afloró la programación de exposiciones de artes plásticas en el espacio anexo al ayuntamiento. Hoy en día, la temporada se celebra en las antiguas escuelas de Cudón, mientras prosigue la incógnita sobre el proyecto de centro cultural y de arte (caso de una antigua iniciativa en el Centro de Arte Palacio El Somo) destinado a albergar la colección Robayera que supera ya las 120 obras.

Robayera comenzó a andar con una programación que incluía a cuatro artistas cántabros: Celestino Cuevas, Rafael Leonardo Setién, Joaquín Martínez Cano y Manuel Fernández Saro para pasar a aglutinar a artistas del ámbito nacional y, desde finales de los noventa, a nombres internacionales.

Emilio González Sainz y su poética del paisaje, un sello e icono de la pintura española del presente, será la referencia inaugural de la nueva temporada de Robayera con su cita del sábado a las siete y media de la tarde. Será la primera estación plastica de una temporada en la que, como ha avanzado este periódico, se sucederán las exposiciones de Rafael Cidoncha, Pablo Maojo, y, entre otros, el fotógrafo argentino vinculado a Cantabria José E. Lamarca. Un retratista subyugado por los personajes de los 'Flamencos', epígrafe de su serie más conocida a nivel internacional, que ha subrayado la relación humana, cercana e intensa que enriquecen sus retratos, que clausurará la temporada 2010, ya entrado el otoño.

Nombres consagrados

A lo largo de los años noventa, el proyecto Robayera se fue consolidando al dar entrada a importantes artistas consagrados del panorama español e internacional de las mas variadas tendencias: Ferrán García Sevilla, José Manuel Broto, Miquel Barceló, Rafael Canogar, con un calendario anual configurado por cinco o seis exposiciones que abarcan de mayo a noviembre. En muchos casos Robayera ha organizado en estos años primeras exposiciones individuales en Cantabria de de determinados artistas.

Un apuesta «descentralizada, desarrollada desde un pequeño municipio rural», como se destacó con motivo de su XX aniversario, que además ha servido de acicate para otras experiencias ya consolidadas en la comunidad y con otros rumbos, caso de los simposios internacionales de Sianoja y sus programas expositivos complementarios durante el año, o la iniciativa del Observatorio del Arte en Arnuero.

Citas históricas fueron las muestras de Chillida en 1996 y la de Tàpies en 1997. Asimismo, Juan Genovés, Gerardo Delgado, Santiago Serrano, Antonio Mesones, Juan Barjola, Darío Villalba, Albert Ráfols-Casamada, Pilar Cossío, Manuel Quejido, Carlos Franco, Alfonso Albacete, Eva Lootz, Carmen Calvo, Pedro Palazuelo, Ian Wallace, Juan Uslé, Cristina Iglesias, Ciuco Gutiérrez y Jorge Fernández han mostrado su obra en Miengo.

También destacan creadores como Joan Hernández Pijuan, Guinovart, Susana Solano, Jaume Plensa, Adolfo Schlosser, Juan M. Moro, Gordillo, Miquel Navarro, Martín Chirino y Juan Muñoz, que expuso en Robayera poco antes de su muerte. El proyecto, que nunca ha estado sujeto a cambios radicales ni a vavenes políticos, ha mantenido su programación con el apoyo de la Consejería de Cultura, con colaboraciones esporádicas de otras entidades como Caja Cantabria y Solvay. En 1995 se mostró por primera vez la colección de arte contemporáneo, surgida de las donaciones de los artistas expuestos. La última colectiva de sus fondos tuvo lugar al final de la temporada 2009.

La 'imagen-velocidad' de Adrián Cuervo se suma esta semana al Espacio MeBAS

2010-05-18T18:46:00.001+02:00

Guillermo Balbona | El Diario Montañés
Bajo el epígrafe 'La imagen-velocidad', el museo santanderino inaugura esta semana una nueva propuesta con destino a su Espacio MeBAS, que estará protagonizada por el artista Adrián Cuervo. Desde el próximo jueves y hasta hasta el 4 de julio se sumará al singular espacio museístico de muestras temporales, diseñadas de modo específico, la creación del artista asturiano.

Antes, la pinacoteca de la calle Rubio acogerá una nueva entrega de sus ciclos divulgativos, en este caso un acercamiento a la huella de un artista esencial pero controvertido, Joseph Beuys, cuyo retrato corresponderá a la historiadora del arte Amaia Barredo.

Artista multidisciplinar, el asturiano Adrián Cuervo (Gijón, 1981) convierte cada obra «en una disculpa estética, un pequeño juego visual o sonoro que hace llegar al público un mensaje». Los sistemas audiovisuales, los nuevos medios o la fotografía, encapsulado todo en una estética del 'hazlo tú mismo' y del reciclaje», vertebran su trabajo creativo.

Licenciado en Bellas Artes por la Facultad Alonso Cano de la Universidad de Granada, Adrián Cuervo protagoniza este año la muestra 'El Proceso como paradigma' en la LABoral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón y la XX ediciónde la colectiva de Artes Plásticas del Principado de Asturias. Otras de sus muestras individuales han tenido lugar en Bruselas, Salamanca, Museo de Bellas Artes de Guadalajara, y galería Borrón de Oviedo, entre otras. Su obra formó parte del Premio y Concurso de Artes Plásticas 'Gobierno de Cantabria y se expuso en la Casa Museo de Jesús del Monasterio, en Casar de Periedo.

Entre sus creaciones, destaca 'La velocidad, La Vitesse', una obra que utiliza las formas abstractas y fluctuantes que adoptan los objetos en movimiento para crear una cadencia rítmica hipnótica. Esta creación consta de tres pantallas sincronizadas que exhiben lo que parece ser un paisaje sin fin. Los elementos reconocibles se tornan rápidamente en formas abstractas que se mecen sobre una confusa línea de horizonte. El vídeo fue construido a partir de una imagen real, y post-procesada digitalmente.

El Museo de Bellas Artes, por otra parte, retoma hoy martes la actividad 'Artistas de los siglos XX y XXI' con la conferencia dedicada al gran artista alemán de referencia Joseph Beuys e impartida por la historiadora del arte Amaia Barredo, a las 19.30, actividad que organizan conjuntamente el Ayuntamiento de Santander y la Consejería de Cultura.

Barredo (Vitoria-Gasteiz, 1978) es licenciada en Historia del Arte por la Universidad del País Vasco. Ha trabajado en el Departamento de Educación del Centro-Museo de Arte Contemporáneo Artium, de Vitoria, en el ámbito de la didáctica y la educación del arte en los museos. En 2006 y 2007 abordó tareas de gestión cultural en la Embajada de España en Bosnia y Herzegovina, en colaboración con la AECI-Agencia Española de Cooperación Internacional. En la actualidad trabaja en el Departamento de Artes Plásticas de la Fundación Marcelino Botín, en Santander.

Beuys (1921-1986) portador de una fuerte y compleja personalidad, es uno de los artistas más influyentes y decisivos, pero también más controvertidos de la posguerra alemana. Beuys «dilató las dimensiones tradicionales y la propia concepción del arte, trabajando con medios y técnicas diversas y dispares», como son la escultura, el dibujo, el arte de acción o la instalación. Probablemente sea uno de los artistas conceptuales alemanes que con más insistencia e intensidad haya insertado su trabajo «dentro de un todo orgánico regido por la libertad creativa y la coherencia estética».

La nueva Asociación Cultural de Fotografía y Vídeo de Santander presenta su identidad

2010-05-18T18:40:00.001+02:00

Guillermo Balbona | El Diario Montañés
La fotografía, el vídeo y el mundo audiovisual en general, junto con el ámbito cinematográfico particular de los cortometrajes, han sido dos de los pilares más destacados de la creación surgida en Cantabria en los últimos años. El surgimiento de fotogalerías; la creciente dedicación a la fotografía a través de espacios públicos institucionales y privados; la mayor atención de los coleccionistas; cursos y talleres; las propuestas colectivas; la presencia de la imagen en la calle a través de asociaciones y convocatorias populares, y los festivales como Foconorte o iniciativas ya veteranas como los encuentros de Polientes Foto, han ratificado y potenciado la activa labor de los creadores. Ahora, nace un nuevo movimiento asociativo en Cantabria que, a modo de referente, pretende encauzar inquietudes y territorios partícipes comunes y cómplices, y tratará de reflejar la profusa actividad de los creadores de la comunidad.

Hoy martes tendrá lugar la presentación de esta nueva propuesta, bautizada como 'Espacio-Imagen, Asociación cultural de fotografía y vídeo de Santander', una agrupación destinada a aficionados y profesionales relacionadas con el mundo de la imagen, que pretende «favorecer la creación activa y la participación de la fotografía y de todos los demás campos artísticos en los que existan inquietudes».

Creadores de diversos ámbitos ligados al mundo de la imagen han mantenido reuniones previas destinadas a canalizar las necesidades e inquietudes del sector. Todo ello ha fructificado a través de una propuesta prioritaria encabezada por el fotógrafo Pablo Hojas, uno de los mayores activistas e impulsores del protagonismo que ha adquirido la fotografía en la región, en 'Espacio Imagen'.

El objetivo común radica en «crear un espacio de encuentro para todos los interesados en la fotografia, el video, el diseño, la moda, (modelos, maquillaje, peluquería, edición), iluminacion, efectos especiales, empresas de carpas, sonido, estilismo, entre otros terrenos y elementos.

Tras esta iniciativa de potenciación de un «espacio de encuentros de la imagen» se halla la intención de configurar en la práctica «una asociación para realizar proyectos en común, exposiciones,concursos, producciones de foto y vídeo, charlas..., y disponer de todos los elementos humanos y técnicos para grandes producciones».

Cita abierta

La convocatoria inaugural, con destino a aglutinar a creadores de diversos ámbitos y a conocer la verdadera respuesta a los citados objetivos, tendrá lugar hoy a las 20.00 horas en el Centro Cultural Casyc y está abierta «a todas aquellas personas interesadas en el mundo de la imagen en particular y del arte, en general, que deseen tomar parte en este proyecto».

Los estatutos que fundamentan este proyecto asociativo contemplan la organización de cursos, conferencias, proyecciones, exposiciones, concursos, excursiones, prácticas de laboratorio, revelado digital, e investigación de la técnica fotográfica, más edición de libros, catálogos, folletos, postales y carteles.

Así mismo, se dará prioridad a la creación de un fondo documental y el establecimiento de lazos de amistad e intercambio de experiencias con otras asociaciones fotográficas, y con aquellas entidades culturales que tengan alguna relación con actividades fotográficas, bien sea de España o del extranjero. El domicilio social de forma provisional se ubica en la calle santanderina de Camilo Alonso Vega. La Asociación será gestionada y representada por una Junta Directiva.

En su arranque, presidida por Juan Carlos Quintana de la Fuente, la integran: Raúl Lucio, vicepresidente; como secretario, Álvaro Ramiro; Rosario Ruiz Dávila, tesorera, y cuatro vocales, María Angeles Cayón Eguren, Jesús Sánchez Fernández, Álvaro Oliva y Gema Martínez Rodrigo.

En marcha Desvelarte 2010.

2010-05-14T16:10:00.000+02:00

Ya se ha puesto en marcha la iniciativa cultural "Desvelarte"que en su segunda edición Desvelarte 2010, pretende llenar la ciudad de actividades y acciones culturales de diversa indole, para convertirla en un gran espacio cultural donde la ciudadanía se involucre y se vea inmersa. Una semana, del 20 al 26 de septiembre, con multitud de escenarios en un entorno urbano, único como es Santander, para transformarla en un centro de diálogo, feria e intervención artística.

Los diferentes escenarios y programas de actividades, así como las múltiples actividades, se están elaborando en estos precisos momentos, y a lo largo de estos tres meses que restan, serán informados con puntual comunicación, desde este blog, o en los diferentes espacios de facebook, twiter, etc.

Así mismo, os facilitamos la web oficial del grupo para favorecer las noticias de primera mano.

http://www.desvelarte.es/

El fotógrafo cántabro Antonio Aragón Renuncio, galardonado con el Premio Latinoamericano de Fotografía Documental 2010

2010-05-14T05:08:00.001+02:00

SantanderciudadViva.com

El fotógrafo cántabro Antonio Aragón Renuncio ha sido galardonado con el Premio Latinoamericano de Fotografía Documental 2010, galardón que recibió de manos de Jairo Ruiz Sanabria, director del concurso, en un acto celebrado en el Museo de Antioquia de Medellín (Colombia) el pasado día 30 de abril.

Aragón aprovechó su visita al país para inaugurar la exposición con su trabajo en dicho museo y dar una serie de entrevistas y conferencias en la ciudad colombiana.

El jurado integrado por Elda Harrinton (fotógrafa, curadora, editora y docente. Argentina), Gabriel Mario Vélez Salazar (Maestro en Artes y Doctor en Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente se desempeña como Jefe del Departamento de Artes de la Universidad de Antioquia. Colombia) y Santiago Ochoa Cadavid (Maestro en Artes Plásticas, egresado del State University of New York) emitió el fallo en las ciudades de Buenos Aires (Argentina) y Medellín (Colombia) durante el mes de abril del presente año.

Según el jurado internacional, el trabajo de Antonio Aragón es “de gran originalidad que tiene a su vez mucha pertinencia en su sentido social y humano. Son fotos impactantes, de un colorido muy bien logrado, que se destacan por su factura técnica, logros estéticos y un mensaje coherente. Hay que destacar que en un entorno y en una labor inusual, el fotógrafo, haciendo uso del color y de una composición elemental, consigue construir una serie muy ilustrativa e interesante”.

Este año el concurso contó con la participación de más de 1.200 fotógrafos de países tan diversos y lejanos como el Reino de Bahréin, Filipinas, Irán y Ethiopia, así como de todo el continente americano conformando un total de más de 4400 trabajos presentados a este prestigioso certamen internacional. Con este galardón, Antonio Aragón Renuncio, que desde hace años vive y trabaja en Centroamérica (Nicaragua), aumenta su ya amplio curriculum en premios (Premio Nacional de Fotografía para Jóvenes Autores (INJUVE, Madrid) (año97).

Premio Nacional de Fotografía del Gobierno de Cantabria (años 98 y 99). Premio Nacional de Fotografía de Vizcaya (año 2000). Beca III Fotoencontres del Espai de la Fotografía de Valencia (año 2000). Beca de Artes Plásticas del Gobierno de Cantabria (años 2001, 2002, 2003, 2004, 2005)… entre otros) y exposiciones (Museo Español de Arte Contemporáneo (Madrid), Museo de Bellas Artes (Santander), Fundación BBK (Bilbao), Canal de Isabel II (Madrid), Espai de la Fotografía (Valencia), Obra Social y Cultural de Caja Duero (Cáceres), Teatro Nacional Rubén Darío (Managua. Nicaragua), ARCO (Feria Internacional de Arte Contemporáneo, Madrid), Museo de Antioquia (Colombia)… entre otros) a nivel nacional e internacional.

Aragón lleva años trabajando en diferentes partes del mundo publicando sus reportajes en diferentes medios nacionales y extranjeros. Ha trabajado de forma freelance para diversas Agencias Internacionales de Prensa (Associated Press, Agencia EFE, Prensa Latina…) además de ser Editor General de la Revista Xplorer en Centroamérica y profesor en la Universidad Centroamericana (UCA) de Managua.

Noticia de el diario El Mundo de Colombia.

En lo diáfano, en lo profundo y en lo recóndito de los Cayos Miskitos del Atlántico Norte en Nicaragua, se realiza uno de los peores trabajos del mundo según la Organización Internacional del Trabajo (OIT). A más de 60 millas mar adentro, cientos de hombres, y especialmente cientos de niños, se sumergen más de 40 metros durante al menos 8 horas al día, todos los días, para pescar con sus propias manos, las grandes y jugosas langostas que allí crecen como arroz. Sin más ayuda que un rudimentario tanque de oxígeno atado al cuerpo mediante una cuerda, esos hombres y niños se ganan el pan poniendo en riesgo su vida y su salud, irreversiblemente.

Esta es la historia que relata a través de una serie de cinco fotografías el español Antonio Aragón, la serie ganadora en la categoría Niñez Trabajadora de la Décimo Sexta (16) versión del Concurso Latinoamericano de Fotografía Documental, organizado por la Escuela Nacional Sindical ENS, de Medellín, cuyo resultado se exhibe por estos días en el Museo de Antioquia en la exposición anual Los Trabajos y los Días.

Este año el concurso contó con la participación de 1.219 fotógrafos y fotógrafas de países tan diversos y lejanos como el Reino de Bahréin, Filipinas, Irán y Ethiopia. Fueron un total de 4.364 fotografías participantes, organizadas en las cuatro categorías concursantes: Mujeres Trabajadoras, Trabajo Migrante, Niñez Trabajadora, y Hombres Trabajadores.

En palabras de los organizadores, la Escuela Nacional Sindical ENS, “la gran mayoría de las imágenes recibidas, reflejan las múltiples identidades existentes en América Latina, donde conviven un mundo rural, desierto o selvático, y un mundo urbano e industrial, con oficios de alta complejidad tecnológica y de formas básicas de trabajo manual o artesanal”.

Para el director del Concurso, Jairo Ruiz Sanabria, este evento permite documentar la vida económica y laboral de Latinoamérica, es una especie de ventana de censo de lo que está pasando, y en ese sentido cada año llegan fotografías que develan la situación de un país en esta materia. Siempre es un termómetro de lo que va ocurriendo, del desempleo, de la globalización”, indica.

En este sentido, es posible apreciar mediante esta décimo sexta versión que no se está evidenciando el trabajo industrial, pero en cambio sí el rural, el artesanal y el informal, “nos llegan desde las curanderas de México, hasta las extractoras de sal en Perú, pasando por otros más modernos, como la foto de una científica cubana trabajando en la vacuna contra el cáncer”, relata.

Uno de los ganadores

El ganador español Antonio Aragón, visitó a Medellín para la apertura de esta exposición el pasado lunes y le contó a la ciudad la aventura que implicó desentrañar esta historia que silenciosamente acaba con la vida de muchos niños y hombres de este escondido cayo de Nicaragua, “la langosta es el segundo producto de exportación después del café de este país, en el año 2000, por ejemplo, se exportaron 4 millones de libras, todo mediante la pesca artesanal que deja muchos muertos y muchos lisiados, porque pasan al menos 8 horas buceando con 16 tanques de oxígeno al día, sin guardar los tiempos de descompresión, además, muchos utilizan marihuana o crack para soportar las duras jornadas”.

Relata que el lugar en el que realizan esta actividad, en su mayoría niños y jóvenes menores de 18 años, carece de luz eléctrica y las casas están construidas sobre el mar, “cuando llegué tuve que pasar ocho días en el puerto porque nadie me quería llevar al lugar donde se realiza la pesca. Allí no hay turismo, no hay barcos, no hay nada. Al regreso lo mismo, esperar que una lancha quisiera llevarme después de haber pasado 12 días conviviendo con ellos. Se calcula que en Nicaragua hay más de 3 mil buzos, y de ellos, más del 50% tendrá problemas de salud y el 10% daños irreversibles como la pérdida de un miembro o la muerte”, concluyó el español, invitando a los medellinenses a visitar esta exposición itinerante que estará en el Museo hasta el 18 de julio.
Enlace al Caborian >>>

Mar Pajarón expone desde mañana sus 'sueños' en el Café de las Artes

2010-05-14T04:31:00.001+02:00

L. Mena | El Diario Montañés

'Soñándote' es el título de la exposición de la pintora Mar Pajarón que, hoy viernes, a partir de las 20.00 horas, podrá visitarse en el Café de las Artes de Santander. Su dibujos encierran mujeres. Mujeres con los ojos abiertos, entornados o cerrados, reclinadas o erguidas, alegres o tristes. Siempre mujeres. Y en todas viven colores amplios en los que los ojos se tornan verdes, rojos, ocres o grises, dándole a cada obra el tono necesario. Los fondos son tan importantes como las figuras de los primeros planos, que confieren una atmósfera subterránea o de alegría, de dudas y en algunos casos de neutralidad. Gunther Castanedo Pfeiffer explica que ante la obra de Pajarón siente «entusiasmo» porque es «una pintora con fuerza y un rico mundo interior, que asoma a través de sus cuadros y que no teme enseñar sus debilidades, sus rasgos psicológicos más profundos, enseñándonos que las personas somos más de lo que creemos ser». Además apunta que Mar Pajarón «suele, pero no siempre, dar un solo foco de luz, lateralmente a sus mujeres, en algunas ocasiones cenital o a la espalda de la figura. En pocos, esta luz, por su ausencia, da tenebrosidad a sus composiciones. Unas tinieblas en consonancia con su objetivo».

La muestra podrá verse en el Café de las Artes (Calle García Morato 4, bajo) desde el viernes día 14 hasta el 31 de julio, en horario de lunes a jueves, de 11.00 a 14.00 y los viernes de 17.00 a 20.00 horas. Acceso gratuito.

Comentario de la obra de Sergio Sáez en del Sol St.

2010-05-13T13:58:00.000+02:00

Merece la pena visitar esta explosión de color que se muestra en la galería delSol St. de Santander. La expresividad sin subterfugios y reflejada desde una tela llena de color y formas florales que recuerdan las telas orientales. Esta serie trabajada desde una iconografía personal basada en un lenguaje plástico pictórico, en conexión con la música clásica, llena de guiños gestuales, así como la constante vibración de la materia sobre la tela, confieren a su obra un sentido altamente conceptual y un aspecto neoexpresionista. Para mí, todo un descubrimiento, sobre todo cuando te acercas desde la calle a ese paraíso de color y alegría, parece que estuvieras inmerso en aquellos zocos orientales, donde todo vibra y el color te envuelve con el sol cegando los ojos del espectador.

Sergio Sáez

Del Sol St. n 47 Santander

Horario: de Lunes a Sabado de 18:30 a 21:00 h

Más info: http://www.delsolst.com/

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